lounge in a style
Gustav Klimt原来是六零时尚的开端，只是作为这样的意义，图我没上完，见谅
作者：徐顥 台湾建筑师 哥伦比亚大学硕士
原文地址：http://hawhsu.com/aesthetics-of-pattern/
「艺术是由许多强制于经验之上的样式所构成，而我们的审美愉悦其实就建立在对于这些样式的认知上。」
– Alfred North Whitehead，Dialogues，1943
样式（Pattern），其实是一个数学名词（注一），它关切的是几何、对称、复制、旋转、镜像、无限…等抽象概念。 浅显的样式所呈现的无外乎是重复性或周期性的图像，例如条纹、格子、折线、波卡圆点等几何图像，或花卉、植物、昆虫等自然有机图像，而深沉的样式则是蕴含于隐性脉络的文明轨迹之中，例如数学函数、文法构成、建筑结构分析…等等。 样式，一直是人们解读自然与再现人类文明的重要工具，特别是透过数学演译所产生的样式；十三世纪，义大利数学家Fibonacci发明了第一个递回数列–费氏数列（Fibonacci Sequence） ，他发现在1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89…所组成的无穷数列中第三个数字必然等于前两个数字总和的样式逻辑（注二）；费氏数列的出现，不仅解释了像是松树毬果的鳞片、向日葵的花瓣数列、鹦鹉螺的同心螺纹（图1）…等等的自然演化动力逻辑，同时也再次印证了欧几里得的「黄金分割」（Golden Section）理论，当费氏数列趋近于无穷时，相邻两个数字的比值便愈接近黄金比例的1.6180339887数值。 黄金分割，文艺复兴后期的德国天文学家Johannes Kepler称之为神圣分割，是奠定西方美学与艺术根基的重要观念，从古希腊的帕德嫩神庙（Parthenon）（图2），乃至于Leonardo da Vinci的「维特鲁威人」（Vitruvian Man）（图3）便处处可见黄金分割；黄金分割，不仅定义了整个宇宙的合谐运转，同时也延伸了数学演译与艺术创作之间的线性样式逻辑。
图1：自然界处处可见费氏数列（Fibonacci Sequence）的例证，例如：向日葵的花瓣数列永远只会出现34及55两种数字。 图片来源：L.Shyamal。
图2：帕德嫩神庙（Parthenon）所呈现的黄金分割比例。 图片来源：wikipedia.org。
图3：Leonardo da Vinci的「维特鲁威人」（Vitruvian Man）所呈现的黄金分割比例。 图片来源：wikipedia.org。
十六世纪的荷兰艺术家，MC Escher便是透过数学的几何形变进行艺术创作。 在他的Symmetry系列作品里，Escher大量地运用了动物、昆虫、飞鸟，及游鱼等生物形体，藉由对称镜射的画面配置，创造出无限复制的规律壁纸图像样式（Graphic Pattern）（图4），此外，Escher也运用了数学型态分析创作了许多经典的错视作品，最有名的像是Waterfall黑白木刻（图5）， Escher透过平面画面的逻辑配置，将流水与瀑布同时安排于认知中的同一平面，创造了现实空间所无法建构的超现实情境；从Escher的创作里不难发现，「规律」（Order）是所有作品的共通准则，无论是重复性的「规律」或是镜射的「规律」，而「规律」也正是数学演译与图像样式之间的重要演化原则之一。
图4：MC Escher的Symmetry No.20所呈现的复制镜射图像样式。 图片来源：MC Escher Foundation
图5：MC Escher的Waterfall黑白木刻。 图片来源：MC Escher Foundation。
MC Escher的创作所建构的仍是一个具象的图像样式结论，整个由数学几何衍生发展的抽象艺术思维则一直到二十世纪中期才由德国的包浩斯（Bauhaus） 及荷兰的风格主义（ De Stijl）所确立，著名艺术家如Wassily Kandinsky（图6）、Piet Mondrian（图7）、Theo van Doesburg（图8）…等等，他们共通的特性便在于运用纯粹抽象的几何线条或色块等最原始的绘画元素，重新检视现代艺术从印象派（Impressionism）及立体派（Cubism）一脉相承的再现意义。 Mondrian等人的抽象思维后来也直接引领了接下来包括抽象表现主义（Abstract Expressionism）、普普艺术（Pop Art）、欧普艺术（Op Art）、极微主义（Minimalism），以及观念艺术（Conceptual Art ）等等艺术运动，也因此，整个现代艺术所呈现的抽象图像样式也因此显的更加多元，更具活力，甚至是超越规律的动态混沌（Chaos）。
图6：Wassily Kandinsky的Composition X。 图片来源：wikipedia.org。
图7：Piet Mondrian的Composition with Red, Yellow and Blue。 图片来源：wikipedia.org。
