《艺术的故事》笔记五
20世纪前半叶
20世纪的建筑已经抛弃了对“美的艺术”的坚持，抛弃了装饰，抛弃了古老建筑的程式甚至严格的对称要求，而是完全遵循建筑的目的。这一点在美国尤甚（因为缺少传统的压力），轮廓清晰、形式简单的现代工业风格逐渐形成。“功能主义”（functionalism）：只要设计的东西符合它的目的，美的问题就可以随它去，不必操心。
绘画方面，为了引人注目，艺术家不得不追求独创性。比如他们发现部落艺术的作品具有的正是欧洲艺术长期求索过程中已失掉的：强烈的表现力，清楚的结构和直率单纯的技术。
在前人的基础上，表现主义的风格越演愈烈。漫画可被看作“表现主义”，为耍弄牺牲者，加以歪曲。表现主义者对人类的苦难、贫困、暴力和激情深有所感，认为古代一味追求美的风格难免伪善。爱德华.蒙克（Edvard Munch, 1863-1944）的《尖叫 the scream》（所有线条趋向画上唯一的中心 - 尖叫的头部，仿佛全部景色都分担尖叫的痛苦刺激，面孔已变形，使人想起骷髅头，不知道尖叫意味着什么就更令人不安。）、凯绥.珂勒惠支（Kathe Kollwitz, 1867-1945）的《需求》、埃米尔.诺尔德（Emil Nolde）的《先知》,恩斯特.巴拉赫（Emst Barlach）的《Have Pity!》都用简化的手法增强了表现力。
亨利.马蒂斯（Henri Matisse, 1869-1954），“野兽派”。公然蔑视实际的形状，欣赏强烈的色彩，研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成对现代设计有巨大影响的风格。《餐桌》（La Desserte），妇女和树木的轮廓大为简化，甚至歪曲形状去配合墙纸的花朵，也就显得完全协调一致。
与此同时，立体主义的风潮在巴黎掀起，推崇“形式第一，题材第二”。我们发现，图案与立体性始终存在冲突：给予装饰性图案以优先地位时，就牺牲了长期实践的用光影塑造形体的方法。沿袭塞尚的思想，艺术家希望把母题画面组织地尽可能的有立体感，从多个角度来看待和展现同一个事物。巴勃罗.毕加索（Pablo Picasso, 1881-1973）描绘的《小提琴》便是如此，一定程度上他重返了所谓的埃及人的原则，从最能体现物体独特形式的角度去画它。尽管表面上是一些互不连接的混杂形状，整体看起来却不混乱，这是因为艺术家在画中使用的各个组成部分多少还是统一的，所以呈现出协调一致的整体外形。艺术家请观赏者跟他共同进行这一复杂的游戏，用画布上的几块平面片段在心目中构成一把可感可及的小提琴实体形象。使用这个方法只能用于熟悉的形状。绘画是在一个平面上表现深度，立体主义是一种尝试，利用这个悖论取得新的效果。当野兽派为了色彩的愉悦牺牲明暗法时，立体主义者却抛弃这种乐趣，宁可与传统的“形式”塑造技巧玩捉迷藏的游戏。
表现主义和立体主义催生了“抽象艺术”。瓦西里.康定斯基（Wassily Kandinsky, 1864-1944），神秘主义者，强调纯色的心理效果，相信以这种方式在心灵间交流的可能和必要，开创了“抽象艺术”（abstract art）。皮特.蒙德里安（Piet Mondrian, 1872-1944）最著名的《红、黑、蓝、黄、灰的构图》，也渴望通过清楚而规则性（笔直的线条和纯粹的颜色）的艺术反应宇宙的客观法则。
艺术家觉得直率和单纯是唯一不能学而得之的东西，其他任何一种手艺诀窍都能学到手，任何一种效果只要让人看到，就容易依样模仿。博物馆中充满显示惊人的灵巧和技术的出色之作，继续下去就会毫无收获，处于失去灵魂，沦为熟练绘工或雕刻工的危险中，除非，他们变成小孩。亨利.卢梭（Henri Rousseau, 1844-1910）,《Portrait of Joseph Brummer》不了解正确素描法，“业余画家”的朴素、自学的手法，看上去很笨拙，但生动单纯诗意。马克尔.夏加尔（Marc Chagall, 1887-1985），《The cellist》不允许自己由于了解现代派实验而抹掉童年的记忆，成功保留了真正民间艺术的特殊风味和孩童奇趣。
