【大都会博物馆——第四章：花卉与花园】整理备份笔记

此展览分七个章节，文字全部是展品前二维码扫出的内容。个人感觉写的很好，遂保留下来留作备份。
第四章：花卉与花园
                
                
名称：拉苏里徽章圆盘
作者：埃及或叙利亚
年代：1250－1300
材质：黄铜，镶嵌有银和黑色黏土
尺寸：高2.8cm，直径74cm
编号：91.1.603
来源：爱德华•摩尔（Edward C. Moore）藏品，爱德华•摩尔（Edward C. Moor）遗赠
镶嵌有银和黑色黏土的黄铜装饰盘上，有1250年至1295年间也门拉苏里（Rasulid） 王朝苏丹穆扎法尔•优素福（al-Muza ar Yusuf）的各种复杂称呼和头衔。 优素福在位期间国泰民安，通过港口城市亚丁（Aden）促进了与非洲、印度、东亚 之间的海运贸易。拉苏里王朝的几位苏丹皆从马穆鲁克（Mamluk）控制下的埃及 和叙利亚订购了无数奢侈的黄铜镶嵌艺术品。从风格来看，本展品与当时从这些 地区订购的金属制品有着密切联系。盘子边缘镌刻着阿拉伯铭文，盘面内围及盘 子中间的环形都体现了典型的马穆鲁克风格，盘内镌刻的一行行铭文巧妙地组成了拉苏里王朝的徽章—六瓣玫瑰花结。
 
在内圈和外圈的铭文之间有一枝较大的由42片花瓣组成的并蒂玫瑰，它将皇 家猎场出现的各种野兽和鸟类及许多艺术家和舞者的形象包围起来。中间的玫瑰 花结中，以寓言手法表现了月亮、火星、水星、金星、土星和木星围绕着太阳的情 形。尽管这个意象的所有元素在13世纪伊斯兰金属制品中比较普遍，但它对优素 福有着特殊的重要意义。狩猎的意象隐含着强者统治弱者的寓意，正好呼应了铭 文所表达的语意，其中曾两次称苏丹为"defender of the outposts"（前哨基地的 守卫者）。音乐家常常出现在皇家画像中，意指宫廷娱乐，而星象符号则可能反映了苏丹对天体运动的兴趣和学识。
参考书目
Allan, James W. Islamic Metalwork: The Nuhad Es-Said Collection. London, 1999, pp. 76–79.
Allan, James W. Metalwork of the Islamic World: The Aron Collection. London, 1986, pp. 35–41.
Dimand, M[aurice] S. "Unpublished Metalwork of the Rasulid Sultans of Yemen."Metropolitan Museum Studies 3, no. 2 (June 1931): pp. 229–37.
                
                
名称：花朵图案镶嵌板
作者:土耳其，伊兹尼克
年代：奥斯曼时期，16世纪下半期
材质：陶瓷，釉底彩绘，透明无色釉
尺寸：76.8cm×76.8cm
编号：17.190.2086
来源：约翰•皮尔蓬•摩根（J. Pierpont Morgan）捐赠
1453年奥斯曼（Ottomans）帝国征服君士坦丁堡（Constantinople）后，将这 座城市设为首府，更名为伊斯坦布尔（Istanbul），此后不可避免地开始大兴土木， 将这座基督教城市变为一座穆斯林城市。到了16世纪，伊斯坦布尔的人口迅速增 长，新建了无数清真寺、穆斯林学校和住宅。同时，作为奥斯曼苏丹居住地和宫廷 的托普卡比宫（the Topkapi Palace）也经历了多次装饰和翻修，其中包括在墙面 大面积镶贴瓷砖。为了装饰皇宫和许多新建的宗教，非宗教建筑，瓷砖嵌板的需 求与日俱增。由于伊兹尼克（Iznik）是奥斯曼宫廷所需瓷砖和器皿的主要生产地， 促使这座小镇掀起了陶瓷生产领域的革新运动。
 
这块镶嵌板包含中心的四块正方形瓷砖，边缘由长方形瓷砖拼成的装饰花边环绕。长方形瓷砖上装饰有反复出现的郁金香、康乃馨和玫瑰花结图案，中间夹 杂着带状云彩图案。中间的正方形瓷砖上包含四朵程式化的牡丹花，由一分为二 的棕榈叶隔开，棕榈叶围绕中间花朵组成菱形空间。这种花卉图案与sukufe（花 卉）风格一脉相承，sukufe风格是16世纪下半期奥斯曼装饰艺术的标志性特征。 或许是为了满足平民阶层对生机蓬勃的花卉装饰的喜爱，这一时期的伊兹尼克陶 瓷匠人还新增了一种独具特色的新颜料。这种使用亚美尼亚（Armenian）红色玄武土（即一种含有高浓度铁质的红色泥土）制作的番茄红色釉底不仅色泽艳丽，与已投入使用的绿色和钴蓝色形成完美搭配，而且为原本平滑的瓷砖表面增添了一种新的纹理。而本展品到底是出自某幢私人住宅还是公众建筑，目前不得而知。
参考书目
The Metropolitan Museum of Art. The Arts of Islam: Masterpieces from The Metropolitan Museum of Art. Exh. cat. New York, 1981, pp. 256–57, no. 108.
                