图8：Theo van Doesburg的Counter-Composition V。 图片来源：wikipedia.org。
混沌，是1960年代才兴起的科学革命，它与相对论及量子力学并列为二十世纪最伟大的科学发现，其主要的关注在于无秩序的以及随机的骚动，例如天气、海洋、摇摆的旗帜、心脏的跳动…等等（注三），希望能藉由科学的分析，合理地解释这些动态的自然变化。 混沌，同时也展现在美国抽象表现主义艺术家Jackson Pollock的滴彩画作上，Pollock曾谓：「我关注的是大自然的韵律。」他的画也每每呈现出来自于上帝之手的惊奇，从1947年起， Pollock即尝试透过特殊的滴彩技巧，在直觉与潜意识的双重制约下，将油彩源源不绝地倾洒在横展的画布上，从而创造出独特的连续轨迹，后人认为整个Pollock的创作行动并非全然地由非自主的潜意识所操控，反而是存在着缜密的构成意识；例如Pollock于1947年所创作的名为Full Fathom Five（图9）的作品，Pollock先是作大面积滴彩，然后再沿着画布周围边走边滴，随着当时的潜意识情境，让自身的运动与滴彩韵律协调配合，先是绿色，再是黑色、白色、紫色、黄色…，整个创作的过程，Pollock试图将「时间」也同时融入创作的「空间」中。
图9：Jackson Pollock的Full Fathom Five。 图片来源：MoMA，The Museum of Modern Art。
「为什么几何学被认为生涩无趣？原因之一是它无法用来描述云、山、树木、或海岸线的形状。云并非球状，山非圆锥形，海岸线非圆的，树皮并非光滑的，而闪电也不是走直线。」（注四）
– Benoit B. Mandelbrot，The Fractal Geometry of Nature，1977
Jackson Pollock的创作，其实是混沌过后所遗留的抽象图像样式，完全违背传统的古典欧几里得几何定义，波兰数学家Benoit B. Mandelbrot称之为「碎形几何」（Fractal Geometry）（注五），他认为碎形是一种几何形状，弯弯曲曲的，有着不规律的变化，像是一般平滑几何形体破裂后而产生的形状，所以通称为「碎形」。 「碎形」证实了Pollock的画作里其实潜藏了某种源自于自然无序的微妙规则，Pollock其实尝试以微观的角度，透过缜密的滴彩布局，重新定义混沌里的无秩序随机骚动，然后将之带入非线性的抽象图像样式讨论，进而创造古典几何所无法描述的自然现象。
抽象图像样式在现代艺术运动里一直扮演着举足轻重的角色，无论是承袭自古典欧几里得几何的线性抽象图像样式，或是混沌之后所遗留的「碎形」几何非线性抽象图像样式，其实都在尝试以数学演译解读人们所存在的复杂世界，进而建立共同的沟通符码与价值认知。 当然，除了抽象图像样式之外，启蒙自十九世纪末期法国巴黎的新艺术运动（Art Nouveau）则是以更直接、更生活化的花卉、植物、昆虫等源自于自然界的具象图像样式与人们沟通，无论是透过建筑、室内、装饰，及绘画等多重面向，新艺术运动主张以更充满活力的动态线条，以及新的材料，新的价值观，将当时人们的生活带往更丰富缤纷的自然图像世界。
由法国建筑师Hector Guimard在1899所设计的巴黎Porte Dauphine地铁出口是新艺术运动的重要艺术成就表征之一（图10），整座建筑物完全是以有机花草型态的锻铁与玻璃所构筑而成，圆顺流畅，浑然天成， 完全展现新艺术运动取材自然，精雕细琢的设计思维。 新艺术运动虽源自于巴黎，但同一时期包括维也纳的分离派（Sencessionism），及英国的工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）等艺术运动亦不约而同地表达了类似的形式宣言，例如由奥地利建筑师Joseph Maria Olbrich所设计的维也纳分离派总部建筑（图11），除了是整个分离派运动的精神指标外，其外观由枝叶图像样式所构筑的金色镂空球体更是分离派自绝于历史潮流之外，追求独特形式的最佳设计典范。 类似的金碧辉煌也同时展现于另一位著名分离派艺术家Gustav Klimt的画作上，Klimt闻名于世的创作特色便在于大量且奢华的金色图像样式运用，例如Klimt于1908年所创作的The Kiss作品（图12），画中描绘一位身着黑白色块图像样式外衣的男性，俯身拥吻另一位身着花草图像样式外衣的跪姿女性，整幅画透过不同的图像样式，或交错、或堆叠、或相融，迂回传达画中男女复杂暧昧的互动关系，在Klimt的画中，样式不再只是装饰的符号，而是富有表情的抽象沟通，Klimt的画作可谓将分离派的反古典传统及崇尚自然的艺术宣言，藉由多样的图像样式表达，展露无遗。
图10：Hector Guimard的Porte Dauphine地铁出口。 图片来源：wikipedia.org。
图11：Joseph Maria Olbrich所设计的维也纳分离派总部建筑。 图片来源：wikipedia.org。
图12：Gustav Klimt的The Kiss。 图片来源：wikipedia.org。