“超现实主义”：创造比现实本身更为真实的东西。认为艺术家不能设计作品，必须让作品自由生长，抛弃成见，发挥幻想力，进入奇异梦境。Alberto Giacomett《head》, Rene Magritte《Attempting the impossible》,西班牙人萨尔瓦多.达利（Salvador Dali, 1904-1989），《Apparition of face and fruit-bowl on a beach》,企图仿效梦境中的奇异混乱，把现实世界从的不连贯的惊人片段混合在一起，让每个形状同时表示几种事物，使我们的注意力集中于每个色彩和形状的多种可能的意义，其方式像成功的双关语促使我们认识到词语的功能和意义。
“达达派”(Dada):施威特尔（Kurt Schwitters, 1887-1948）, 拼贴，儿童世界的日常东西可以具有生动的意义。马赛尔.杜尚（Marcel Duchamp, 1887-1968）“现成之物”。
斑点画法(tachisme)：波洛克 (Jackson Pollock, 1912-1956), 探讨纯粹用色，《One （number 21, 1950）》,产生一团纠结在一起的线条符合20世纪艺术的两个相互对立的标准：向往儿童版的单纯性和自发性，对于“纯粹绘画”的高深莫测的兴趣。波洛克成为所谓“行动绘画”（action painting）或抽象表现主义(Abstract Expression)的新风格的创始人。认为需要听从自发的冲动，不事先计划，跟中国书法一样迅速完成。受远东神秘主义特别是佛教的禅宗影响。
“后现代主义”
摄影师和画家间的和好：卡蒂埃.布雷松（Cartier-Breson） 《Aquila degli Abruzzi》;霍克尼（David Hockey）《My mother》
其他：“Knossos Palace”，《Rape of Persephone》: 366BC
20世纪的建筑已经抛弃了对“美的艺术”的坚持，抛弃了装饰，抛弃了古老建筑的程式甚至严格的对称要求，而是完全遵循建筑的目的。这一点在美国尤甚（因为缺少传统的压力），轮廓清晰、形式简单的现代工业风格逐渐形成。“功能主义”（functionalism）：只要设计的东西符合它的目的，美的问题就可以随它去，不必操心。
绘画方面，为了引人注目，艺术家不得不追求独创性。比如他们发现部落艺术的作品具有的正是欧洲艺术长期求索过程中已失掉的：强烈的表现力，清楚的结构和直率单纯的技术。
在前人的基础上，表现主义的风格越演愈烈。漫画可被看作“表现主义”，为耍弄牺牲者，加以歪曲。表现主义者对人类的苦难、贫困、暴力和激情深有所感，认为古代一味追求美的风格难免伪善。爱德华.蒙克（Edvard Munch, 1863-1944）的《尖叫 the scream》（所有线条趋向画上唯一的中心 - 尖叫的头部，仿佛全部景色都分担尖叫的痛苦刺激，面孔已变形，使人想起骷髅头，不知道尖叫意味着什么就更令人不安。）、凯绥.珂勒惠支（Kathe Kollwitz, 1867-1945）的《需求》、埃米尔.诺尔德（Emil Nolde）的《先知》,恩斯特.巴拉赫（Emst Barlach）的《Have Pity!》都用简化的手法增强了表现力。
亨利.马蒂斯（Henri Matisse, 1869-1954），“野兽派”。公然蔑视实际的形状，欣赏强烈的色彩，研究东方地毯和北非景色的配色法，发展成对现代设计有巨大影响的风格。《餐桌》（La Desserte），妇女和树木的轮廓大为简化，甚至歪曲形状去配合墙纸的花朵，也就显得完全协调一致。
