赵斌《艺术概论》笔记第二章

艺术的分类和解释在不同时代的有不同特征，是每个时代从其所掌握资料出发而做出的段落性总结。

从创作的角度说，当艺术本身的功能性慢慢消退而逐渐转变为那个时代的文化、技术的观念和象征的时候，就称之为艺术品。从创作动机角度看，是在美的动机驱使下完成的物件。

“艺”繁体字代表“技”，和农业社会生产有关，春秋战国时六艺：礼乐射御书数，除了生活技能方面，已经有精神思想层面含义。

西方最早系统提出是亚里士多德《诗学》，史诗、悲剧、喜剧和酒神颂等都是模仿，有三个差别：模仿所用媒介/对象/方式；

18世纪德国启蒙运动代表人物莱辛在对希腊艺术研究基础上，在当时浪漫主义和新古典主义艺术对立情况下，提出了语言艺术、造型艺术的区别。

以康德为代表的德国古典哲学第一次用系统哲学观点对待艺术分类问题，试图对各艺术门类的特点及其自身发展做阶段性总结；

德国哲学家谢林根据理想与现实关系进行考察，认为哲学是理想占优势，艺术是现实占优势，艺术内部也据此区分为两部分；

黑格尔继承并发展谢林，以客观唯心主义为基础，第一次从历史与逻辑相统一的观点出发，考察各艺术种类的本质特征和历史沿革，但是这是一种主观人为的划分。

近现代艺术理论的分类方法：

1. 艺术形象的存在方式：时间（音乐、文学等）、空间（雕塑、绘画等）、时空（戏剧、影视等）

2. 对艺术客体的感知方式：视觉、听觉、视听。

3. 艺术作品对客体世界的反映方式：再现、表现、再现表现（影视）。

4. 艺术作品的物化形态：静态、动态

第一节：建筑艺术

定义：遵循美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，具有审美价值、文化价值和实用价值，并能够体现时代感和民族性的一门具有形式美和象征意义的造型艺术。建筑起源于早期人类劳动时间过程中的实用目的，也是满足其他生活、生产等活动的空间环境。建筑的艺术性很早已被注意到，建筑曾被德国哲学家谢林比喻为“凝固的音乐”, 后来德国的音乐家豪普德曼又将音乐比作流动的建筑。

风格：古希腊现存建筑遗址主要是公共建筑，其中神庙最具代表性。古希腊神庙总体风格是庄重典雅、和谐壮丽崇高之美。

古罗马建筑继承古希腊的基础，并有所创新。类型多样，有神庙等宗教建筑，也有公共建筑。古罗马建筑艺术的成就还体现在建筑物的风格厚重、形式多样，在原有建筑形式的基础上开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑的表现手法。

欧洲中世纪建筑主要为哥特式建筑和拜占庭建筑。文艺复兴建筑起源于佛罗伦萨，15世纪-19世纪流行欧洲，批判中世纪的神权至上，提倡人道主义，造型上排斥象征神权的哥特式风格，复兴古罗马时期形式。

现代主义建筑20世纪中叶在西方占主导地位。主张摆脱传统建筑形式束缚，创造适应工业化社会条件和要求的崭新建筑。因此具有理性主义和激进主义色彩。

特征：1.实用性和审美性结合。2. 针对特定的空间环境、时代背景以及当地的民族文化进行创作。3.正面抽象性和象征性的结合。正面抽象性指建筑不带有情感色彩。

第二节：音乐艺术

是用有序的声音元素构成听觉意象进而表达人类思想感情与社会现实生活的一种艺术形式。有强烈的艺术感染力，直接参与改造人的审美结构、提升审美能力、激活审美自觉。音乐艺术的审美核心是情感的体验，审美是审美主体自觉地对审美对象进行感知、体验、分析、评判和再创造的心理过程。叔本华认为，音乐是最高级别的艺术形式，它允许我们直接体验既作为最终现实本质的又永远无法满足的意志。

音乐通过声音塑造艺术形象进而表达情感，间接反映现实生活，传达艺术家对生活的感受和情感的表达。音乐作品需要作为审美主体的听众通过听觉调动自己的身心去充分感受和体验艺术家想要传递的多方面的情感体验，从而获得音乐艺术中的美感。音乐艺术具有很强的抽象性特征、是想象的艺术。

第三节：舞蹈艺术

起源于人类早期劳动，以人的身体作为艺术表现工具，以经过提炼、组织和艺术加工的人体动作为主要表现手段，通过有节奏、有组织和经过美化的流动性动作来表达思想感情、反映社会生活的艺术门类，也是最早的艺术形式之一。