新艺术运动可谓是花草图像样式丰富缤纷的全盛时期，虽然曾一度在严谨的现代运动（Modern Movement）被认为是无用的装饰；一直到1960年，当后现代折衷主义大行其道之时，花草图像样式的自然设计风格才再度抬头，至此，它不但被大量运用在六零年代的空间设计、家具设计、产品设计，乃至于时尚设计，同时，这样的潮流也一直延续到百年后的今天，一般通称为「六零时尚」（Sixties Feelings）。
「六零时尚」在当代的设计思维中一直扮演着举足轻重的地位，它所引领的其实是颠覆传统、回归真实的社会思潮，而所传承的也正是从新艺术运动以来所不断强调的崇尚自然、解放传统的自由设计理念。 花草图像样式的设计运用在当代产品设计师Marcel Wanders的作品里可谓发挥至极致；像是Wonders于2001年为其自有品牌Moooi设计的Crochet咖啡桌（图13）、2002年的Bottoni沙发（图14）、2006年的Flower Chair单椅（图15），2005年为Moroso设计的Print系列沙发（图16），以及同年为知名荷兰家电品牌HE所设计的家庭剧院系列（图17），均呈现大量且丰富质感的花草图像样式。 Wanders不仅将花草图像样式缤纷呈现于其家具设计或产品设计作品，同时也展现于独特的品牌操作上； 2007年春天，Wanders与知名运动时尚品牌PUMA共同发表了Wanders@PUMA的全新品牌（图18），Wanders为其量身打造了一套黑白相间的花草图像样式，套用在包括帐篷、旅行箱、等运动休闲产品上（图19），充分展现出兼具活力与时尚的Lounge in a Style品牌哲学。
图13：Marcel Wanders设计的Moooi Crochet咖啡桌。 图片来源：Marcel Wanders。
图14：Marcel Wanders设计的Moooi Bottoni沙发。 图片来源：Marcel Wanders。
图15：Marcel Wanders设计的Moooi Flower Chair单椅。 图片来源：Marcel Wanders。
图16：Marcel Wanders设计的Moroso Print系列沙发。 图片来源：Marcel Wanders。
图17：Marcel Wanders设计的HE家庭剧院系列。 图片来源：Marcel Wanders。
图18：Marcel Wanders的Wanders@PUMA品牌图像样式。 图片来源：lasplash.com。
图19：Marcel Wanders的Wanders@PUMA的运动休闲系列产品。 图片来源：mocoloco.com。
图像样式因其独特之强制性认知使然，往往非常容易成为人们生活经验与价值认同的一部份，因此，Marcel Wanders其实是企图以其精心设计的花草图像样式创造Wanders@Puma独特的品牌形象。 类似的操作同时也展现在由黑、白、红三种颜色相间交错的Burberry格子（Burberry Check）图像样式上（图20）；从1924年起，Burberry格子便一直是英国时尚品牌Burberry独一无二的经典设计，数十年来， Burberry格子不仅已成为其无形的品牌资产，同时也是其依然保有其前卫时尚领导地位的重要识别元素，因为人们的认知模式永远是图像先行于文字，因此，有大部分的人其实都是先认识Burberry格子，之后才进一步建立Burberry的品牌认知。 经典的图像样式设计就如同艺术创作一般，它必须结合文化、时尚、美学，以及认知科学，方能历久不衰，进而深入人心而成为人们生活经验的一部份；除了Burberry之外，类似的图像样式品牌经验也呈现在LOUIS VUITTON（图21）、VERSACE（图22），以及Paul Smith（图23）等经典时尚品牌的视觉呈现上，因此，独特的图像样式设计几乎已成为大部分时尚品牌的重要品牌资产，同时也是他们之所以历久弥坚的关键所在。
图20：Burberry的Burberry格子（Burberry Check）的图像样式。 图片来源：Burberry。
图21：LOUIS VUITTON的图像样式。 图片来源：LOUIS VUITTON。
图22：VERSACE的图像样式。 图片来源：VERSACE。
图23：Paul Smith的图像样式。 图片来源：Paul Smith。
品牌的认同除了来自于平面视觉的图像样式之外，同时也形塑自三度空间的全方位经验认知；1999年8月，时尚品牌LOUIS VUITTON位于日本名古屋的第一家旗舰店正式开幕（图24），这是LOUIS VUITTON在全球的第一家独立完整的建筑店面，由日本建筑师Aoki Jun（青木淳）担纲设计；Jun在本案完全扬弃LOUIS VUITTON过去的古典奢华主义，取而代之以简单、现代的玻璃盒子建筑，Jun透过大片布满图像样式的玻璃帷幕，营造出日夜大异其趣的都市景观，白天的旗舰店就如同一座半透明的水晶镜盒，璀璨逼人，而一到夜晚则幻化为一座布满LV图腾的透明灯笼，全新的旗舰店外观不仅完全呼应LOUIS VUITTON所引以为傲的经典图像样式，同时也正式向外宣告，未来LOUIS VUITTON的品牌形象将从原有的产品形象延伸至与都市环境息息相关的建筑设计上；紧接著名古屋旗舰店，Jun亦延续整个LOUIS VUITTON的样式风格，陆续完成了银座（图25）、表参道（图26）、六本木（图27）、纽约、香港…等旗舰店的建筑设计。
