渴望穿梭在天堂与地狱之间？听张艺、奥匹兹与上海爱乐乐团，呈现上海爱乐乐团2023—24音乐季闭幕音乐会

文：张可驹

昨晚（2024.7.21），欣赏了上海爱乐乐团2023—2024音乐季闭幕音乐会。张艺指挥上海爱乐乐团，携手德国钢琴家奥匹兹（Gerhard Oppitz），演出莫扎特《c小调第24钢琴协奏曲》K.491，下半场是布鲁克纳《E大调第七交响曲》，地点：上音歌剧院。

设计精心且硬核的曲目，搭配非常有吸引力的独奏家，这是张艺与上海爱乐（以下简称：SPO）组合的一贯路线。不过本次的曲目，或许还特别添加了一些妙趣。今年是布鲁克纳诞辰200周年，演出“布七”顺理成章，而搭配莫扎特《c小调协奏曲》，很有些天堂与地狱的隐喻。

傅聪将这首协奏曲的末乐章形容为浮士德下地狱，那样灰暗而“轻松”的意境，实为戏剧天才莫扎特最高妙的手笔。布鲁克纳的交响曲是他神往天堂的作品，《第七交响曲》还特别加入了一个巨大的挽歌气质的慢乐章。

之前我推荐这场演出的时候，特别推荐奥匹兹的演奏。这位钢琴家不仅是二战后德国学派中兴的关键人物，也是当代不时受到忽视的一位大师。虽然以往在大品牌录了一些唱片，奥匹兹整体上还是偏低调的演奏家。Hanssler的录音（整体都是偏后期的演奏）体现出钢琴家的艺术越发走向纯青。

渐入高龄的演奏者，不免让人担心现场的状况会否不稳，奥匹兹弹莫扎特“c小调”则鲜明地体现了演奏者的扎实。他在录音里，依旧保持年轻时很有分量的触键风格，却在音质中更增一种明亮通透的效果，在现场得到了理想的还原。

对每一音符都有所顾及，力度丰满地透入键盘，才能真正表现好莫扎特精美的结构轮廓。而这在现场实践是何等困难？奥匹兹刻画K.491的第一乐章正是当代范本。钢琴家没有特别去“做”什么，“仅仅”以那样的声音质感与颗粒的明晰，将乐句线条在无可挑剔的平衡比例中勾画出来。

大线条没什么戏剧化的波动，局部更没有任何一惊一乍的速度变化，但乐句气息的流畅、吞吐自如，搭配线条轮廓自然而然呈现的力量感，大手笔是每每都在的。并且很重要的一点，就是奥匹兹对于声部的立体感很有把握。

不是特意“弹得立体”，而是在突出主要旋律的同时，低声部始终稳稳有其分量。这在录音室中相对容易，熟悉现场的乐迷却应该知道有多难？

表现《c小调协奏曲》的慢乐章，奥匹兹和乐队取得了很好的默契，共同呈现高度流畅中的情感深度。张艺和SPO对于协奏曲很有心得，上次听他们与陈萨合作莫扎特最后的钢琴协奏曲K.595，亦是当下可贵的莫扎特协奏曲演绎。本次与奥匹兹呈现K.491的第二乐章，可谓品格非凡之演。

偏快与偏慢的演奏，本身各有特点与困难，并无单纯的高下之分。但很长一段时间以来，一些演绎者对于线条的塑造，对于乐句的呼吸都不讲究，还通过放慢速度、拉长旋律线以求“深刻”，结果根本撑不起结构，那个通过慢速拓展的空间，显得越发杂乱。

反观昔日的很多顶级演绎，速度和句法构思都凝练太多，由此呈现丰富的音乐内涵，演绎品格随之彰显。

21日晚莫扎特K.491的2、3乐章正是这样的演奏。小广板开头，奥匹兹弹出主题的时候，旋律仿佛出自一位极富修养的男中音歌唱家之口。宛如人声的美感，被融入古希腊雕塑般的线条，每一音都那么有讲究，音符的连接更是妙手，却终归无一刻显露“拿捏”感，真大师。

与此同时，奥匹兹在钢琴与木管组的对答中，瞬间切换独奏与乐队的主次分量的控制，也实在是呈现这部难演之作的教科书级示范。

表现终曲部分，独奏和乐队将主题与各段变奏的速度统一在高度流畅、稳定的推进之中，效果是升华的。如前所述，莫扎特在此写下“轻松”的悲剧性。奥匹兹与SPO在不舍昼夜般的流畅中，依然能深入发掘音乐内涵，这原本就会强化作品的独特意境。而当奥匹兹刻画不同变奏时，还能进一步赋予它们极鲜活的节奏感，更是将阴影的纵深拉满。木管组的配合相当出色。

