宝塚入坑指南（四）舞台结构及舞台用语下
原文发自微信公众号：川岸剧场
当剧场灯光暗下去，就是开演的标志。一般会由主演男役进行报幕，介绍演出的名字、演出家和本次管弦乐团的指挥。
演出家可以理解为集编剧和导演为一体的核心人物。
舞台表演都是根据剧本进行的，但剧本只交待台词、事件和人物的粗略动作，并非生徒表演所需的所有情感表达，例如语气、面部表情和肢体语言，都会详细写出来。
因此，演出家会指导生徒理解故事、时代背景、主题和人物思想情感，如何适当地表演，如何展现出想要的舞台氛围。
除此之外，完成舞台表演所需的服装、道具、布景、配乐、编舞、音效和灯光也需要演出家把控，并把需求传达给协作的工作人员。
第一次观剧的川岸君选择老老实实复制粘贴周围观众的反应，别人鼓掌时跟着鼓掌，这是最安全礼貌的做法。当然，鼓掌不是必须的，也不用迫于礼节压力鼓掌，只要遵守剧场规定，不妨碍他人，全场坐在那里什么反应没有也可以。
川岸君注意到舞台上的一些装置。首先是舞台中央无法忽视的那个巨大的旋转装置。
旋转舞台，日语称作“盆”，用来代指旋转舞台的圆形。旋转舞台这种装置在18世纪中叶由歌舞伎表演首创。宝塚大剧场的旋转舞台位于主舞台正中，直径约14米，可以360度旋转，旋转方向也可以根据需要调整。
除了旋转舞台，还有升降舞台（せり），主要是上下移动在舞台上营造出高差，也起到运送演员出场退场的作用。
宝塚大剧场的升降舞台有6个。分别是位于旋转舞台中可以一起旋转的1、2、3、4号和上手花道的7号，以及下手花道的8号。原来还有5号6号，据说现在已经不使用了。
1号和4号大小相同，长3米，宽1.2米，能容纳2人。
2号由三部分可以独立升降的舞台组成，高差可以变化形成台阶状。其中上下舞台长1.8米，宽2.1ｍ，中间舞台长2.4米，宽2.1米，一共可以容纳6人。
3号是升降舞台中最大的，长10.5米，宽2.7米，能容纳17人，最高能在舞台上升起4米，由于聚光灯只能达到2.7米的位置，所以一般不会载人升到那么高。3号内部是空心的，可以跟其他升降舞台搭配使用，将生徒输送上场。3号内部的空间也经常被设计为建筑或者房间，分隔舞台空间，或者在快速切换场景中发挥作用。
7号8号大小相同，长1.2米，宽0.9米，容纳1人。7号8号也被称为“スッポン”，沿用的是歌舞伎的称呼。因为歌舞伎舞台有类似的装置，一般使用“スッポン”出场的都是妖怪或者幽灵之类非人类的角色。在宝塚的舞台上，使用“スッポン”登场退场的一般是star。
在舞台和花道之下的空间被称作“奈落”，同样也是沿用歌舞伎的称呼。
“奈落”源自梵语，是“地狱”的意思。关于舞台上使用“奈落”一词说法有两种：一是说用“奈落”指代黑暗幽深的地下，这种比较常见；另一种说法很有趣，据说魔物会潜藏在幽暗的舞台之下，因为对上面光辉绚丽的舞台充满嫉妒和怨念，时不时会作祟引起舞台事故。
在奈落中有各种机械和装置、大型的转动设备，确实是比较危险的地方。
舞台表演跟现在人们习惯的视觉娱乐方式如电影电视剧之类的不同，现场表演无法进行剪辑，那么场景与场景之间的转换和过渡就要用舞台的手法处理。川岸君在观看表演中获得的新知识点就是关于场景转换。
暗转（暗転）是舞台最常用的场景转换手法，简单说就是灯光转暗，演员和道具移动，切换场景。人的眼睛暗适应还需要时间，舞台熄灯之后眼前一片黑，只能看见舞台上微弱的荧光定位点，听见台上跑动的脚步声，也是种有趣的体验。
纱幕（紗幕）是用非常薄像纱一样材质制作的幕布，这种幕布有个特性，当幕布的内侧没有灯光照明时，看上去是一片黑。如果内侧加上灯光，则可以透过幕布看到后面的舞台，生徒不用等幕布升起就可以开始表演。纱幕上也可以使用投影，打上标题或者CG。
使用纱幕转场能营造出梦幻般的氛围。
通过旋转舞台的转动，配合升降舞台和幕布也可以起到场景转换的作用。
一场宝塚的秀大概可以分为以下几个部分：
序幕（プロローグ），整个秀的开篇导入部分，在序幕中几乎所有的出演生徒都会华丽登台亮相。
中詰め，这个没有特别贴切的中文译名，指的是秀进行过半时几乎全员登台一起完成的热闹场景。