图24：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON名古屋旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图25：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON银座旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图26：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON表参道旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图27：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON六本木旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图像样式在当代建筑设计的运用，除了表层符号的沟通之外，也同时展现在造型及结构的运用。 位于东京表参道，由另一位日本建筑师Toyo Ito（伊东丰雄）所设计的TOD旗舰店则展现了不一样的图像样式情趣（图28），有别于一般规律性复制的图像样式，Ito运用不规则的线条图像样式包被整座建筑物，进而营造出类似树笼的丰富建筑表情。 类似的不规则的线条图像样式也展现在瑞士建筑师Herzog and de Meuron所设计的北京奥运竞技场设计案（图29），所不同的是Ito呈现的是不平衡的造形美，而Herzog and de Meuron所表达的则是不平衡的结构美，在此一设计案，Herzog and de Meuron大胆地采用不规则的结构系统以创造大跨距的竞技场使用机能，经过层层的线型结构包覆，呈现出超越规律的有机自然结构；Herzog and de Meuron北京奥运竞技场其实就像是一座大型鸟巢，在复杂无秩序的表层底下，蕴藏着严谨的结构逻辑，就如同Jackson Pollack的缜密的滴彩布局所呈现的不规则「碎形」，Herzog and de Meuron所欲展现其实是对自然的重新解读，进而重新定义混沌里的无秩序随机骚动逻辑。
图28：Toyo Ito设计的TOD旗舰店。 图片来源：Hirano Eureka。
图29：Herzog and de Meuron设计的北京奥运竞技场设计案。 图片来源：Herzog and de Meuron。
图像样式，不仅架构了整个人类的文明，同时也成就了人们与自然的对话，无论是透过建筑、空间、绘画…，数千年来，人们不断地尝试为所接触的现象与环境创造超越现实的图像样式，为的就是让本身更加了解所在的宇宙苍穹，因此，不论是二十一世纪的Herzog and de Meuron还是十九世纪的新艺术运动，其实都在追求相同的理想成就。 图像样式，不仅是人们解读世界的工具，同时也是改变世界的武器，也唯有图像样式，可以让人们以更轻松的角度看清楚人类文明的演进脉络。
注一：数学通常被称之为「样式的科学」（Science of Pattern）。
注二：自然界处处可见费氏数列（Fibonacci Sequence）的例证，例如：梅花有五片花瓣，桔梗有八片花瓣，金盏花有十三片花瓣，而向日葵则有34片及55片花瓣。
注三：混沌理论由Edward Lorenz于1972年提出，理论最大的贡献在于运用简单的模型获得明确的非周期结果，因之，混沌理论在气象、航空等领域的研究里始终扮演着举足轻重的角色。
注四：Mandelbrot, Benoit. B. (1982). The Fractal Geometry of Nature. WH Freeman and Company, 1982。
注五：碎形几何学（Fractal Geometry）由波兰数学家Benoit B. Mandelbrot于1975年发表，理论最大的贡献在于解释不规则、无定形且复杂的图形，像是树木的分枝、海岸线、云形、树叶、闪电…等欧几里得几何学所无法说明的形状；Mandelbrot认为：碎形具有「自相似性」，意即整体图形和部分图形都具有相似型态，所以将碎形图形无限放大，将会出现与原来图形极相似的形像，而自然界有多种形态都具有碎形特性，因此，若任意裁切风景照片的某一部分，将其贴在另一张风景相片上，则往往不会影响我们对此张相片的印象，这就是所谓碎形的「自相似性」。
作者：徐顥 台湾建筑师 哥伦比亚大学硕士
原文地址：http://hawhsu.com/aesthetics-of-pattern/
