【丹纳】艺术哲学【第二编 】意大利文艺复兴期的绘画
“作品与环境必然完全相符；不论什么时代，艺术品都是按照这条规律产生的。”
【第二编 】意大利文艺复兴期的绘画
【第一章】意大利绘画的特征
安东尼奥·波拉约洛和所有人文主义画家一样，不同于中世纪经院艺术，不是宣扬神秘的教义，而是赞颂人间的美资和情感。他偏爱表现人体丰富的动态，尤其是肢体激烈的动感。在他的时代，波拉约洛是最早熟知解剖知识、精确描绘人体的画家。
意大利画派对风景是瞧不上的，或者是不重视的；静物的生命要等以后法兰德斯的画家来表达。意大利画家采用的题材是人；田野、树木、工场，对他只是附属品；据瓦萨里的记载，...米开朗琪罗说过，那些东西应当让才具较差的人作为消遣与补偿，因为艺术真正的对象是人体。
曼特尼亚潜心研究透视学，他的《哀悼基督》正是这一成就的绘画典范。画中，曼特尼亚从基督的脚向头部透视，有一定的透视问题，左边哀泣的两个人头也存在比较明显的透视关系缺陷，整个画面也不太符合透视缩减的精准比例，却难掩画家真诚的探索精神。
晚期的意大利画家固然也画风景，但那是最后一批的威尼斯派，尤其是卡拉齐三兄弟，在古典绘画趋于衰落的时候。
意大利画家排斥这些琐碎的东西，认为鄙俗。他们的艺术越成熟，越避免描头画角式的正确与形似。...一切前期的画家都在壁画上放进同时代的人的形象。从粗具规模的艺术到发展定局的艺术所迈进的一大步，便是发明完美的形体，只有在理想中找到而非肉眼所见的形体。——在这个界限内，意大利古典绘画还有一个限制。在它作为中心的理想人物身上，固然能分辨出精神与肉体，但一望而知精神并不居于主要地位。这个古典画派既没有神秘气息，也没有激动的情绪，也不以心灵为主体。...文艺复兴前期那一派优美而尚未成熟的艺术，最关心虚无缥缈与崇高的世界、出神入定的无邪的灵魂、神学的或教会的定律。古典绘画可不表现这些，它已经走出基督教与僧侣的时期，进入世俗的与异教的时期。——古典绘画绝不强调暴烈或痛苦的景象，以免引起怜悯和恐怖...
帕尔米贾尼诺早期的画风主要受柯雷乔影响，表现纤细优美。但到罗马后，他被拉斐尔打动，线条变得柔和，也更富有诗意。但与拉斐尔不同，帕尔米贾尼诺更希望创作出比前代大师更有趣、更非凡的作品，他因此尝试着画了一些变形的画作，如《长颈圣母》《镜里的自画像》等。
悲怆沉痛的艺术专门刺激兴奋而病态的感觉，当然为讲究平衡的古典艺术所不容。它决不为了关切精神生活而牺牲肉体生活，并不把人当作受着器官之累的高等生物。...往往连达芬奇在内，形式便是目的，不是手段；形式并不附属于面貌、表情、手势、环境、行动；他们的作品以形象为主，不重诗意，不重文学气息。
乔凡尼·贝利尼是第一位用画布作画的威尼斯画家。他使用淡彩画法，将朴素的宗教感情和温暖的人性深度融合。《忘形状态的圣弗朗西斯》作为一幅祭坛画，乔凡尼·贝利尼以情景交融的宗教典故描绘圣弗朗西斯，从而开创了文艺复兴时代祭坛画趋时入世的新格局。《裸女照镜》中女子抬手照镜的姿态和随意搭在身体上的长巾，使人体既袒露又含蓄。画家运用丰富的色彩和细腻的笔触，塑造了包含生命力的柔软肌体，画中的人体曲线与背景坚硬的直线分割并形成强烈的对比，不仅凸显了人体的质感与柔美，而且造成刚柔相济的视觉效果。
...各部分比例的均匀与发展的平衡，经过挑选而描绘下来的姿势的美妙，衣褶与周围的人体布置的恰当，形成一个和谐的总体；整个作品给人的肉体世界的印象，和古代的奥林波斯一样，是一个神明的或英雄的肉体世界。——这是意大利古典艺术家特有的发明。
马丁尼对艺术，特别对哥特艺术风格的发展有着里程碑式的贡献。他的作品往往有着优美的线条、装饰性强烈的细节和珠宝般明丽的色彩。
意大利文艺复兴期的画家创造了一个独一无二的种族，一批庄严健美、生活高尚的人体，令人想到更豪迈、更强壮、更安静、更活跃，总之是更完全的人类。
【第二章】基本形势