在序章和中詰め以及最后的Final环节中，镜球（ミラーボール）都非常有存在感。镜球，或者叫镜面反射球，是一个镶满镜面的球体，安装在剧场的顶棚上。当光线照在镜球上时，镜球旋转起来，把光反射到剧场的各个地方，营造热闹的氛围。
“フィナーレ”一词最初来自意大利语的 “Final”。在音乐中，它意味着最后的乐章，而在舞台上，它意味着整部作品的终章。
宝塚歌剧团的演出流程里，在结束时一定有一个Final环节。Final环节构成根据公演是一本物还是二本物有所差别。
Final环节通常以Line Dance开始。
Line Dance（ラインダンス），所有人排成一列跳舞，也可以称作“ロケット（火箭）”，最为中国饭所知的称呼是“大腿舞”。在1927年日本首个revue秀《モン・パリ》里初次亮相。
Line Dance是和制英语，ロケット（火箭）这个称呼则来自于纽约曼哈顿无线电城音乐厅（Radio City Music Hall）火箭女郎舞蹈团。这个舞蹈团的大腿舞非常出名。
二本物第二幕的秀可以把Line Dance安排在演出的其他部分，但一本物第二幕的Line Dance一定是进入Final环节之后。
Line Dance结束，大階段出现。
大階段是宝塚歌剧团代表性的舞台元素之一，于1927年首次出现在《モン・パリ》的表演里。
现在使用的大階段由特殊合金制成，平时靠墙收折存放，使用时靠机械展开，完全展开需要时间为2分20秒。展开的大階段高4.42米，长7米，前宽后窄，前面宽14.6米，后面宽10.9米，共有26级台阶，每个台阶仅有23厘米宽。大階段能承受80个人的重量。坐在二楼可以看到生徒在大階段上定格亮相时的定位点记号。
接下来就是由主演男役或者二番手带领群舞表演。二番手就是仅次于主演男役的男役star，在宝塚的番位体系中就是离顶点只差一步的人，在剧和秀中一般都担任着重要的角色。
群舞表演之后是Duet Dance。
Duet Dance（双人舞），通常由top控比一起完成的双人舞，偶尔也会有例外情况。
Lift（托举），就是字面意思，指舞蹈中的托举动作，经常在top控比的双人舞中会有男役抱起娘役转圈的动作设计。
在双人舞之后，就进入了Final最后的パレード。
パレード可以理解为谢幕，出演生徒按照一定顺序，全员从大階段上走下来向观众致谢。
エトワール在大階段上唱起公演主题曲，就是パレード的开端。エトワール（etoile）是法语“星星”的意思，有时也因为在パレード中担任的角色被称为“歌姬”。
歌姬在大階段上亮相之后有30秒左右的独唱，一般采用近似歌剧美声的唱腔用高音吸引全场观众注意。歌姬通常由组内擅长唱歌受到重视的娘役担任，偶尔也会因为各种原因由男役担任或者由男役和娘役一起担任。
每个在谢幕阶段走下大階段的生徒手上都会拿着一个叫“シャンシャン”的小道具。シャンシャン，中文一般音译为“香香”，香香每次公演都会重新制作，按照公演内容设计成不同样式。在香香里面也能看出不少道具制作的巧思。
谢幕的时候，生徒有严格的下大階段的顺序，低学年的生徒走在两边，出演主要角色的生徒走在中间。所有人都会唱着本次公演的主题曲，戏份重、番位靠前的几名主演亮相时会唱几句各自角色的角色曲。到最后就是主演娘役和主演男役登场，这时候就能看到宝塚歌剧团最广为人知的标志——大羽根。
羽根，官方介绍只有轻描淡写的两句“宝塚不可缺少的服饰。主演男役背负的羽根由鸵鸟羽毛等奢华材料制成，有些可以达到数十公斤重。”
被豪华大羽根晃花了眼的川岸君觉得官方的解释简直就是“听君一席话，如听一席话”，于是自己动手检索资料。
主演男役背负的大羽根重量一般在十几公斤到二十公斤之间，根据设计不同重量会有差异，制作要花费大约一个月的时间。大羽根直径达到两米，上面的长羽毛都要用金属丝固定。
除了竖起来像孔雀开屏一样圆形散开的羽毛之外，后面还拖着8条像瀑布一样垂到地板长达两米被称为“吹き流し”的羽毛尾巴。羽根的造型带来的空气阻力不小，走动起来体感的重量只会比实际重量更重。羽根上缝有大约5厘米宽的背带，可以从衣服肩膀上的开口穿过，像书包一样背起来。
大羽根不只看起来奢华，实际上也奢华。主演男役身上的羽根加上一身服装，花费能上百万日元。
主要男役带领主要出演生徒上银桥走一圈谢幕之后回到主舞台，再次谢幕之后緞帳落下，本场公演结束。