                
名称：独角兽桌毯
作者：荷兰北部
年代：约1600
材质：羊毛和蚕丝，每厘米6经纱
尺寸：152cm×234cm
编号：1970.250
来源：怀德纳（P. A. B. Widener）捐赠
桌毯是一种荷兰贵族和富裕商人家庭比较普遍的家庭室内装饰用品。桌毯 中央，一只独角兽站在一片连绵起伏的森林里，画面四周镶着一圈绿叶编织的花 环，各种果实和缎带点缀其上。各种盛开的鲜花和成熟的果实团团簇拥着中央的 美景，有石榴、苹果、梨子和葡萄等。独角兽身披雪白的毛皮，映衬着周围林木深 沉、缤纷的色调，显得尤为耀眼。森林画面具有穿透力的深景，在水果浅景处理 的对比下，显得尤为突出。如果桌毯摆放得当，那些水果看起来简直就像堆放在 桌子上一样。地毯的宽边悬垂下来时，上面装饰的独角兽和水果图案看起来就像都朝右边排开似的。
 
荷兰北部的地毯纺织工人大量生产了这类商品，不过最近的研究表明，荷兰 南部的织工也会生产这类产品。据中世纪传说，只有处女才能驯服独角兽。因此， 根据这张桌毯上的独角兽图案，我们认为这件展品可能是一件结婚礼物，或是向 圣母玛利亚致敬。尽管后一种解释将宗教与世俗生活相提并论，看似有些矛盾， 但确实有许多保存至今的桌毯都呈现了花卉主题与宗教场景融为一体的场面。这 件展品中，各种鲜花争奇斗妍，唯独缺少了郁金香的身影，说明这件桌毯可能在17 世纪30年代臭名昭著的"tulip mania"（郁金香热潮）达到顶峰之前就已经生产出来了。
参考书目
Standen, Edith A. European Post-Medieval Tapestries and Related Hangings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1985, cat. 39.
Westermann, Mariët. Art and Home: Dutch Interiors in the Age of Rembrandt. Exh. cat. Zwolle, 2001, no. 31.
 
 
                
                
名称：水晶花瓶中的鲜花
作者：尼古拉斯•凡•韦伦德尔（佛兰德，1640－1691）
年代：1662
材质：布面油画
尺寸：49.5cm×40.3cm
编号：81.1.652
来源：史蒂芬•惠特尼•菲尼克斯（Stephen Whitney Phoenix）遗赠
韦伦德尔（Nicolaes van Veerendael）这幅作品的创作可追溯至1662年，此前 60年左右，老扬•勃鲁盖尔（Jan Brueghel the Elder，1568－1625）与老安布罗修 斯•博斯查尔特（Ambrosius Bosschaert the Elder，1573－1621）等艺术家首次以优 雅、华丽的花卉静物画引起一批成熟收藏家的兴趣。作品中运用的低视角，巧妙 的非对称安排，及对幻影效果的强调（如一扇窗格在玻璃花瓶上投下的倒影）， 都是17世纪50年代佛兰德静物画的普遍特征，受到17世纪30年代迁至韦伦德尔 故乡安特卫普（Antwerp）的吉安•戴维迪斯•德赫姆（Jan Davdisz de Heem，1606 －1683/1684）和威廉•凡•阿尔斯特（Willem van Aelst，1626－1683）等数位丹麦艺术家的影响。
 
此类静物画中描绘的鲜花种类繁多，美不胜收，反映了荷兰人对植物学的浓 厚兴趣。这门学科在大学校园蓬勃发展，在各社会阶层的业余园艺爱好者中也广 受欢迎，这些爱好者既包括地位低微的商人，又包括公爵和国王。艺术家不仅一 年四季实地观察这些花儿，包括深受人们喜爱的斑纹郁金香，还从书本、印刷品 和其他花卉画上学习相关知识。在这幅画作中，凋谢的玫瑰、水滴以及石头桌面 上的裂纹，均突出了时间的飞逝和生命的短暂。画面唯一出现的一只昆虫，即左 下角的一只淡黄色蝴蝶，则象征了灵魂，而不是凋零。
参考书目
Liedtke, Walter. Flemish Paintings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1984, pp. 271–72.
Mitchell, Peter. Great Flower Paintings. Woodstock, New York, 1973, pp. 251–52.
 
