我的学琴经历和感悟（有关如何坚持练琴的一些看法和建议[三]）

不知不觉过了两年半了，近半年来在练琴的习惯以及心态上变化比之前要大，觉得有必要记录一下。一直以来的坚持方法在之前的文章里面已经写得比较清楚了，然而之前的坚持方法成自然之后，自然也就出现了新的问题。问题主要是三大方面：
1. 整体连贯性的问题。
2. 音色的问题。
3. 节奏的问题。
这些问题虽然一开始就有，但是要么是对于某些曲子可以解决，要么是重点在另外的方面而被跳过，但是面对今年所练习的那些曲子，这两个问题似乎无法跳过，颇待解决。
【整体连贯性】
由于找的是传统的老师，自己之前看了不少文章最终也还是决定走车尔尼的路，所以我把目前在练习的849也看的很重要。既然是练习流畅性的练习曲，在差不多快弹完的时候感觉自己还没有达到“流畅”，那自然会有点惶恐。之前看回849第一条的时间，大概去去年三月份，不知不觉849已经弹了一年有多。看着之前的记录回想整个过程，其实最开始的时候还算是比较轻松的，从599过渡到849的前面部分基本是没有压力，整首不错流畅弹下来，速度提上去也还是可以，当时前几条都可以弹到120的速度，还比较自信。不过可能当时其他曲子也不是很多，弹得比较专心。基本上两周可以过一条。然而事情在弹了几条之后发生了变化，好像从11条开始，就觉得有点力不从心了。无论怎么熟练，一个音都不错，节奏均衡弹下来基本已经不可能，也正是因为这样，849一直都没有怎么录像，其实背地里尝试了不少次，然而就是没有自己觉得满意的。然后这样的状况一直延续了近乎一年，849后面的曲子，弹得最好最熟练的也只能是在120的速度下面错那么一点，或者是断那么一下，当然在别人面前弹就错的更多了。
对于巴赫来说，整体连贯性这个问题似乎更为严重。说来奇怪，在两三分钟的乐曲里面其实并没有这么明显，但是在一两分钟的创意曲里面，已经很难做到完全不错正常速度地弹下来。之前思考了一下估计有几个原因。一个是巴赫的曲子没有太明显的断点，基本上都是左右手相互交错，一旦断掉了或者某个音触键不正常影响了，就直接断掉了，并且断掉之后无法简单接回来，只能从最近的后面一小段开始，这实在是非常尴尬。巴赫练过的几个创意曲都经历了这样的情况，在自我感觉练习得非常熟练之后去上课，依然会莫名其妙地错掉，当时真的是非常沮丧，尤其是当每次错误都是很随机的时候，虽然慢练能解决一部分的问题，然而速度上去之后依然会断掉。
最后是乐曲部分，对于乐曲来说这个问题好像还不是特别的严重。就比如彩云追月，无论怎么断都是可以立刻继续下去的，并且这种丰富多彩的曲子中途错那么一点其实无伤大雅（当然有很大影响，只是心理上还勉强过得去...），但至少对于四五分钟的曲子来说，错不会很多。而且主调音乐和复调音乐很大的不同是，只要右手能够继续下去，左手差那么一点音，其实并没有影响太厉害。这当然不是在找借口，只是，对于左手的锻炼其实应该和右手同样重要，我也为了这样的目的开始分手练音阶琶音了。
面对这样的整体性问题，说实话我还没有很明确的解决的方法，但是我也发现了一些东西。比如彩云追月，在学习之前就已经看过郎朗，李云迪等等的视频，也看了一些大师课，当时无论他们弹得如何，我都觉得弹得挺顺畅挺好的，然而现在再看，就发现其实他们也有弹错的地方，郎朗的某个版本还有个地方是糊弄过去的，速度变化等等的，其实都没有太严格，算是比较随性。其实也并没有什么不好，如果真的非常完美，那就跟机器人一样了。后来慢慢发现，弹琴其实只要不断，所产生的震撼力足以弥补那些错误，因为对于现场的观众来说，音乐是流动向前的，错音很快就别后面正确的旋律给冲走了，最后观众会沉浸在结尾当中，所以无论怎么错，结尾不能错，但是中间的部分稍有瑕疵，倒不会太影响整体性。再退一步，大多数的场景下，观众并不是评委，中途的错误，他们是不会刻意去记住的，然后在最后累积起来给你打个分，所以不用过分在意，更应该锻炼的是在中途断了之后如何镇定自若地继续下去。
基于这样的想法，我对“整体性”有了新的认识，它不再指整体无错，整体完美，当然这是最好的，但是整体完美其实有时候并不依赖于所有局部的正确，也不受限于某些局部的错误，音乐其实也是一种印象，在演奏的层面或许有很多精确的部分，但是在听众的感觉上并不是精确的，就这一点来说，“整体性”的练习方法，就变成不是去追求完全无错了，而是要去追求一种意境，创造出曲子在观众里面的印象，通过曲子去传递印象，而不是精确地完成某项任务。
回想起自己在别人面前弹琴的时候，其实说实话没有一次是完完全全没错弹下来，只要有人注视就会产生适当的紧张，而这些紧张直接就导致各种错误，但是今年以来，我并没有太在意完全无错了，而是力求不要断的太多太突然，而最后的反响也都还是好的，排除了礼貌性的那部分之外，也是得到了肯定。
