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一位摄影师的爵士观演手记
跨过低矮的芦苇，迈过潮湿沼泽，
是一片天鹅绒般发黑的水潭，
旁边有一个黑色的琴匣
里面装的是一架复古的大提琴，
背后传来的是悠长的布鲁斯，
这是我每天梦到的世界。
我开始对爵士乐产生好奇，
但能记录它们的只有我手中的这台相机
我喜欢爵士乐是因为它并不热衷于竞争，是否成为热点话题也并非我们的关注点，而是在各种不同的声音搭配形式里，感受彼此。
很多人可能看到有关于音乐的场合多半是竖着旗杆大声呼喊“摇滚万岁”，或者是跟着自己喜欢的音乐人一起大声合唱一些烂熟于心的歌曲。那的确很痛快，但实在不适合上海这样的地方，而这里对我来说好像没有比跟着顶级Funk乐团喊“Soul Power”更合适了。爵士乐作为一种精神性的存在。我喜欢看到他们专注地玩着自己喜欢的音乐。然而作为一名摄影师我觉得乐手们的每一个画面都值得被定格。 但这种发源于美国，带有浓厚中非色彩的音乐。常常被人们束之高阁定义，大多人认为只要听就好了。我想，要不就让我来！
包容性和艺术价值。
中国对于爵士乐的接触，从上世纪二十年代年轻的上海滩百乐门，到今日橱窗中王若琳和董沁的专辑--人人可以谈论爵士--是的，音乐没有人为的门槛，谈论旋律或者歌词，也不会陷入行内行外的身份尴尬。因为当世物加入了艺术性，就代表其应该接受所有审美者的评判。但即便如此，乐感对于我们是否是理所应当的？我用爵士乐打这个比方--尽管我没有任何义愤，但是或许你明白，中国爵士乐书籍比较匮乏，大量关于爵士的资料无人问津，歌手和专辑缺乏翻译，先天条件不足发展也必然受到限制。
布鲁斯调式和招牌”蓝音“也就毫无悬念的流淌进了爵士乐的血脉中。
拍摄
因为音乐是相通的，在不断的了解中，我们就能够辨认出那些精雕细琢或者浑然天成的作品，与批量生产和生搬硬套的产品究竟有怎样的区分。我不知道音乐对于各位是否重要，但是认识美丑是无法回避的。或许在我的概念中，谈论音乐的价值就是因为去要欣赏或者创作--懂得美是值得我们花费一生的时间去不断理解与实践的。....
即便是同一种音乐我们也会有明确的好恶--好比敲字的也分码农和作家。所以找到自己喜欢的”那一部分“就显得重要起来。
乐手
最典型的，Bill·evans【9】的Autumn leaves，在爵士乐迷心中，这首曲子极为丰富的故事性和巧妙节奏的演绎简直令人词穷；但是对于其他流派的爱好者来说，这首歌却突然变成最为不友好的一支
任何一位乐手都会准备好一些熟练的段子和连续爬音，通过反复练习和设计，合理的融合在表演中。
通过摇摆能够迅速建立爵士感，特别是在编曲方面--如果你说一首曲子具有爵士风味，那很有可能你说的就是摇摆感--摇摆某种意义上是非常“古典”的，由于受到了二十年代环境影响，所以其演绎也主要是由多人乐队完成，对于三重奏或者四重奏乐团这样更简洁明快的小乐团并不友好。这点非常有意思，因为爵士乐一直以来的目标就是能够与古典音乐平起平坐，当他们费劲心思组建规模庞大的乐队以制造“交响色彩”的时候，他们却更像是伴舞音乐。而当他们开始服从爵士本质上那种无拘无束的召唤以后，却真正的踏入了艺术的殿堂。那么摇摆感又是否可以理解为时代的笑料呢？恐怕不是，当摇摆之王