 
                
                
名称：花卉被罩（貌似没有看到展出）
作者：埃米琳•特拉维斯•拉丁顿（美国，1820－1887）
年代：约1850
材质:棉布
尺寸：218.4cm×248.9cm
编号：2008.595
来源：购入，威廉•柯伦•布赖恩特学会（William Cullen Bryant Fellows）捐赠
华丽而崇尚自然主义的洛可可复兴风格在19世纪中叶达到顶峰，正是这件精 美异常的作品诞生之时。卷曲、多彩的葡萄藤和花卉镶饰被缝在被罩白色的棉质 表布上，看起来就像是当时纽约高端家具中华美的玫瑰木上雕刻的花卉装饰。被 罩大多属于日常生活中比较朴实的物件，但这件漂亮时髦、精致繁复的展品却不 一样，可能主要用于室内装饰。保存异常完好的外观更使人确信，制作它的初衷就是为了让它成为一件完美之作，仅在特殊场合拿出来铺设，为主人的房间增光添彩。
 
这件作品的创作者名叫埃米琳•特拉维斯•拉丁顿（Emeline Travis Ludington）， 是一位姓卡梅尔（Carmel）的纽约银行家的妻子和六个孩子的母亲。创作 这件作品时，拉丁顿表现出较高的艺术审美能力，她所设计和缝制的构图十分精 美：中央是一只盛满鲜花的瓮，瓮周围环绕着四个由鲜花和葡萄藤图案组成的同 心圆。这一布局也展现出拉丁顿对画面细节的敏感把握，花瓮脚下散落的花朵说 明这些花儿是从花束落下来的。被罩采用了十分特别的扇形边缘，使葡萄藤卷须 蜿蜒缠绕的形态更加醒目，多层织物镶饰的花朵鲜艳明亮、五彩缤纷，使整个构图更富层次感。
参考书目
Peck, Amelia. American Quilts and Coverlets in The Metropolitan Museum of Art. New York, 2007.
                
                
名称：衣橱
作者：赫脱兄弟公司（纽约，1864－1906）
年代：1880－1885
材质：黑檀樱桃木，镶嵌木饰
尺寸：199.4cm×125.7cm×66cm
编号：69.140
来源：肯尼思•史密斯（Kenneth O. Smith）
赫脱兄弟（Herter Brothers）公司，是一对在德国出生并学艺的兄弟古斯塔夫 （Gustave，1830－1898）和克里斯丁（Christian，1840－1883）所创立的纽约公司， 是镀金时代（the Gilded Age）最著名的一家家具制造商和室内设计公司。战后美 国新贵们相继开始建造和装饰自己的宅邸，以匹配其不断攀升的经济地位。为了 满足这些需求，赫脱兄弟公司开始设计和制造各种家具、木器及地毯、挂毯、壁 纸、照明器材和壁炉工具等。为完成这些尊贵主顾的委托，赫脱兄弟使用了最精 美的材料，聘请最娴熟的匠人，生产的物品和室内装饰品种类繁多，风格多样。
 
赫脱兄弟的这件衣橱让人联想起崇尚平面装饰和直线形态的英国改良设计 典范，这一风格由戈德温（E. W. Godwin，1833－1886）在其影响深远的著作《艺 术家具》（Art Furniture，1877年）中首次提出，本件展品是对这一风格最经典的反 映。此作外形简洁，采用直线线条，引用另一位英国改良者查尔斯•洛克•伊斯门 （Charles Locke Eastlake）的话来说，就是"绝无多余的轮廓或不必要的曲线"。 尽管外观简朴，但这件衣橱仍然不失为一件十分精致的作品。作为赫脱兄弟最为 出色的一件杰作，衣橱在外形和表面装饰上融合了多种非西方元素。外形酷似17 世纪的明朝食橱，而乌木色表面和金色木材制作的镶嵌装饰让人想起日本的漆 器，镶嵌装饰上部铰接储藏室的轮廓则有些像伊斯兰设计风格。表面程式化的花 卉和叶状图案源于日本装饰，柜门嵌板上装饰着的花朵，似乎要飘落到底下的虚无，也反映了日本设计的理念。
参考书目
Frelinghuysen, Alice Cooney, Katherine S. Howe, and Catherine Hoover Voorsanger. Herter Brothers: Furniture and Interiors for a Gilded Age. New York, 1994.
Johnson, Marilynn. "Art Furniture: Wedding the Beautiful to the Useful."In Pursuit of Beauty: Americans and the Aesthetic Movement, edited by Doreen Bolger Burke, et al., pp. 142–75. Exh. cat. New York, 1986.
                