特征：1、形象性（最重要的审美特征）和感染性。只有生动、鲜明、具体的形象才能使观众有审美的感知。舞蹈是人身体的艺术，人永远是舞蹈艺术所表现的主要内容。因而舞蹈艺术具有巨大的审美力量和感染力量，更容易激发起欣赏者的情感共鸣。

2、抒情性是其内在的本质属性。舞蹈是最直接表现人类情感的一种艺术。它是人的内在情感冲动所引发的人体动作的外化表现。

3、舞蹈还具有独创性审美特征。创新是艺术的生命，创新也是形成舞蹈美不可缺少的重要因素。陈旧的主题和内容、老一套的表现手段和方法，不能适应客观发展的审美需要。

4、舞蹈的技艺性。一是指舞蹈演员舞蹈技巧性的表演艺术。 二是指编导在艺术结构、场面调度、舞蹈语言的运用和对人物性格、内心情感的细致深入的刻画等方面所具有的艺术技巧和表现能力。

第四节：绘画艺术

运用线条、色彩和形体等绘画造型语言，通过构图、造型和色彩运用等艺术手段，在平面二维空间里塑造出静态的视觉形象，表现审美情感。

西方发现的最早的绘画于旧石器晚期，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。中国可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画。

东西方绘画艺术比较：

西方：1. 重求真、写实，注重表现感受社会生活所形成的审美意象，重视对客观事物外部特征的描绘，遵循客观的规律。

2. 重焦点透视，接近于人眼观察客观世界，真实感较强，文艺复兴之后被西方绘画艺术家广泛采用。

3. 体块造型、注重对象的体量感、空间感、质感

中国：1. 重表情、写意，内在主体性方向，偏重表现融入主体审美理想的审美意象。古代审美传统强调意境表达，重视神韵，更偏重展示人的内心情感和精神世界，强调主观审美态度。

2. 散点透视，把不同时空人物景色全部构于画面中，宋代郭熙“三远法”：深远、平远、高远是对散点透视最好的说明。更强调精神真实，而非空间效果。

3.偏重于线条所建构出的主观世界。与书法相似，“书画同源”。

艺术特征：绘画艺术在表现人类生活细节的时候是通过人物神情与动作来完成人物性格或内心世界的表达的，通过视觉形象的描绘来表现人物内心的情感。绘画在其历史的发展与演变中，逐步把对事物外在形象或者形态的模仿描绘，转化为对主体审美情感与意蕴的表现，它的对象逐渐由客观外在的事物转化为审美主体内在的审美意象。

分类（名词解释）：

油画用快干性的植物油为调和颜料，在亚麻布、纸板或木板上进行绘画。油画作画使用的稀释剂为挥发性的油如松节油等。画面附着的颜料有较强硬度，干燥后能长期保持光泽。色彩丰富、遮盖力强、立体质感强。

油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料、油漆等。

版画是运用刀、笔等工具在不同材料的版面上进行刻画并复制的画种，广义的版画可以包括印刷工业化以前印制的图形，当代版画的概念主要是指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品。版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。中国古代版画多数指木刻，独特的刀味与木味使版画在文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。

版画在历史上经历了由复制到创作两个阶段。早期版画的画、刻、印者相互分工，刻者只照画稿刻版，称复制版画；后来画刻印都由版画家一人来完成，版画家得以充分发挥自己的艺术创造性，这种版画称创作版画。中国复制木刻版画已有上千年历史，创作版画则起自20世纪30年代，经鲁迅提倡，后来取得巨大发展。在西方，木刻版画进入创作版画阶段是在19世纪。

水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏。水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。水彩颜料携带方便，也可作为速写搜集素材用。与其他绘画相比，水彩画相当注重表现技法。其画法通常分“干画法”和“湿画法”两种。

特征：一是画面大多具有通透的视觉感觉；二是绘画过程中水的流动性。由此造成了水彩画不同于其他画种的外表风貌和创作技法。颜料的透明性使水彩画产生一种明澈的表面效果，而水的流动性会生成淋漓酣畅、自然洒脱的意趣。