「艺术是由许多强制于经验之上的样式所构成，而我们的审美愉悦其实就建立在对于这些样式的认知上。」
– Alfred North Whitehead，Dialogues，1943
样式（Pattern），其实是一个数学名词（注一），它关切的是几何、对称、复制、旋转、镜像、无限…等抽象概念。 浅显的样式所呈现的无外乎是重复性或周期性的图像，例如条纹、格子、折线、波卡圆点等几何图像，或花卉、植物、昆虫等自然有机图像，而深沉的样式则是蕴含于隐性脉络的文明轨迹之中，例如数学函数、文法构成、建筑结构分析…等等。 样式，一直是人们解读自然与再现人类文明的重要工具，特别是透过数学演译所产生的样式；十三世纪，义大利数学家Fibonacci发明了第一个递回数列–费氏数列（Fibonacci Sequence） ，他发现在1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89…所组成的无穷数列中第三个数字必然等于前两个数字总和的样式逻辑（注二）；费氏数列的出现，不仅解释了像是松树毬果的鳞片、向日葵的花瓣数列、鹦鹉螺的同心螺纹（图1）…等等的自然演化动力逻辑，同时也再次印证了欧几里得的「黄金分割」（Golden Section）理论，当费氏数列趋近于无穷时，相邻两个数字的比值便愈接近黄金比例的1.6180339887数值。 黄金分割，文艺复兴后期的德国天文学家Johannes Kepler称之为神圣分割，是奠定西方美学与艺术根基的重要观念，从古希腊的帕德嫩神庙（Parthenon）（图2），乃至于Leonardo da Vinci的「维特鲁威人」（Vitruvian Man）（图3）便处处可见黄金分割；黄金分割，不仅定义了整个宇宙的合谐运转，同时也延伸了数学演译与艺术创作之间的线性样式逻辑。
图1：自然界处处可见费氏数列（Fibonacci Sequence）的例证，例如：向日葵的花瓣数列永远只会出现34及55两种数字。 图片来源：L.Shyamal。
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图2：帕德嫩神庙（Parthenon）所呈现的黄金分割比例。 图片来源：wikipedia.org。
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图3：Leonardo da Vinci的「维特鲁威人」（Vitruvian Man）所呈现的黄金分割比例。 图片来源：wikipedia.org。
十六世纪的荷兰艺术家，MC Escher便是透过数学的几何形变进行艺术创作。 在他的Symmetry系列作品里，Escher大量地运用了动物、昆虫、飞鸟，及游鱼等生物形体，藉由对称镜射的画面配置，创造出无限复制的规律壁纸图像样式（Graphic Pattern）（图4），此外，Escher也运用了数学型态分析创作了许多经典的错视作品，最有名的像是Waterfall黑白木刻（图5）， Escher透过平面画面的逻辑配置，将流水与瀑布同时安排于认知中的同一平面，创造了现实空间所无法建构的超现实情境；从Escher的创作里不难发现，「规律」（Order）是所有作品的共通准则，无论是重复性的「规律」或是镜射的「规律」，而「规律」也正是数学演译与图像样式之间的重要演化原则之一。
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图4：MC Escher的Symmetry No.20所呈现的复制镜射图像样式。 图片来源：MC Escher Foundation
图5：MC Escher的Waterfall黑白木刻。 图片来源：MC Escher Foundation。
MC Escher的创作所建构的仍是一个具象的图像样式结论，整个由数学几何衍生发展的抽象艺术思维则一直到二十世纪中期才由德国的包浩斯（Bauhaus） 及荷兰的风格主义（ De Stijl）所确立，著名艺术家如Wassily Kandinsky（图6）、Piet Mondrian（图7）、Theo van Doesburg（图8）…等等，他们共通的特性便在于运用纯粹抽象的几何线条或色块等最原始的绘画元素，重新检视现代艺术从印象派（Impressionism）及立体派（Cubism）一脉相承的再现意义。 Mondrian等人的抽象思维后来也直接引领了接下来包括抽象表现主义（Abstract Expressionism）、普普艺术（Pop Art）、欧普艺术（Op Art）、极微主义（Minimalism），以及观念艺术（Conceptual Art ）等等艺术运动，也因此，整个现代艺术所呈现的抽象图像样式也因此显的更加多元，更具活力，甚至是超越规律的动态混沌（Chaos）。
图6：Wassily Kandinsky的Composition X。 图片来源：wikipedia.org。
图7：Piet Mondrian的Composition with Red, Yellow and Blue。 图片来源：wikipedia.org。