                
名称：桃花
作者：蔡尔德•哈萨姆（美国，1859－1935）
年代：1887－1889
材质：布面油画
尺寸：54.6cm×46cm
编号：1979.490.9
来源：奥古斯塔斯•巴纳德（J. Augustus Barnard）捐赠
蔡尔德•哈萨姆（Childe Hassam）堪称最多产、最成功的美国印象派艺术家之一， 在他的创作生涯中一直从鲜花和花园中寻找灵感。1886年秋抵达巴黎朱利安美术学院 （Académie Julian）开始三年的学习时，哈萨姆已经是一位具有较深造诣的画家了。除在 工作室进行创作外，他还积极欣赏和吸收巴黎—这座法国首都丰富多彩的艺术资源。在 1889年春写给美国艺术批评家威廉•豪•唐斯（William Howe Downes，1854－1941）的信 中，哈萨姆赞美了一大批居住在巴黎风格各异的国际画家，包括法国印象派画家克劳德• 莫奈（Claude Monet，1840－1926）、阿尔弗莱德•西斯莱（Alfred Sisley，1839－1899）和卡 米利•毕沙罗（Camille Pissarro，1830－1903），称他们的"作品魅力十足且将流芳千古"。 尽管到了1886年法国印象派已经不再被认为是一种先锋运动，哈萨姆仍然不失为第一批成功尝试其明亮色彩和快速笔法的美国画家。
 
1887年至1889年间的每个夏天，哈萨姆都会和妻子莫德（Maud）探访居住在维利耶勒贝尔（Villiers-le-Bel）的朋友，维利耶勒贝尔是距巴黎东北约17.5公里的村庄。他在这里的 作品，大多描绘了女同胞享受闲暇时光的画面，背景则是东道主们修剪整齐的花园，这里 有铺满沙砾的步行小道和各式栽种在陶罐里的鲜花、灌木丛。有时他也取材于花园外部的世界，创作一些描绘自然的小作品。在这幅画作中，哈萨姆描绘的是一株繁花满树的桃 树。画中无拘无束的纤细小桃枝缀满了鲜艳、娇媚的桃花，而形态粗壮、鲜明的枝干则隐藏于繁花之中。这是一幅融合了哈萨姆所吸收的多元艺术影响的画作，这幅可爱迷人的画作不仅让人联想起他早年对巴比松画派朴素、不尽完美题材的喜爱，还展现了他在美术学院求学期间习得的构图技巧。此作不仅体现了他对印象派推崇的高调色调、自由笔触和光照效应的新体会，还凸显了他对亚洲设计原则的欣赏，该原则自19世纪50年代中期起就令身处巴黎的欧洲艺术家们心潮澎湃。
参考书目
Hiesinger, Ulrich W. Childe Hassam: American Impressionist. New York, 1991.
Weinberg, H. Barbara, et al. Childe Hassam. American Impressionist. Exh. cat. New York, 2004.
                
                
名称：樱花碗
作者：白山谷喜太郎装饰（日本，1865－1948） 由卢克伍德陶器工厂制造（辛辛那提，俄亥俄州，1880－1967）
年代：1890
材质：陶瓷
尺寸：高14.1cm，直径27.9cm
编号：69.37.3
来源:埃德加•考夫曼基金（Edgar J. Kaufmann Foundation）捐赠
美国艺术陶器运动（the American art pottery movement）的萌芽发端于1876年举办的百年 纪念展览会（the Centennial Exhibition），这是美国举办的一场重大的世界博览会。美国各地 的艺术家和陶器商深受这场费城举办的展览会中外国展品的影响，开始创作一些主要用于艺 术欣赏的花瓶和器皿。最为成功的一家企业是卢克伍德陶器工厂（Rookwood Pottery），由玛 丽亚•朗沃思•尼可斯（Maria Longworth Nichols，1849－1932）于1882年创立。尼可斯聘请 了一批稳定可靠、才华横溢的艺术家，请他们使用一种根据法国装饰料浆改进的釉底泥釉绘 画技艺对陶瓷外观进行装饰。1887年，尼可斯终于如愿以偿地聘请了一位日本艺术家到她位于 俄亥俄州的工厂上班，这位瓷器艺术家名叫白山谷喜太郎（Kataro Shirayamadami），曾经旅居美国。白山谷喜太郎在卢克伍德（Rookwood）拥有一段长久而成功的职业生涯，并成为卢克伍德的一名杰出装饰家。
 