第五节：雕塑艺术

是雕、刻、塑三种创作方法的总称，是通过可雕、可刻的硬质材料或可塑的软质材料创作出具有空间、体量的艺术形象并借以反映社会生活、表达审美感受的艺术形式。

由于雕塑作品所使用的物质材料的特性，决定了它是一种相对保存时间较长的艺术。在传统艺术的观念下探讨雕塑艺术，我们可以认为雕塑是静态的、可视的、可触的占据三维空间的艺术。但是，随着时代的发展、人类文明的进步、科学技术的不断创新，艺术家的创作观念也在改变，从现代艺术的开端，不断出现了反传统艺术的动态雕塑、声光雕塑等不同于以往传统雕塑的形式。

特点：

整体性：由于雕塑作品本身的实体性、静止性和创作材料本身的物质性，雕塑艺术所塑造出来的艺术形象与我们的现实生活具有相似性，观众可以通过视觉、触觉对雕塑作品进行感知；将作品传递出来的信息转化为无限想象力，从而满足审美的需求。

凝练性：通过瞬间化形态的造型来客观、概括地反映社会生活。雕塑艺术在再现现实的过程中大多是用个别的、立体的、没有背景的形体来再现生活。但是，这些单纯化并不是必要的特征和细节的简单化，而是整体感被强调，对象在形体方面的重要特征被肯定。

纯粹性和象征性：雕塑艺术的观念表现是纯粹的，雕塑不表现非常个性化的内心生活和非常复杂的情感，而是突出地表现髙度概括的形体及其单纯的性格、情感、品质。

第六节：书法艺术

中国特有的传统艺术形式。通过汉字书写表现情感意象。以笔墨纸砚作为创作工具。

汉字的特殊性：形、音、义的结合，形式意味很强。

书法艺术本体：笔法（即“用笔”，运笔用锋的方法）、字法（即“结字”、“结构”，指字内点画的搭配、穿插、呼应等关系）、构法、章法（一幅字的整体布局，字间关系、行间关系）、墨法（浓淡干枯湿）、笔势。

中国的书法艺术是典型的线条造型艺术，线条是书法的基础、灵魂，是书法赖以延续生命的重要媒介，也是书法家表情达意，精神、气质和学识得以流露的媒介。线条的力量感、立体感和节奏感是书法线条的重要审美特征。力量感强调的是一种用笔的起伏；立体感的构成则依靠中锋为主的用笔；节奏感的构成更多是依靠书写时对速度的控制。“形神兼备”是书法艺术所追求的审美最高境界。

代表人物：王羲之《兰亭序》，宋徽宗的瘦金体等。

第七节：文学

扁平人物：英国小说理论家爱德华·摩根·福斯特在《小说面面观》书中将小说人物分为多面性的“圆形人物”和单一化的“扁平人物”两大类。“圆形人物”是指文学作品中具有复杂性格特征的人物, 这类人物在小说中往往都具有多面性, 且其性格有形成与发展的过程。而“扁平人物”最大的特点是性格单纯, 不复杂, 且性格自始至终变化不大。塑造圆形人物, 就是要更真实、更深入地揭示人性的复杂、丰富, 从而给读者一种多侧面、立体可感的印象。扁平人物就是“性格人物”, 又可称作“类型人物或漫画人物”, “他们就是按照一个简单的意念或特性而被创造出来”。

福斯特认为扁平人物有两大长处：一是容易辨认，二是容易记忆，并且说：“我们大家都在追求永恒的东西，我们都希望看到经久不衰的、人物始终如一的作品，以作为逃避现实的寄托，这就是扁平人物受到青睐的原因。”

第八节：戏剧艺术

以语言、动作、舞蹈、音乐、木偶等形式达到叙事目的的舞台表演艺术的总称。文学上的戏剧概念是为戏剧表演所创作的脚本，即剧本。

戏剧的分类：表现形式：话剧/歌剧/舞剧/哑剧 剧情结构：单幕/多幕 反映年代：历史剧/现代剧 矛盾冲突性质：悲剧/喜剧/正剧

戏剧表现矛盾冲突，由于受到篇幅和时间的限制，戏剧的矛盾冲突要求尖锐集中。戏剧作为一种艺术形态具有双重性，它一方面是语言艺术．另一方面是舞台表演艺术；一方面是剧本的创作，一方面是表演者的表演艺术。戏剧表演艺术分为三派。

体验派：斯坦尼斯拉夫斯基认为，演员应进人角色，即应在规定的情景之中，从自我出发，体验角色，忘掉自我。他的学生萨多夫斯基强调，演员与角色之间要连一根针也放不下。在他们看来，演员在表演中已与剧中角色融为一体，角色的行动与言论，已变成了演员自己的言论与行动。