就像Louis·Armstrong【1】所说的那样：音乐就是生活！每一种音乐的背后，都是因为有了无数令人敬仰的灵魂支撑起了它，是无数的故事和传说将它带到了一个令人向往的境界。我一直相信，人需要精神上的享受，尽管很多人将它作为了麻痹自己的借口。但是毫无疑问--音乐，这爵士乐有资格称自己是“音乐”，在迷惘的一代，在金融危机，在二战，在冷战【2】，它的身影跨过了全球，将每一个时代的惆怅和快乐，奇迹与绝望融化在了它的乐章中，通过一种大胆而且危险的方式向我们表达--即兴，这是一种极为独特的趣味--使得它拥有了类似语言和故事的魅力，让他仿佛就是我们的人生--你永远不知道下一秒会发生什么。是我们今天的话题--会改变我们，尽管他们没有语言或者神态，但是却更加逼真，使我动容。我也只是单纯的凭借着一腔热情向大家讲诉一些关于爵士乐的故事，我会非常认真的去描绘它们，就像歌手们非常认真的去演奏；尽管很多人认为爵士乐是深沉的，忧郁的，但是我认为它有一颗玩世不恭的心，能够在各色各样的音乐流派中随遇而安，融会贯通，就像是AcidJazz或者Bossanova【3】。
结尾：在今后的日子中，或许我并没有资格带着爵士乐，然后拍拍你的肩膀说，瞧，让我把这个好家伙介绍给你！就如费曼说的那样，没有人知道什么是量子物理，显然，也没有谁知道什么才是爵士--但是管他的！From now，let‘s have some Jazz！
即兴行为所带来的不确定性和多变性对爵士乐的编曲和演奏形式都造成了极大的影响，使得演奏者必须依靠对于某一段旋律的反复变奏和对一个调式的把握，不断的演奏出几乎毫无“重复性”的音乐。对，爵士乐展示的是一种自由的美，它所崇尚的便是在高难度的solo中展示出乐手横溢的才华，或者在重奏中对于节奏和音节无间的默契配合。爵士乐的演出就像是一场战争，好比摇摆乐流行的三十年代，乐队之间在酒吧和舞厅使出浑身解数较量，如果失败，将意味着失业，挨饿，甚至面对死亡。即使是演奏，有时候也是一场豪赌。
如果你对爵士乐有过一定接触，你会发现即兴的痕迹无处不在：许多欣赏者抱怨过爵士乐让他们最为不适的一点就是音符和旋律非常杂乱，无法像流行歌曲那样找到一个朗朗上口的”基调“（最典型的，Bill·evans【9】的Autumn leaves，在爵士乐迷心中，这首曲子极为丰富的故事性和巧妙节奏的演绎简直令人词穷；但是对于其他流派的爱好者来说，这首歌却突然变成最为不友好的一支），茫茫的混乱，乐器轰隆作响，除去演奏单簧管的黄毛小伙和高挑的女钢琴手给人留下了深刻影响之外，爵士乐可以留下的也就只有一些逼格和小资情调，而这毫无疑问是很悲哀的。
某些名家的拿手好戏也会被争相模仿，久而久之便形成了某些即兴的定式--但毫无疑问，真正有水平的音乐家都喜欢自己开宗立派【11】。
我一直都觉得能够从头到尾即兴也是一种大无畏的勇气。Osacr·Peterson【12】的Ni.Nigerian marketplace，你或许明白为何观众会在演出到三分之一处时鼓掌）。这就像是即兴演讲的人必然会事先准备一部分内容，缓冲一下自己的灵感。但在爵士乐发展的许多时期中，好比大乐队和摇摆乐流行的年代，即兴还没有达到爵士之魂的境地--严格的编排和小段的即兴solo作为演出中的开胃小菜，更容易被广大观众接受。如果你问，居然不是即兴让他们着迷，那么吸引人们去欣赏爵士乐的原因又是什么呢？
对于切分节奏和即兴能力有着天赋的黑人很快又成为了爵士乐的主力军。这使得爵士乐也变得令人厌恶起来，二十年代的纽约，就...就有许多舞厅禁止演出爵士乐【17】。但
通过摇摆能够迅速建立爵士感，特别是在编曲方面--如果你说一首曲子具有爵士风味，那很有可能你说的就是摇摆感--摇摆某种意义上是非常“古典”的，由于受到了二十年代环境影响，所以其演绎也主要是由多人乐队完成，对于三重奏或者四重奏乐团这样更简洁明快的小乐团并不友好。这点非常有意思，因为爵士乐一直以来的目标就是能够与古典音乐平起平坐，当他们费劲心思组建规模庞大的乐队以制造“交响色彩”的时候，
Benny·Goodman在1938年将爵士乐第一次带入卡.内基音乐厅的时候，毫无疑问这证明了它雅俗共赏的特质。
但你们可能不知道的是爵士乐的演出就像是一场战争，好比摇摆乐流行的三十年代，乐队之间在酒吧和舞厅使出浑身解数较量，如果失败，将意味着失业，挨饿，甚至面对死亡。