卢克伍德的大多数设计都深受自然世界的熏陶，其中也包括白山谷喜太郎的作品。这只瓷碗的装饰主题为娇艳的樱花，反映了这位设计师所继承的日本传统。樱花也称日本樱花，是亚洲艺术中十分受青睐的一个题材，此外非对称的构图也颇具日本装饰风格。这件器皿的形状比较奇特，装有三只刻有凹槽、饰有带状纹路的把手，与其光滑的表面形成鲜明对比。白山谷喜太郎仅在碗身饰有樱花图案，其他部分则进行留白处理，以突显鲜亮的黄绿色釉面产生的绚丽视觉效果。
 
1898年9月，室内设计杂志《美丽家居》（House Beautiful）对卢克伍德产品精致的表面大加赞美，称"只有最精美的中国瓷器和日本瓷器才能与之媲美"。作者的这一比较充分说明这一时期西方世界对亚洲瓷器典范的尊崇，以及西方艺术家普遍模仿这些典范的事实。白山谷喜太郎的作品曾在1889年（也就是这只陶瓷碗诞生的前一年）举办的巴黎世博会上获得金奖。
参考书目
Ellis, Anita J. Rookwood Pottery: The Glorious Gamble. Exh. cat. Cincinnati, 1992.
Fowler, Elizabeth J. The Rookwood Sage: Kitaro [sic], Shirayamadani, Japanism, Art Nouveau, and the American Art Pottery Movement, 1885–1912. PhD diss., University of Minnesota, 2005.
 
 
                
                
名称：花形花瓶
作者：蒂凡尼工厂（科罗纳，昆斯区，纽约，1902－1920） 路易斯•康福特•蒂凡尼设计（美国，1848－1933）
年代：约1902－1918
材质：法夫赖尔玻璃
尺寸：高31.3cm，最大直径11.9cm
编号：1987.140
来源：大卫•马丁（David G. Martin）夫妇捐赠
路易斯•康福特•蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）在纽约科罗纳（Corona） 工厂出品的棕色玻璃器皿堪称是蒂凡尼匠人制作的最为巧夺天工的一批作品。 对于这位多才多艺的艺术家而言，魅力无穷的大自然始终是他艺术生涯中永恒 的缪斯（Muse）女神。为使玻璃栩栩如生地演绎各种自然形态，蒂凡尼总是在不断探寻新的想法和技术，这种形态与色彩的搭配仿佛是无穷无尽的。
 
蒂凡尼的许多花瓶都在表面装饰运用了植物主题，这件作品不同之处在 于，它通过对器皿本身的造型演绎了自然事物的形态。蒂凡尼的天才玻璃工 匠将一只传统的高脚玻璃杯改造成这样一只花瓶，仿佛怒放的鲜花。平坦的棕色底座就像一颗球茎，这颗球茎生长出纤细的花茎，托着一朵边缘有着优雅褶皱的鲜花。其他同时代的欧洲玻璃制造商也曾探索过这种花朵造型的玻璃制品，其中最著名的包括法国的埃米尔•加莱（Emile Gallé）和德国的卡尔•雪平（Karl Koepping，1848－1914）。蒂凡尼的艺人们制作了许多这种精致花型的花瓶，形态各异，绝无重复，呈现出不同造型、色彩和虹彩色泽。
 
蒂凡尼所生产的这些婀娜多姿的花型花瓶备受收藏者青睐。著名的美 国艺术收藏家艾米丽•约翰斯顿•德•福瑞斯特（Emily Johnston de Forest， 1851－1942），同时也是这位艺术家的主顾和密友，曾经在自己纽约市 住宅的书房凸窗上摆设了大约20只这样的玻璃器皿，这座住宅也是由蒂凡尼于 1898年重新设计装修的。描述这些花瓶时，她这样写道："我把这些收藏称为我的花园。"
参考书目
Eidelberg, Martin. Tiffany Favrile Glass and the Quest of Beauty. New York, 2007.
Frelinghuysen, Alice Cooney. "Louis Comfort Tiffany at The Metropolitan Museum." Metropolitan Museum of Art Bulletin 56, no. 1 (Summer 1998).
                
                
名称：剑兰花瓶
作者：路易斯•康福特•蒂凡尼（美国，1848－1933）设计 蒂凡尼工厂（美国，1902－1920）制造
年代：约1909
材质：法夫赖尔玻璃
尺寸：高41.8cm，最大直径20.3cm
编号：51.121.22
来源：路易斯•康福特•蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）基金捐赠
路易斯•康福特•蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）堪称美国最为多才多艺的艺术家之一，对各种艺术媒介表现都欣然接受，而创制玻璃产品始终是他最擅长的。1893年左右，蒂凡尼在纽约科罗纳（Corona）的工厂开始生产新式棕色玻璃器皿，蒂凡尼将其命名为"Favrile"（手工制造）。许多这类器皿都呈现出五光十色的美丽色泽，其他一些作品则体现了蒂凡尼对有光泽和虹彩效果反射性表面的青睐。"自然"是其所有作品的统一主题。蒂凡尼在长岛北岸拥有一座劳雷尔顿庄园（Laurelton Hall），他为这座别墅设计建造了几座大花园，常从这些鲜花和植物中获得创作灵感，蒂凡尼的艺术才能充分表达了对自然变幻多样美的热爱。
 