表现派：布莱希特派提倡间离效果，又称“陌生化方法”，主张演员与角色、观众与演员之间，以至观众与角色之间必须保持一定的距离。他们认为，要演员完全变成他所扮演的角色是一分钟也不容许的事。剧场和舞台不要神秘化，以至成为一个“如醉如痴、催眠作用”的活动阵地。作为一个卓越的表演艺术家，不要受感情所支配而要善于支配感情，也不要倾泻情感来迷惑观众。表现主张以理智去开人心窍。

布莱希特提出的“陌生化”的理论，在于“把一个事件或人物陌生化，首先意味着简单的剥去这一事件或人物性格中的理所当然的，显而易见的东西，从而制造出对它的惊愕和新奇感，揭示事物的因果关系，暴露事物的矛盾性质，使人们认识改变现实的可能性。布莱希特希望这种理智状态有助于观众们分析剧中人与人的联系。

古典派：梅兰芳主张表演艺术家既是演员又是角色，他既是梅兰芳又是杨贵妃：一方面，他在京剧表演中，调动理性主体的理性功能，常常保持着较清醒理智的态度，意识到自己在演戏。另一方面，梅兰芳在表演中又充分发挥表现主体的表情作用，设身处地去体验角色，进人剧中规定的情景，与角色发生共鸣，近乎与其合为一体。

东西方都不排斥矛盾冲突而又都坚持和谐美的理想。中国古代戏曲完满和谐的大团圆几乎成了一种固定的模式，西方古代喜剧直接表现善恶报应，悲剧表现剧烈的矛盾冲突，表现正面人物的苦难、不幸与牺牲，但通过“引起怜悯与恐俱”的方式，使主体情感受到陶冶，最终仍然实现了内在精神与情感的和谐。

古代表现某一类型人物往往在类型化、程式化、规范化的表演中塑造人物。戏剧发展到近代，东西方都越来越偏重个体形象的塑造。文艺复兴时的莎士比亚戏剧表现了对于人的热情赞美和充分肯定，展示了一种崭新的审美理想。启蒙主义戏剧更是表现了对传统和谐美的理想的彻底否定。到浪漫主义戏剧，也表现觉醒的资产阶级个体面对生活新的矛盾冲突所表现出来的苦闷与迷茫。 19 世纪的批判现实主义戏剧，表现的已是较为清醒的个体面对资本主义制度下矛盾冲突的抑郁之情。

第九节：当代艺术

当代艺术在内涵上主要指具有现代精神和现代语言特征的艺术，作品中含有对当今社会生活感受的当代性，具有今天的时代特征。艺术形式的多样性是当代艺术的突出特征。

美术史对当代艺术的界定为 20 世纪 60 年代以后的艺术，从这个时期开始，伴随着国际主义艺术阵营的兴起，原有的艺术模式和信条被后现代艺术思潮所打破，艺术也由现代走进了当代。从本质上说，当代艺术对传统艺术理论规范持有批判、颠覆的态度，是具有先锋性、实验性和包容性的艺术。当代艺术对传统艺术门类的界限进行了突破，同时也对艺术的定义及性质提出了新的质疑和挑战。以个性化的表现排斥大众的周有意识和共性意识，更加关注个体、关注自身，从而形成了当代艺术对可能性的实验与尝试。

当代艺术拒绝制造符合人类习惯性审美的艺术形象，取而代之的是具有强烈的视觉冲击和感官体验的视觉艺术语言。现成品、影像、数字化、程序等当代元素的应用，把生活中的情趣和气息引人到当代艺术作品中，使艺术带上了现实生活的印记。

新媒体艺术指使用各种新的媒介、材料和技术手段进行艺术观念表达、艺术作品创作的一种艺术形式，眼下它主要是指那些利用录像、计算机、网络、数字技术等最新科技成果作为创作媒介的艺术品。

被誉为“影像艺术之父”的白南准在他的艺术生涯中，涉足了音乐、戏剧、装置等多种艺术媒介，尤其是在电视成为大众文化消费方式之后，他积极实验了电视视觉幻象等技术。白南准也因此被认为是新媒体艺术领域的拓荒者，后来的视频艺术多受到他的影响。白南准最广为人知的影像装置作品莫过于与女音乐家夏洛特·穆曼合作的《电子大提琴》。在这件作品中，穆曼用琴弓“演奏”着一个用电视屏幕制成的提琴，屏幕中播放着预先录制好的同步录像。白南准的兴趣在于将时间概念视觉化。白南准在20世纪60年代到70年代创作的一系列的实验性作品给影像艺术早期的发展注入了巨大的活力，影像艺术也迅速在当代艺术界取得了主流的地位。