图8：Theo van Doesburg的Counter-Composition V。 图片来源：wikipedia.org。
混沌，是1960年代才兴起的科学革命，它与相对论及量子力学并列为二十世纪最伟大的科学发现，其主要的关注在于无秩序的以及随机的骚动，例如天气、海洋、摇摆的旗帜、心脏的跳动…等等（注三），希望能藉由科学的分析，合理地解释这些动态的自然变化。 混沌，同时也展现在美国抽象表现主义艺术家Jackson Pollock的滴彩画作上，Pollock曾谓：「我关注的是大自然的韵律。」他的画也每每呈现出来自于上帝之手的惊奇，从1947年起， Pollock即尝试透过特殊的滴彩技巧，在直觉与潜意识的双重制约下，将油彩源源不绝地倾洒在横展的画布上，从而创造出独特的连续轨迹，后人认为整个Pollock的创作行动并非全然地由非自主的潜意识所操控，反而是存在着缜密的构成意识；例如Pollock于1947年所创作的名为Full Fathom Five（图9）的作品，Pollock先是作大面积滴彩，然后再沿着画布周围边走边滴，随着当时的潜意识情境，让自身的运动与滴彩韵律协调配合，先是绿色，再是黑色、白色、紫色、黄色…，整个创作的过程，Pollock试图将「时间」也同时融入创作的「空间」中。
图9：Jackson Pollock的Full Fathom Five。 图片来源：MoMA，The Museum of Modern Art。
「为什么几何学被认为生涩无趣？原因之一是它无法用来描述云、山、树木、或海岸线的形状。云并非球状，山非圆锥形，海岸线非圆的，树皮并非光滑的，而闪电也不是走直线。」（注四）
– Benoit B. Mandelbrot，The Fractal Geometry of Nature，1977
Jackson Pollock的创作，其实是混沌过后所遗留的抽象图像样式，完全违背传统的古典欧几里得几何定义，波兰数学家Benoit B. Mandelbrot称之为「碎形几何」（Fractal Geometry）（注五），他认为碎形是一种几何形状，弯弯曲曲的，有着不规律的变化，像是一般平滑几何形体破裂后而产生的形状，所以通称为「碎形」。 「碎形」证实了Pollock的画作里其实潜藏了某种源自于自然无序的微妙规则，Pollock其实尝试以微观的角度，透过缜密的滴彩布局，重新定义混沌里的无秩序随机骚动，然后将之带入非线性的抽象图像样式讨论，进而创造古典几何所无法描述的自然现象。
抽象图像样式在现代艺术运动里一直扮演着举足轻重的角色，无论是承袭自古典欧几里得几何的线性抽象图像样式，或是混沌之后所遗留的「碎形」几何非线性抽象图像样式，其实都在尝试以数学演译解读人们所存在的复杂世界，进而建立共同的沟通符码与价值认知。 当然，除了抽象图像样式之外，启蒙自十九世纪末期法国巴黎的新艺术运动（Art Nouveau）则是以更直接、更生活化的花卉、植物、昆虫等源自于自然界的具象图像样式与人们沟通，无论是透过建筑、室内、装饰，及绘画等多重面向，新艺术运动主张以更充满活力的动态线条，以及新的材料，新的价值观，将当时人们的生活带往更丰富缤纷的自然图像世界。
由法国建筑师Hector Guimard在1899所设计的巴黎Porte Dauphine地铁出口是新艺术运动的重要艺术成就表征之一（图10），整座建筑物完全是以有机花草型态的锻铁与玻璃所构筑而成，圆顺流畅，浑然天成， 完全展现新艺术运动取材自然，精雕细琢的设计思维。 新艺术运动虽源自于巴黎，但同一时期包括维也纳的分离派（Sencessionism），及英国的工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）等艺术运动亦不约而同地表达了类似的形式宣言，例如由奥地利建筑师Joseph Maria Olbrich所设计的维也纳分离派总部建筑（图11），除了是整个分离派运动的精神指标外，其外观由枝叶图像样式所构筑的金色镂空球体更是分离派自绝于历史潮流之外，追求独特形式的最佳设计典范。 类似的金碧辉煌也同时展现于另一位著名分离派艺术家Gustav Klimt的画作上，Klimt闻名于世的创作特色便在于大量且奢华的金色图像样式运用，例如Klimt于1908年所创作的The Kiss作品（图12），画中描绘一位身着黑白色块图像样式外衣的男性，俯身拥吻另一位身着花草图像样式外衣的跪姿女性，整幅画透过不同的图像样式，或交错、或堆叠、或相融，迂回传达画中男女复杂暧昧的互动关系，在Klimt的画中，样式不再只是装饰的符号，而是富有表情的抽象沟通，Klimt的画作可谓将分离派的反古典传统及崇尚自然的艺术宣言，藉由多样的图像样式表达，展露无遗。
图10：Hector Guimard的Porte Dauphine地铁出口。 图片来源：wikipedia.org。
图11：Joseph Maria Olbrich所设计的维也纳分离派总部建筑。 图片来源：wikipedia.org。