这件大得异乎寻常的花瓶有剑兰的花朵、绿叶和花茎，花瓶的高度使花束的垂直感更加完美。蒂凡尼在影影绰绰的绿色花茎上层层叠加花朵，增强了构图的三维立体感。明亮、无色玻璃的多层设计使得花卉主题显得更加柔美，与印象派的感觉类似，花瓶内部添加的虹彩化学物则使整个花瓶散发着金黄色的光晕。
 
这件花瓶原属蒂凡尼的个人藏品，他尤为推崇Favrile作品，并在各种广告和宣传册上将其列为可供收藏的作品。同时，他还积极推荐美国各大博物馆和海外博物馆购买这些作品作为展品，认为这些作品标志着"玻璃制品史上的新纪元"。蒂凡尼的棕色法夫赖尔玻璃（Favrile glass）是第一批在美国境外获得认可的由美国设计的作品。欧洲博物馆早在19世纪90年代中后期就开始购买这类作品，东京皇家博物馆（the Imperial Museum in Tokyo，现为东京国立博物馆[the Tokyo National Museum]）在1897年将32件法夫赖尔玻璃作品纳入自己的收藏。
参考书目
Eidelberg, Martin. Tiffany Favrile Glass and the Quest of Beauty. New York, 2007
Frelinghuysen, Alice Cooney. Louis Comfort Tiffany and Laurelton Hall: An Artist's Country Estate. Exh. cat. New Haven, 2006.
Frelinghuysen, Alice Cooney. "Louis Comfort Tiffany at The Metropolitan Museum."Metropolitan Museum of Art Bulletin 56, no. 1 (Summer 1998).
                
                
名称：水鸢尾
作者：费利克斯•奥伯特（法国，1866－1940）
年代：1897－1898
材质：印花棉制天鹅绒
尺寸：104.1cm×85.1cm
编号：2005.33
来源：欧洲雕塑与装饰艺术之友（Friends of European Sculpture and Decorative Arts）捐赠，及多位出资者捐助
费利克斯•奥伯特（Félix Aubert）是法国新艺术纺织品领域最多产、最成功 的设计师之一，设计了许多装饰织物作品和其他装饰艺术作品。此外，他还是推 崇美术与装饰艺术相结合的"L'Art dans Tout"（一切皆是艺术）社团的创始人之 一。在职业生涯的后期，奥伯特受聘于塞夫尔陶瓷工厂（Sèvres Porcelain Manufactory）从事设计工作。
 
程式化的植物和花卉图案是新艺术元素的重要组成部分。鸢尾花是奥伯特 最喜爱的图案之一，常出现在他设计的马赛克地板、装饰瓷器、蕾丝和印花织物 中。本展品中的图案就曾以多种色彩搭配出现在各式纺织作品中，这种花卉植株 较高，姿态优雅，卷曲的叶片和富有表现力的花瓣与新艺术风格推崇的柔美婀娜 线条十分吻合。艺术家描绘的鸢尾花风格鲜明，甚至不需具备植物学专业知识就能轻松识别。
 
奥伯特的创新设计还体现出他对欧洲纺织品历史的深入了解。每束鸢尾花 的叶子都与上方花束相连接，形成一种结构性图案，让人联想起16世纪意大利纺 织品的装饰技巧。花束形成的对称性网络与环绕其间的流水漩涡形成鲜明对比， 与程式化的鸢尾花图案相比，这种水漩状图案仿佛更符合新艺术鼎盛时期的风格神韵。
参考书目
Cora Ginsburg LLC. A Catalogue of Exquisite & Rare Works of Art Including 17th to 20th Century Textiles & Needlework. New York, 2004.
Greenhalgh, Paul, ed. Art Nouveau 1890–1914. New York, 2000
                
                
名称：伞形壁橱
作者:埃米尔•加莱（法国，1846－1904）
年代：约1900
材质：桦木，玫瑰木饰面
尺寸：101.6cm×30.5cm×121.9cm
编号：1982.246
来源：匿名赠送
1900年左右，一场被称为"新艺术运动"（Art Nouveau）的革新艺术风潮席 卷了整个欧洲，从根本上改变了装饰性艺术和建筑的面貌。这种推崇曲线美和 不对称美的审美标准来自于一家名为"新艺术"的画廊，画廊由齐格弗里德•宾 （Siegfried Bing，1838－1905）于1895年开办，这位德国出生的画商在此展出并销售杰出的现代艺术家和手工艺术家的作品。
 