顺便一提，哈斯姬尔在她与马克维奇的著名录音中也有类似处理。不少人还一直认为她是弹得很精美，却无法真正深入莫扎特的演绎者，就让他们这么认为吧。不过同哈斯姬尔相比，奥匹兹突出节奏律动更为直接。

下半场的重头曲目，布鲁克纳《第七交响曲》是张艺和SPO对自己提出的巨大挑战。前段时间，听了该组合演出肖斯塔科维奇《第七交响曲》（乐评在此：在“战争之夜”，扩张乐队的安全边界：略谈张艺、Volodin与上海爱乐的演出），印象甚好，对于他们演奏布鲁克纳“第八”的录音亦然。

于是很期待“布七”的现场，听后感到演出多有让人难忘之处，但这次布鲁克纳的天堂之路走得并不平坦。

“肖七”的演出展现了SPO所能企及的高能，各乐器组的表现都比较整齐，反观21晚的“布七”，铜管的演奏就未能够同弦乐等量齐观。明明这两部都是非常考验乐队高能的作品，出现这样的差异，除了演奏者的表现有起伏之外，很关键的一点，恐怕就是演出布鲁克纳“专门化”的考验。

布鲁克纳交响曲是非常自成一体的创作，对于乐队的挑战也不同于其它很多难演的作品。一支乐队拥有“布鲁克纳传统”，除了风格把握的娴熟，也意味着他们擅于面对布交独有的困难。

“布七”与“肖七”正是很好的比照，两作之中铜管的分量都不轻，布鲁克纳所要求的那种长线条、长气息却是完全不同的挑战。

本次演出，张艺对于“布七”整体的分量配比，几个乐章连续发展的效果，都有精心的安排。速度的选择效果鲜明，但这样选择的背后，既有着对于布鲁克纳交响曲风格的理解，也有着对于“布七”这部作品独特结构的深思熟虑。

旺德曾表示，布鲁克纳的和声是浪漫的，结构却是古典的，不能做漫无边际的表现。聆听历代演绎者的录音，我们也不难发现，结构的紧凑是很多老一辈巨匠关注的重点。这样的紧凑，不单是选择一个“偏快”的速度，而是将布鲁克纳交响曲（相对之前的作品）越发复杂的结构充分理顺，以文理的清晰为基础，流畅推进，凝聚结构。

而这，也同样是21日晚，张艺表现布鲁克纳《第七交响曲》的出发点。

“布七”这个作品，还有一点特别，就是它仿佛天生有些头重脚轻。如果前两个乐章的框架搭建得很宽大，后两个乐章好似无论怎样都难与之平衡。

相对于整体性地快速，张艺的选择大致是第一乐章偏紧凑，第三乐章相当快，第四乐章偏紧凑，第二乐章则充分放宽气息，将挽歌氛围浓厚地呈现出来。

从某种程度上说，确实走到旺德指出的方向，这样的配比如同放大的古典风格。第一乐章中，张艺力求突出各弦乐组音质的凝聚与线条衔接的环环紧扣，几乎不追求非泛音散逸的效果。细节多有用心之处，更每每指向整体性的目的。

无论是突出第二主题中细致的连断划分，还是第三主题活泼的舞蹈性节奏，又或是木管与弦乐组精心控制的平衡，都在反复显明布鲁克纳交响曲的世界是如此丰富，由太多我们容易忽视的东西共同构成那样的丰富与平衡，绝非单纯的庄严感与厚重的平涂效果。

表现巨大的柔板乐章，指挥家在宽广的速度中放长气息，发掘弦乐音响的纵深与音色、质感的表现力。效果感人，甚至不惮于略微渲染，但也不会陷入大色块堆砌的状态。正相反，第二主题的长线中，精细的气口安排还是让巨大乐队的演奏有种人声般自如的美感。

基本维持在SPO的上限，但如前所述，铜管的表现偶尔有些状况，从第一乐章的尾声开始。这方面确实还要不断加强，希望能将他们演出“布八”录音中的水平常态化。

有意思的是，本次“布七”第三乐章飞驰的速度，很大程度上让铜管的线不用很充分地展开。面对整体平衡的难题，张艺没有放慢终曲的步调以求宏大，演奏速度依旧比较快，但指挥家处理的核心，其实是不断突出音乐前进的动力感。

“快”和动力感是截然不同的两个概念，后者也能在慢的速度中体现，但这是另一个话题了。音乐前驱的动力感持续被塑造、累积，并随着作品的发展到达高潮，“布七”终曲的分量，四个乐章连续发展的平衡，也自然随之完成。

单纯选择一个速度是容易的，揭示速度背后的意图却很困难。当然在操作中，应该是相反，越是面对巨大而复杂的作品，演绎者越是应该先有明确的意图，再选择实践意图的方法。面对困难重重的布鲁克纳《第七交响曲》，张艺与上海爱乐乐团确实带来一次深思熟虑，内涵丰富的演出。