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图12：Gustav Klimt的The Kiss。 图片来源：wikipedia.org。
新艺术运动可谓是花草图像样式丰富缤纷的全盛时期，虽然曾一度在严谨的现代运动（Modern Movement）被认为是无用的装饰；一直到1960年，当后现代折衷主义大行其道之时，花草图像样式的自然设计风格才再度抬头，至此，它不但被大量运用在六零年代的空间设计、家具设计、产品设计，乃至于时尚设计，同时，这样的潮流也一直延续到百年后的今天，一般通称为「六零时尚」（Sixties Feelings）。
「六零时尚」在当代的设计思维中一直扮演着举足轻重的地位，它所引领的其实是颠覆传统、回归真实的社会思潮，而所传承的也正是从新艺术运动以来所不断强调的崇尚自然、解放传统的自由设计理念。 花草图像样式的设计运用在当代产品设计师Marcel Wanders的作品里可谓发挥至极致；像是Wonders于2001年为其自有品牌Moooi设计的Crochet咖啡桌（图13）、2002年的Bottoni沙发（图14）、2006年的Flower Chair单椅（图15），2005年为Moroso设计的Print系列沙发（图16），以及同年为知名荷兰家电品牌HE所设计的家庭剧院系列（图17），均呈现大量且丰富质感的花草图像样式。 Wanders不仅将花草图像样式缤纷呈现于其家具设计或产品设计作品，同时也展现于独特的品牌操作上； 2007年春天，Wanders与知名运动时尚品牌PUMA共同发表了Wanders@PUMA的全新品牌（图18），Wanders为其量身打造了一套黑白相间的花草图像样式，套用在包括帐篷、旅行箱、等运动休闲产品上（图19），充分展现出兼具活力与时尚的Lounge in a Style品牌哲学。
图13：Marcel Wanders设计的Moooi Crochet咖啡桌。 图片来源：Marcel Wanders。
图14：Marcel Wanders设计的Moooi Bottoni沙发。 图片来源：Marcel Wanders。
图15：Marcel Wanders设计的Moooi Flower Chair单椅。 图片来源：Marcel Wanders。
图16：Marcel Wanders设计的Moroso Print系列沙发。 图片来源：Marcel Wanders。
图17：Marcel Wanders设计的HE家庭剧院系列。 图片来源：Marcel Wanders。
图18：Marcel Wanders的Wanders@PUMA品牌图像样式。 图片来源：lasplash.com。
图19：Marcel Wanders的Wanders@PUMA的运动休闲系列产品。 图片来源：mocoloco.com。
图像样式因其独特之强制性认知使然，往往非常容易成为人们生活经验与价值认同的一部份，因此，Marcel Wanders其实是企图以其精心设计的花草图像样式创造Wanders@Puma独特的品牌形象。 类似的操作同时也展现在由黑、白、红三种颜色相间交错的Burberry格子（Burberry Check）图像样式上（图20）；从1924年起，Burberry格子便一直是英国时尚品牌Burberry独一无二的经典设计，数十年来， Burberry格子不仅已成为其无形的品牌资产，同时也是其依然保有其前卫时尚领导地位的重要识别元素，因为人们的认知模式永远是图像先行于文字，因此，有大部分的人其实都是先认识Burberry格子，之后才进一步建立Burberry的品牌认知。 经典的图像样式设计就如同艺术创作一般，它必须结合文化、时尚、美学，以及认知科学，方能历久不衰，进而深入人心而成为人们生活经验的一部份；除了Burberry之外，类似的图像样式品牌经验也呈现在LOUIS VUITTON（图21）、VERSACE（图22），以及Paul Smith（图23）等经典时尚品牌的视觉呈现上，因此，独特的图像样式设计几乎已成为大部分时尚品牌的重要品牌资产，同时也是他们之所以历久弥坚的关键所在。
图20：Burberry的Burberry格子（Burberry Check）的图像样式。 图片来源：Burberry。
图21：LOUIS VUITTON的图像样式。 图片来源：LOUIS VUITTON。
图22：VERSACE的图像样式。 图片来源：VERSACE。
图23：Paul Smith的图像样式。 图片来源：Paul Smith。