埃米尔•加莱（Émile Gallé）是这场运动中举足轻重的人物，他曾先后在法国 南锡大学和德国魏玛学习过植物学、艺术、昆虫学和化学，这些专业知识在他的 艺术生涯中均发挥了很大作用。加莱原为玻璃制造工，在他父亲的南锡彩釉陶器 和玻璃厂工作。19世纪80年代，他又开始设计和制造家具。作为第一批倡导新艺 术并向自然界寻求灵感的艺术家，加莱开始将花卉、绿叶和昆虫等题材引入充满 抒情色彩的家具设计中去。加莱还鼓励许多本地艺术家摒弃历史主义，并根据洛 林本地的植物和动物设计作品形态、创作装饰品。这群志同道合的艺术家被人称 为南锡流派（École de Nancy），是推动法国新艺术发展的一支主要力量。
 
尽管加莱的大多数家居设计元素可在无数作品中找到痕迹，但这件展品是 现存至今已知的两件作品中的一件（另外一件收藏于法国南锡艺术流派博物馆 [Musée de l'École de Nancy]）。此作遵循了加莱为南锡流派确立的艺术原则，设计 受到草地上植物和昆虫简约美的启发。汇集了伞形科植物特点的伞状花卉组成了 这件壁橱的轮廓和结构性支撑，橱柜的镶嵌门板则以翩翩起舞的蝴蝶作为装饰。
参考书目
Gallé, Émile. L'amour de la fleur. Nancy, 2008.
Garner, Philippe. Émile Gallé. London, 1976.
Le Tacon, François. Émile Gallé: Maître de l'Art Nouveau. Strasbourg, 2004.
                
                
名称：中国花瓶中的鲜花
作者：奥迪隆•雷东（法国，1840－1916）
年代：约1912－1914
材质：布面油画
尺寸：64.8cm×49.8cm
编号：64.266
来源：小亨利•伊特尔森（Henry Ittleson Jr.）夫妇购买基金
在奥迪隆•雷东（Odilon Redon）职业生涯中，他前20多年的作品几乎都是 黑白色调的，直到1895年后开始创作色调明亮的彩粉画和油画，在色彩方面的天 分才展现出来。那些挥之不去的黑白意象曾主导了雷东年轻时的作品，并促使他 成为坚定的印象派艺术家，但那已成过去。他开始转而青睐更具装饰性，基调更 轻快的静物画和神话题材创作，而这类题材在20世纪早期有效地扩大了他的倾 慕者群体。雷东后期的花卉作品仍颇具创造性，依然忠实于他的艺术追求："以 有形的逻辑服务于无形。"就像这幅创作于1912年至1914年间的花束作品，罂粟 花和金盏花细节分明，体现了雷东如自然学家般非凡的感知力。在薄雾般朦胧背 景的映衬下，花朵如一块块宝石般的梦幻色块浮现在眼前。这位法国艺术家的敏 感赋予"这些娇弱、芬芳的花朵以奇妙的光彩"，让人联想到他早期对达尔文生 物观的沉迷及其与波尔多（Bordeaux）植物园园长阿曼德•克列沃（Armand Clavaud， 1828－1890）的密切交往。
 
雷东有各种各样的花瓶，他的妻子卡米尔（Camille）常在这些花瓶中插上 各式花朵，这些花束成为他后期静物创作的灵感之源。这里描绘的造型精致的 白色花瓶似乎和大都会艺术博物馆收藏的另一件作品—《花瓶（粉色背景）》 （Vase of Flowers [Pink Background]，1906）中的花瓶是同一只。
参考书目
Breton, Jules. The Life of an Artist: Art and Nature. New York, 1891, p.244
Sturges, Hollister. Jules Breton and the French Rural Tradition. Exh. cat. Omaha, 1982, pp. 30, 42, 56, 61 n. 45, 74-76, 96, 135, no. 14.
                