在新媒体艺术领域，互动的概念一般需要有计算机的运算和计算机程序协助完成。代表作有林恩·赫绪曼的《一个人的房间》 这部作品是一个与人等高的结构，作品上方为一个盒子，盒子上有一个小孔和一个推杆。观众可以从这个小孔向内窥探，就像一个偷窥者，并且使用推杆与盒子内的作者创作的影像内容中的女主人进行互动。

新媒体艺术具有前沿性、实验性、当代性和综合性的审美特征。利用新的技术手段作为媒介，进行跨领域、跨学科的创作实验是新媒体艺术的主要特征之一。新媒体艺术的创作方式打破了文艺复兴以来形成的传统图像表现方式，取而代之的是在流动的画面中将完整的画面肢解、重构成一种新的视觉图像，这种图像形态是创作者以当代的话语方式对抗传统的图像表现方式，是对人的自身感官的一次重要的检验，为当代艺术拓展出了新的概念。

第十节：公共艺术

公共艺术除了具有艺术价值以外，更重要的文化价值在于它的公共性。公共艺术作品的创作应以具体的空间环境为基础，以当地的文化传统为前提，通过艺术介人空间、艺术介入人类的生活、艺术与大众生活的互动，达到艺术引领生活、艺术满足大众精神需求的目标。

公共艺术要基于大众自身的文化欣赏习惯，发掘大众的审美意识、精神追求以及蕴含在其中的文化力量，从而让艺术回归到原本的理想状态中去。出发点首先应考虑到大众的心理和精神层面的需求，关怀和尊重带有普遍性的公共利益和情感，反映具有普遍意义的公共意志和公共愿望。引导性是决定公共艺术作品水准的尺度。

第十一节：时尚与消费艺术

德国社会学家齐美尔认为时尚是对一种特定范式的模仿，是与社会相符的欲望的满足。齐美尔认为时尚消费是从众性与区分性的结合体，人们借助时尚消费来达到表现自己与所认同的阶层的一致性，并显示出与其他阶层的差异性的目的。时尚的从众性的产生源于现代人对一定社会群体的归属感和现代人的自我保护的本能。根据齐美尔对时尚的解读，我们可以看到时尚最初产生于少数精英的上层社会，但当较低阶层开始接近它的上层阶级的时尚时，时尚就开始向更高、更新的层次推进。时尚一方面意味着相同阶级的聚合，另一方面又意味着不同阶级之间界限的不断更迭。

时尚是一种从众性的行为，因此个体的行为不能被称为时尚，它必须通过多数人的复制才能得以确认，而当时尚一旦成为流行，那么也就意味着时尚的消亡。时尚的特点是一旦形成就会立刻成为过去，成为时尚也就意味着即将消亡。因此，时尚只会存在于即将开始而尚未普及的瞬间，时尚存在于不断的变化中。

不同时期不同背景会造就不同的时尚与艺术。现代主义时期，杜尚的《泉》提出了“现成品”的概念，将现成品的实用意义消除，打上了艺术的标签。表达了对传统观念、传统艺术的否定，使艺术和生活的界限变得模糊。

波普艺术在艺术理念方面深受达达主义的影响，它代表着艺术走向大众化、商业化，艺术走向生活。安迪·沃霍尔将玛丽莲·梦露、可口可乐这样的商业化符号挪用到了他的艺术作品中去。安迪·沃霍尔的作品充分体现出当时的时代背景、思想潮流以及社会的时尚消费趋势。安迪·沃霍尔曾为金宝汤公司创作海报，这也标志着波普艺术与时尚消费文化的结合。

越来越多的时尚文化、消费文化开始与艺术结合，许多时尚品牌也开始频频与艺术联姻，在精英文化与大众文化、动漫与时装精品、西方与东方之间，找寻到了一座沟通的桥梁。比如日本的服装品牌三宅一生就曾经邀请了包括中国艺术家蔡国强在内的四位当代艺术家为其创作褶皱系列服装，蔡国强将超过50件的褶皱的衣服排成了一条龙的形状，并用他标志性的创作材料火药将其点燃。路易威登（Lv）与村上隆合作的 Monogram系列，将独创性的小花、樱桃等鲜艳的图案元素印制在产品上，引发了时尚界与艺术家合作的消费风潮。