这些照片将2008年至2014年期间。拍摄的景象基本都是各大音乐节，酒吧，摄影棚中拍摄的照片。我开始他们作为我的摄影对象，作为一种爵士与影像之间唯一的。。我的镜头中的人物开始从台前慢慢转入幕后。因为我慢慢开始发觉似乎舞台之后的他们应该更加的真实。
我关注着他们在台前台后的每一个微
福州路的白天虽然闲适而慵懒，但是我更笃信黑暗带来的神秘和魅力。在福州路上有一家爵士酒吧，听说是有位著名的电视人林栋甫先生创立的。这里是一家极具”上海情调“的爵士酒吧，每过三个月时间会有不同的乐队助阵。“上海情调”真是一种很奇怪的东西，它能把平民的生活气息和洋化的时尚感连接起来。不管世人如何批判情调式玩物的空虚，总还是能从中发现某种生活底气。那种生活底气，不在音乐本身，而在音乐背后。这是音乐文化本身的缺陷，却也是生活终极的合理。想到这里，我觉得，对于我们目前所能拥有的一个音乐节，爵士上海已经可以了。他们远道而来，在后山。两周的时间里，将用他们各自独特的声音与我们连接，与我们对话。而观众，只需带着耳朵随他们去到神秘而又未知的国度里去聆听，去旅行。那里几乎每晚都门庭若市。当最后一抹晚霞被夜幕吞没，从附近或更远赶来的爵士乐爱好者，开始聚集这里。随着夜幕的加深，音乐开始渐入高潮。当噪化处理的吉他声、低沉有力的贝斯声与铿锵有力的鼓声交错响起后，如果说凯尔特的悠然是他们吟唱的方式，那么中世纪的诡秘便是令人着迷的主题。人们常常刚从不经意间听出巴洛克时期的精致画面，下一秒又徜徉在无边无际的地中海上。乐手们的灵魂是吹过欧洲南部田野上自由的风，捉摸不透，又令人深深着迷。而往往这时候也是我选择抓拍的最好时机。
2010年，我的拍摄发生了一些的改变。我开始规避使用暖黄的色调，那似乎是太多爵士照片惯用的手段。在The Greg Luttrell Band乐队邀请我为他们拍摄了一组照片时，我开始使用黑白的色调去诠释他们的脸部特色，因为在我看来，黑白的色调更能解读这些乐手的世界。
这支来自波士顿的蓝调乐队在Jazz 界的也算小有声望，有多少人是冲着这支乐队过人的音乐才华前来。他们听说都是在夜间九点半进行演出。
自从去年上海爵士音乐节把举办场地改到世博公园之后，良好的环境为音乐节增色不少。在全上海最大的室内演出地奔驰文化中心和世博中国馆旁边，这样一个洋溢着国家主义叙事话语的地方，却开始承载不那么主流的音乐文化，这本身就是一件别具意味的事。有了去年的上佳口碑，今年则吸引了更多的乐迷。这样一个气候宜人的时节，在黄浦江畔闻着桂花的香气，吹着清风听听歌，已经很难令人抗拒，更何况今年音乐节的阵容比去年还要好，仅从音乐水准来看，在目前国内的音乐节之中已是无出其右了，从当红的选秀歌手到流行大牌，本次音乐节在人气上自然无需担心。在 10 月 20、21 日这个周末，作为爵士上海一系列活动的高潮，爵士音乐节也成了上海年度规模最大的户外音乐演出。场地的扩大虽然会带来一些问题，比如从入口进去到 Green Note 绿色音符主舞台，要走上好长一段时间。主办方却很好地利用了场地条件，沿路安排各大舞台，这样走过去一路都有演出，也不会觉得单调了。离入口最近的是 East Theatre 东方剧院室内舞台，以爵士大乐团的演出为主，第二天的李泉、顺子等乐人也安排在此。从东方剧院下来是 Love My Music 我爱我乐的小舞台，此处表演的是几支不太知名但也有着丰富演出经验的爵士乐队。再往里走，靠近江边的是 The River 河畔舞台，因为紧挨着黄浦江，背后就是卢浦大桥，这是全场风景最好的一个舞台，音乐也以舒适的世界音乐为主。Blue Grass 蓝草舞台跟去年相比放到了更靠里的地方，就在前往主舞台主干道的路边，在此演出的是几组熟悉的民谣、民乐和摇滚乐人。此外，固定的舞台还有电球躺椅电音舞台、表演非洲打击乐的鼓乐坊和供上海爵士学校学生乐队演出的 JZ 学堂三处，舞台之多令人叹为观止，分布也非常合理。最为巧妙的是，主办方还安排了两支巡游乐队，沿路表演鼓乐，这样世博公园偌大的空间几乎处处有音乐。身在其中，就无处不被音乐包围。对比今年五月份同在此处举办的草莓音乐节，就更能明白这样安排的高明之处了。