                
名称：凡尔赛宫
作者：奥古斯特•雷诺阿（法国，1841－1919）
年代：1900－1905
材质：布面油画
尺寸：52.1cm×63.2cm
编号：1975.1.202
来源：罗伯特•雷曼（Robert Lehman）藏品
奥古斯特•雷诺阿（Auguste Renoir）描绘凡尔赛宫园林秋景的这幅作品，表现出 艺术家对经精心雕琢过的美景的非典型性视角。艺术家独辟蹊径，避开展现花草树木 与雕塑、喷泉相映成趣的巧妙布局（这是凡尔赛园林的标志性特征），而将视角对准这 几棵枝叶繁茂，越过木栅的栗树。金字塔喷泉及周围的几座雕塑，包括画面右边古希腊 雕塑的黄铜复制品"磨刀工人"，仅作为加强比例感和画面深度的构图元素出现。精心 修剪过的一排排圆锥型紫杉树一直绵延至喷泉附近，艺术家仅取了其中一段景观，即从 大平台的底层台阶，也就是面向北花坛的一截开始，至喷泉结束。这幅作品着重突显了 这几棵异常茂盛、疏于修剪的大树，与原巴洛克艺术对凡尔赛宫的诠释（即驯服、温顺、 有序的自然）大相径庭。雷诺阿十分仰慕18世纪时期的法国油画，而这幅作品不禁让人 联想到让•奥诺雷•弗拉贡纳尔（Jean-Honoré Fragonard，1732－1806）与让•安东尼•华 托（Jean Antoine Watteau，1684－1721）创作的花园与公园的作品。雷诺阿笔下的凡尔赛获得了新的阐释，变成了丰饶的自由地。
 
此作是雷诺阿的一幅非典型性作品。他在20世纪早期创作的景观画通常描绘的是理想化的南地中海景象，仿佛沐浴在温暖的红色调中的阿卡迪亚。而这幅作品中，紫灰色的天空和金黄色的落叶，均体现了典型的北方气候。此外，这幅画的选景体现了其创作的连续性，金字塔喷泉远处是宁芙女神之池（the Bassin des Nymphes）和水巷。19世纪80年代中期雷诺阿创作代表作《浴女》（¬e Large Bathers，1884－1887）（现藏于费城美术馆[Philadelphia Museum of Art]）时，也曾在作品中描绘过宁芙女神之池装饰的浮雕。正如作品所示，画家十分熟悉的凡尔赛园林，成为标志他努力超越印象派艺术的一个转折点。
参考书目
Bretell, Richard R., Paul Hayes Tucker, and Natalie H. Lee. Nineteenth- and Twentieth-Century Paintings in the Robert Lehman Collection. Vol. 3. New York, 2009.
Einecke, Claudia, and Sylvie Patrie, eds. Renoir in the Twentieth Century. Exh. cat. Ostfildern, Germany, 2010.
House, John, et al. Renoir. Exh cat. London, 1985.
                
                
名称：库克汉姆山庄
作者：斯坦利•斯宾塞（英国，1891－1959）
年代：1947
材质：布面油画
尺寸：50.8cm×76.2cm
编号：1981.193
来源：莱拉•艾奇逊•华莱士（Lila Acheson Wallace）捐赠
伦敦城以西30英里，便是斯坦利•斯宾塞（Stanley Spencer）的故乡库克汉姆 （Cookham），在这位艺术家眼里，坐落在泰晤士河畔的伯克郡（Berkshire）村庄 仿佛就是人间天堂。这里整洁而繁茂的乡村花园及周围的田野、树林，为他的风 景画创作提供了不少意象来源。斯宾塞堪称20世纪最杰出的英国画家之一，终其一生都未中断过风景画的创作，而他最显赫的成就体现于对《圣经》题材独特的 诠释，以及那些引人注目的肖像画。斯宾塞的风景画推崇"在自然中"（即直接取 材于自然）的描绘，这些作品在他的有生之年为他赢得了大量仰慕者和追随者，但 他却称其为"粗制滥造"，认为风景画不如人物画能满足人的精神追求。尽管如 此，斯宾塞的自然风景画充分反映了艺术家对英国乡间故土的深厚感情，创作时倾注了与其精美的人物画同样的精湛技艺和深邃视角。
 
在这里，艺术家运用大量优美、感性的细节记录了一座篱笆玫瑰园的明媚夏景，这座玫瑰园坐落在库克汉姆村庄中央的一块高地，二战后斯宾塞就搬到了这里。庄园的主人—金先生可能就是画中修剪整齐的灌木篱墙尽头，栅栏后面的那个小身影。斯宾塞怀着对花园里每个细节的关爱之情，用心描绘了一片绿叶织就的闪闪发亮的锦缎，其间闪耀着色彩缤纷，生机勃勃的点点鲜花，而篱笆门、烟 囱、大门、树干和树桩等重复出现的竖直线条，又使整个构图变得富有节奏感。这 幅作品对场景描绘的准确度让人惊异不已，通过使用红外线反射成像，可以清晰分辨出艺术家在创作之前精心描绘了极其详细的底稿。在使用油画笔着色之前，斯宾塞竟全然不顾帆布的粗糙纹理，着迷似的悉心描绘几乎每一片叶子和每一朵花。
参考书目
Parissien, Steven, ed., Stanley Spencer and the English Garden. Exh. cat. Warwickshire, 2011.