产生作品的环境
产生作品的种族。他们所以在绘画方面采取这种途径，完全是由于民族的和永久的本能。
意大利人的想象力是古典的，就是说拉丁式的，属于古希腊人和罗马人的一类。...他们的建筑物充满刚强、快乐、开朗、典雅自然的气息，正好和北山（阿尔卑斯以北）的大教堂像七宝楼台一样又繁琐有宏伟的结构，沉痛而庄严的境界，阴暗和变幻不定的光线，成为对比。——同样，就在我们这个时代，他们那种 像歌唱一般的音乐，节奏清楚，即便是表现壮烈的情绪也优美悦耳，正好和德国的器乐成为对比：前者的长处在于对称、圆润、抑扬顿挫、流畅、华丽、明净，界限分明，赋有戏剧天才；后者却那么博大、自由，有时又飘飘渺渺，最能表达幽微的梦境和深切的感情，抒写严肃的心灵在烦闷与孤独的摸索中间，窥测到宇宙的无穷与“他世界”时的说不出的意境。...特色是喜欢和擅长“布局”，因此也喜欢正规，喜欢和谐与端整的形式；伸缩性与深度不及日耳曼人；对内容不像对外表那么重视，爱好外部的装饰甚于内在的生命；偶像崇拜的意味多，宗教情绪少；重画意，轻哲理；更狭窄，但更美丽。
巴托洛梅奥从拉斐尔那里学习了透视的运用法则，以及描绘布料纹理的油画技巧。当时意大利绘画正处于湿壁画和蛋彩画向油画转变的过渡中，油画技巧仍处于探索阶段。研究者发现，巴托洛梅奥所有杰出的油画作品都是在与拉斐尔交往后创作的。
法国民族，更北方式，更实际，更重社交，拿手杰作是处理纯粹的思想，就是推理的方法和谈话的艺术；另外一个是意大利民族，更南方式，更富于艺术家气息，更善于掌握形象，拿手杰作式处理那些诉之于感觉的形式，就是音乐与绘画。
艺术是影子，才能是本体，艺术始终跟着才能的诞生、成长、衰落、方向。才能带着艺术出场、前进，使艺术跟着它的变化而变化；艺术的各个部分和整个进程都以才能转移。它是艺术的必要条件，艺术有了它就能诞生。因此我们要详细研究这个才能，以便了解艺术、说明艺术。
乔尔乔内的绘画，造型优美，色彩绚丽，明暗关系柔和，人物和风景自然交融，并因此开创了风景人物绘画的新格局，而之前，许多佛罗伦萨画家则仅仅把风景作为人物的陪衬。
卡拉瓦乔以精严的笔法描绘了摆放在酒神面前的一篮水果，耐心细致地刻画出每一个细节：虫斑、溃烂地果皮等等。卡拉瓦乔用一种优质地软毛笔和流质地油画颜料描绘这组静物，以表现果皮光洁的质感及葡萄上的高光。
【第三章】次要形势
人本来野性十足，现在会静观默想了。他本来只管消耗与破坏，现在会修饰与欣赏了。他本来只是活着，现在知道点缀生活了。这便是意大利在15世纪所发生的变化。
语言变得明白了，同时也变得高雅了。钻研学问的事业从修道院转移到贵族的府上，不再是空洞的争辩而成为怡悦性情的工具。...厅上摆着名贵的半身雕像，面前放着新发现的古哲的手稿，用的是精致高雅的语言，彼此不拘礼数，不分尊卑，存着互相切磋的好奇心，扩大学问的范围，充实学问的内容，把中世纪经院派的狭窄的论争变作慎思明辨之士交流心得的盛会。
《帕纳塞斯山（壁画）》帕纳塞斯山为古代太阳神和文艺女神聚集的灵地。拉斐尔绘制的画面，以阿波罗神为视觉中心，旁边环绕的分别是文学、艺术、科学等九位文艺女神和今古诗人。此画赞美了人类的道德、智慧和高贵的情感，歌颂诗歌和音乐的理想与联系。画面气氛愉悦而生动，犹如意大利式轻松而经典的交际场景。
...那时意大利人的气质更富于诗意，正如他们的语言更近于音乐。意大利文由于音节丰富、语尾响亮，即使说的是极普通的东西也显得美妙、和谐，何况优美的内容，用意大利文说来当然更高雅更妩媚了。卡斯蒂里奥纳书中有一段描写人生的凄凉的晚景：文字的风格好比意大利的天色，连废墟残迹都照着黄橙橙的阳光，使阴沉的景象变作一幅庄严的图画。
才能只是为上流社会服务的；绝对不应该以学究的态度去培养，而要以令人喜悦为目的；施展才能不应当是为了博人赞赏，而应当为了娱乐他人。因为这个缘故，一切优美的艺术都要通晓。