2014年，我的创作发生了很大转变，我开始选择开设一些乐手们台下的故事。我好像发现那应该才是他们最真实的世界。你可
Marcus Miller 作为这次爵士上海音乐节十周年北京站的压轴，可谓是重量级的大咖，他在 1992 年和 2007 年两度获得格莱美的青睐。这位名满天下神乎其技的电贝司乐手，同时身兼作曲 / 编曲 / 制作等多重身分，合作过的歌手不乏 Michael Jackson 和 Mariah Carey 这样的绝对大牌。乐风横跨爵士、节奏、放克到摇滚，无一不精纯熟练。贝斯、吉他、单簧管、键盘与萨克斯，只有到了现场才知道他会用哪些乐器。
在排练场，我站在斜挎着贝司正在调音的Marcus Miller的身后，迎着场外投射进来的阳光，看见朦胧柔和的光把MarcusMiller紧紧的包裹起来
细数这7年来的爵士观演，发现很难用一句话来概括，而这正是爵士音乐的魅力所在。爵士乐的不确定属性源自其与生俱来的兼容并取：从最初的黑人节奏与白人和声的结合，到后来与 Funk，Rock，Rap 甚至电子的融合，形式上的不确定性似乎一直是爵士乐热衷于突破和超越的重点。而突破和超越并非目的，仅仅是到达彼岸的交通工具。在这个爵士音乐周里，主办方树音乐更多体现出来的是一种连接的可能性：不需要过多的“大牌艺人”名号；不需要太多的分类与标签；不需要划分地域与文化属性，而是通过不同的声音彼此连接、对话，在不同的形式搭配可能性里，相互感受、彼此理解。
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跨过低矮的芦苇，迈过潮湿沼泽，
是一片天鹅绒般发黑的水潭，
旁边有一个黑色的琴匣
里面装的是一架复古的大提琴，
背后传来的是悠长的布鲁斯，
这是我每天梦到的世界。
我开始对爵士乐产生好奇，
但能记录它们的只有我手中的这台相机
我喜欢爵士乐是因为它并不热衷于竞争，是否成为热点话题也并非我们的关注点，而是在各种不同的声音搭配形式里，感受彼此。
很多人可能看到有关于音乐的场合多半是竖着旗杆大声呼喊“摇滚万岁”，或者是跟着自己喜欢的音乐人一起大声合唱一些烂熟于心的歌曲。那的确很痛快，但实在不适合上海这样的地方，而这里对我来说好像没有比跟着顶级Funk乐团喊“Soul Power”更合适了。爵士乐作为一种精神性的存在。我喜欢看到他们专注地玩着自己喜欢的音乐。然而作为一名摄影师我觉得乐手们的每一个画面都值得被定格。 但这种发源于美国，带有浓厚中非色彩的音乐。常常被人们束之高阁定义，大多人认为只要听就好了。我想，要不就让我来！
包容性和艺术价值。
中国对于爵士乐的接触，从上世纪二十年代年轻的上海滩百乐门，到今日橱窗中王若琳和董沁的专辑--人人可以谈论爵士--是的，音乐没有人为的门槛，谈论旋律或者歌词，也不会陷入行内行外的身份尴尬。因为当世物加入了艺术性，就代表其应该接受所有审美者的评判。但即便如此，乐感对于我们是否是理所应当的？我用爵士乐打这个比方--尽管我没有任何义愤，但是或许你明白，中国爵士乐书籍比较匮乏，大量关于爵士的资料无人问津，歌手和专辑缺乏翻译，先天条件不足发展也必然受到限制。
布鲁斯调式和招牌”蓝音“也就毫无悬念的流淌进了爵士乐的血脉中。
拍摄
因为音乐是相通的，在不断的了解中，我们就能够辨认出那些精雕细琢或者浑然天成的作品，与批量生产和生搬硬套的产品究竟有怎样的区分。我不知道音乐对于各位是否重要，但是认识美丑是无法回避的。或许在我的概念中，谈论音乐的价值就是因为去要欣赏或者创作--懂得美是值得我们花费一生的时间去不断理解与实践的。....