与此同时，立体主义的风潮在巴黎掀起，推崇“形式第一，题材第二”。我们发现，图案与立体性始终存在冲突：给予装饰性图案以优先地位时，就牺牲了长期实践的用光影塑造形体的方法。沿袭塞尚的思想，艺术家希望把母题画面组织地尽可能的有立体感，从多个角度来看待和展现同一个事物。巴勃罗.毕加索（Pablo Picasso, 1881-1973）描绘的《小提琴》便是如此，一定程度上他重返了所谓的埃及人的原则，从最能体现物体独特形式的角度去画它。尽管表面上是一些互不连接的混杂形状，整体看起来却不混乱，这是因为艺术家在画中使用的各个组成部分多少还是统一的，所以呈现出协调一致的整体外形。艺术家请观赏者跟他共同进行这一复杂的游戏，用画布上的几块平面片段在心目中构成一把可感可及的小提琴实体形象。使用这个方法只能用于熟悉的形状。绘画是在一个平面上表现深度，立体主义是一种尝试，利用这个悖论取得新的效果。当野兽派为了色彩的愉悦牺牲明暗法时，立体主义者却抛弃这种乐趣，宁可与传统的“形式”塑造技巧玩捉迷藏的游戏。
表现主义和立体主义催生了“抽象艺术”。瓦西里.康定斯基（Wassily Kandinsky, 1864-1944），神秘主义者，强调纯色的心理效果，相信以这种方式在心灵间交流的可能和必要，开创了“抽象艺术”（abstract art）。皮特.蒙德里安（Piet Mondrian, 1872-1944）最著名的《红、黑、蓝、黄、灰的构图》，也渴望通过清楚而规则性（笔直的线条和纯粹的颜色）的艺术反应宇宙的客观法则。
艺术家觉得直率和单纯是唯一不能学而得之的东西，其他任何一种手艺诀窍都能学到手，任何一种效果只要让人看到，就容易依样模仿。博物馆中充满显示惊人的灵巧和技术的出色之作，继续下去就会毫无收获，处于失去灵魂，沦为熟练绘工或雕刻工的危险中，除非，他们变成小孩。亨利.卢梭（Henri Rousseau, 1844-1910）,《Portrait of Joseph Brummer》不了解正确素描法，“业余画家”的朴素、自学的手法，看上去很笨拙，但生动单纯诗意。马克尔.夏加尔（Marc Chagall, 1887-1985），《The cellist》不允许自己由于了解现代派实验而抹掉童年的记忆，成功保留了真正民间艺术的特殊风味和孩童奇趣。
“超现实主义”：创造比现实本身更为真实的东西。认为艺术家不能设计作品，必须让作品自由生长，抛弃成见，发挥幻想力，进入奇异梦境。Alberto Giacomett《head》, Rene Magritte《Attempting the impossible》,西班牙人萨尔瓦多.达利（Salvador Dali, 1904-1989），《Apparition of face and fruit-bowl on a beach》,企图仿效梦境中的奇异混乱，把现实世界从的不连贯的惊人片段混合在一起，让每个形状同时表示几种事物，使我们的注意力集中于每个色彩和形状的多种可能的意义，其方式像成功的双关语促使我们认识到词语的功能和意义。
“达达派”(Dada):施威特尔（Kurt Schwitters, 1887-1948）, 拼贴，儿童世界的日常东西可以具有生动的意义。马赛尔.杜尚（Marcel Duchamp, 1887-1968）“现成之物”。
斑点画法(tachisme)：波洛克 (Jackson Pollock, 1912-1956), 探讨纯粹用色，《One （number 21, 1950）》,产生一团纠结在一起的线条符合20世纪艺术的两个相互对立的标准：向往儿童版的单纯性和自发性，对于“纯粹绘画”的高深莫测的兴趣。波洛克成为所谓“行动绘画”（action painting）或抽象表现主义(Abstract Expression)的新风格的创始人。认为需要听从自发的冲动，不事先计划，跟中国书法一样迅速完成。受远东神秘主义特别是佛教的禅宗影响。
“后现代主义”
摄影师和画家间的和好：卡蒂埃.布雷松（Cartier-Breson） 《Aquila degli Abruzzi》;霍克尼（David Hockey）《My mother》
其他：“Knossos Palace”，《Rape of Persephone》: 366BC