品牌的认同除了来自于平面视觉的图像样式之外，同时也形塑自三度空间的全方位经验认知；1999年8月，时尚品牌LOUIS VUITTON位于日本名古屋的第一家旗舰店正式开幕（图24），这是LOUIS VUITTON在全球的第一家独立完整的建筑店面，由日本建筑师Aoki Jun（青木淳）担纲设计；Jun在本案完全扬弃LOUIS VUITTON过去的古典奢华主义，取而代之以简单、现代的玻璃盒子建筑，Jun透过大片布满图像样式的玻璃帷幕，营造出日夜大异其趣的都市景观，白天的旗舰店就如同一座半透明的水晶镜盒，璀璨逼人，而一到夜晚则幻化为一座布满LV图腾的透明灯笼，全新的旗舰店外观不仅完全呼应LOUIS VUITTON所引以为傲的经典图像样式，同时也正式向外宣告，未来LOUIS VUITTON的品牌形象将从原有的产品形象延伸至与都市环境息息相关的建筑设计上；紧接著名古屋旗舰店，Jun亦延续整个LOUIS VUITTON的样式风格，陆续完成了银座（图25）、表参道（图26）、六本木（图27）、纽约、香港…等旗舰店的建筑设计。
图24：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON名古屋旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图25：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON银座旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图26：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON表参道旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图27：Aoki Jun设计的LOUIS VUITTON六本木旗舰店。 图片来源：Aoki Jun。
图像样式在当代建筑设计的运用，除了表层符号的沟通之外，也同时展现在造型及结构的运用。 位于东京表参道，由另一位日本建筑师Toyo Ito（伊东丰雄）所设计的TOD旗舰店则展现了不一样的图像样式情趣（图28），有别于一般规律性复制的图像样式，Ito运用不规则的线条图像样式包被整座建筑物，进而营造出类似树笼的丰富建筑表情。 类似的不规则的线条图像样式也展现在瑞士建筑师Herzog and de Meuron所设计的北京奥运竞技场设计案（图29），所不同的是Ito呈现的是不平衡的造形美，而Herzog and de Meuron所表达的则是不平衡的结构美，在此一设计案，Herzog and de Meuron大胆地采用不规则的结构系统以创造大跨距的竞技场使用机能，经过层层的线型结构包覆，呈现出超越规律的有机自然结构；Herzog and de Meuron北京奥运竞技场其实就像是一座大型鸟巢，在复杂无秩序的表层底下，蕴藏着严谨的结构逻辑，就如同Jackson Pollack的缜密的滴彩布局所呈现的不规则「碎形」，Herzog and de Meuron所欲展现其实是对自然的重新解读，进而重新定义混沌里的无秩序随机骚动逻辑。
图28：Toyo Ito设计的TOD旗舰店。 图片来源：Hirano Eureka。
图29：Herzog and de Meuron设计的北京奥运竞技场设计案。 图片来源：Herzog and de Meuron。
图像样式，不仅架构了整个人类的文明，同时也成就了人们与自然的对话，无论是透过建筑、空间、绘画…，数千年来，人们不断地尝试为所接触的现象与环境创造超越现实的图像样式，为的就是让本身更加了解所在的宇宙苍穹，因此，不论是二十一世纪的Herzog and de Meuron还是十九世纪的新艺术运动，其实都在追求相同的理想成就。 图像样式，不仅是人们解读世界的工具，同时也是改变世界的武器，也唯有图像样式，可以让人们以更轻松的角度看清楚人类文明的演进脉络。
注一：数学通常被称之为「样式的科学」（Science of Pattern）。
注二：自然界处处可见费氏数列（Fibonacci Sequence）的例证，例如：梅花有五片花瓣，桔梗有八片花瓣，金盏花有十三片花瓣，而向日葵则有34片及55片花瓣。
注三：混沌理论由Edward Lorenz于1972年提出，理论最大的贡献在于运用简单的模型获得明确的非周期结果，因之，混沌理论在气象、航空等领域的研究里始终扮演着举足轻重的角色。
注四：Mandelbrot, Benoit. B. (1982). The Fractal Geometry of Nature. WH Freeman and Company, 1982。
注五：碎形几何学（Fractal Geometry）由波兰数学家Benoit B. Mandelbrot于1975年发表，理论最大的贡献在于解释不规则、无定形且复杂的图形，像是树木的分枝、海岸线、云形、树叶、闪电…等欧几里得几何学所无法说明的形状；Mandelbrot认为：碎形具有「自相似性」，意即整体图形和部分图形都具有相似型态，所以将碎形图形无限放大，将会出现与原来图形极相似的形像，而自然界有多种形态都具有碎形特性，因此，若任意裁切风景照片的某一部分，将其贴在另一张风景相片上，则往往不会影响我们对此张相片的印象，这就是所谓碎形的「自相似性」。
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