【音色的问题】
其实真正注意音色也只是从今年开始，之前好像基本上所有的注意力都必须集中在曲子的音符上，只要一走神，无论多么熟悉的曲子都会波动，但是今年忽然发现情况发生了改变。夜曲从去年年底开始练，大概到了两三个月的时候，我忽然发现右手可以稍稍对旋律做处理了，在一个旋律线里面做出强弱的变化，以前是完全无法做到的，但是好像在夜曲里面慢慢开始做到了。另外之前一直觉得很绝望的强弱问题，也好像慢慢得到了解决，看来这也只是时间上的问题。在弹彩云追月的时候，感觉自己确实可以做到录像里面也能听出来的强弱对比，创意曲也勉强开始可以做到了，当然还不是很明显，但是感受到比之前进步了。
之前看了郎朗的视频以及一些大师课，里面说到，其实对音，对一个单音，也是可以做到渐强渐弱，巴伦博依姆还说，要对自己能做到这一点充满信心。当然对于现在的我来说根本是不知道这怎么能做到的，但是我能吸收到的一点是，音乐是先想象，后表达的，你必须心中先听到了声音，再动用你的各种技术去实现并且传递这种声音，一开始可能是技术不足，无论怎么样也不能实现心中听到的声音，但是这一点依然尤为重要，如果你本身没有美，你是无法传达和制造美的。而当这个前提成立的时候，当技术日渐成熟，美自然就可以从指间流露出来了。
一直以来听着我弹琴的人也慢慢察觉到了这一点，其实我一直都知道自己的问题，同时我也知道解决这些问题需要时间，一味地在某个时间点深究某个问题，貌似都是不对的，因为这个问题过后就被解决。最近看到不少帖子抱怨自己声音弹得不好听，其实我觉得每个艺术家想必都会对自己弹出的某些声音感到厌恶，毕竟追求不一样，但是一开始的时候，我觉得可以多多感受几点：
1. 单条旋律线条，反反复复单手弹旋律，感受其起伏和走向。
2. 和声，反反复复单独双手弹和声，感受和声的色彩，尝试左手强一点，右手强一点，双手强一点，双手弱一点。
3. 极慢的速度感受每个音是否清澈明亮。
我应该是从小巴赫的第一首小步舞曲开始，就开始注意这些方面，因为巴赫曲子的对位很精确，我也很刻意去体会，当然演奏中未必能发出慢练时候所做到的声响效果，但是至少在心中形成了一个对美的印象。
【节奏的问题】
节奏问题对我来说一直是大问题，无论是对于新的曲子的节奏上的认识也好，对于熟悉曲子在演奏时的节奏也好，我都有各种各样的问题。
对于新曲子来说，我打节奏一般有两种方式。一是找最小的时值单元，比如十六分音符，然后以之为一拍，然后其他的音都是这个的倍数了。二是直接按小节的节拍打，比如3/4的曲子，每小节就直接打三拍，然后口唱旋律。当然老师是鼓励后者的，前者我只是用来做修正的时候才会用到。然而这样打拍子练的曲子，会在认谱的时候很容易就忽视了，因为注意力都在谱子上，根本没有一定的流畅性支撑正确的节奏，这样在谱子顺畅下来之后很有可能发生节拍的错误，我也就经常会有这样的车祸。目前想到比较好的办法还是认真对好谱子，有一定的流畅性之后立刻对拍子。
对于熟练的曲子，老师给我说到很重要的一点是，其实速度是一个很相对的概念，快一点慢一点，其实对于观众来说并不是那么的明显，但是对于自己的实力来说，却很明显，情愿追求稳稳的积极，也不要麻木追求速度而不稳，忽然让我想起“ちはやぶる”和“あらぶる”。所以最近在演奏的时候，我就尽量用一个比平常练习稍慢的速度，情愿将音色做好，也不是勉勉强强地将曲子赶下来。
节奏问题在练习的时候还有一个比较大的矛盾，那就是对于困难的部分，永远都是追不上简单部分的节奏的，这样在反复重复练习的过程中，简单的部分会越来越快，困难的部分则没能那么快，于是慢慢形成惯性，产生错觉，最终导致节奏错误。这个问题其实要解决的话，还是要在练习的时候时刻提醒自己，这个困难段落是专门放慢了速度的，多多提醒自己就能避免对节奏错误的认识。
【小结】
学琴两年半热情丝毫无减，每天练习2小时左右，花费大概1500小时了，今天才跟朋友开玩笑说40岁的时候开演奏会，想想到40岁的时候，学琴时间也不止一万小时了哈哈，当然这是一个美好的愿景。
困难当然还会有很多，然而每天都跟曲子打交道实在是非常愉快的一件事情。想起之前说过的一句话：学习一首新曲子实际上是一个恋爱的过程，刚刚认识肯定是充满好奇，其变幻莫测的旋律和节奏处处充满新意，然而交往一段时间之后，棱角很快就暴露出来了，需要一次又一次的枯燥练习去磨合，等到曲子顺畅下来之后，觉得前途一片光明。然而很快又开始不满了，人的追求总是无穷无尽的，而完美却是永远遥不可及，这段关系当然不会一番风顺，但是继续深入了解，继续交往，开始意识到瑕疵也是可以忍让的，两人可以相互配合一起走下去，将注意力放在美好的地方，同时努力去将不足给克服。令人感到庆幸的是，即使是对于冰冷的钢琴来说，这个过程也是互动的，而不是单向的。