即便是同一种音乐我们也会有明确的好恶--好比敲字的也分码农和作家。所以找到自己喜欢的”那一部分“就显得重要起来。
乐手
最典型的，Bill·evans【9】的Autumn leaves，在爵士乐迷心中，这首曲子极为丰富的故事性和巧妙节奏的演绎简直令人词穷；但是对于其他流派的爱好者来说，这首歌却突然变成最为不友好的一支
任何一位乐手都会准备好一些熟练的段子和连续爬音，通过反复练习和设计，合理的融合在表演中。
通过摇摆能够迅速建立爵士感，特别是在编曲方面--如果你说一首曲子具有爵士风味，那很有可能你说的就是摇摆感--摇摆某种意义上是非常“古典”的，由于受到了二十年代环境影响，所以其演绎也主要是由多人乐队完成，对于三重奏或者四重奏乐团这样更简洁明快的小乐团并不友好。这点非常有意思，因为爵士乐一直以来的目标就是能够与古典音乐平起平坐，当他们费劲心思组建规模庞大的乐队以制造“交响色彩”的时候，他们却更像是伴舞音乐。而当他们开始服从爵士本质上那种无拘无束的召唤以后，却真正的踏入了艺术的殿堂。那么摇摆感又是否可以理解为时代的笑料呢？恐怕不是，当摇摆之王
就像Louis·Armstrong【1】所说的那样：音乐就是生活！每一种音乐的背后，都是因为有了无数令人敬仰的灵魂支撑起了它，是无数的故事和传说将它带到了一个令人向往的境界。我一直相信，人需要精神上的享受，尽管很多人将它作为了麻痹自己的借口。但是毫无疑问--音乐，这爵士乐有资格称自己是“音乐”，在迷惘的一代，在金融危机，在二战，在冷战【2】，它的身影跨过了全球，将每一个时代的惆怅和快乐，奇迹与绝望融化在了它的乐章中，通过一种大胆而且危险的方式向我们表达--即兴，这是一种极为独特的趣味--使得它拥有了类似语言和故事的魅力，让他仿佛就是我们的人生--你永远不知道下一秒会发生什么。是我们今天的话题--会改变我们，尽管他们没有语言或者神态，但是却更加逼真，使我动容。我也只是单纯的凭借着一腔热情向大家讲诉一些关于爵士乐的故事，我会非常认真的去描绘它们，就像歌手们非常认真的去演奏；尽管很多人认为爵士乐是深沉的，忧郁的，但是我认为它有一颗玩世不恭的心，能够在各色各样的音乐流派中随遇而安，融会贯通，就像是AcidJazz或者Bossanova【3】。
结尾：在今后的日子中，或许我并没有资格带着爵士乐，然后拍拍你的肩膀说，瞧，让我把这个好家伙介绍给你！就如费曼说的那样，没有人知道什么是量子物理，显然，也没有谁知道什么才是爵士--但是管他的！From now，let‘s have some Jazz！
即兴行为所带来的不确定性和多变性对爵士乐的编曲和演奏形式都造成了极大的影响，使得演奏者必须依靠对于某一段旋律的反复变奏和对一个调式的把握，不断的演奏出几乎毫无“重复性”的音乐。对，爵士乐展示的是一种自由的美，它所崇尚的便是在高难度的solo中展示出乐手横溢的才华，或者在重奏中对于节奏和音节无间的默契配合。爵士乐的演出就像是一场战争，好比摇摆乐流行的三十年代，乐队之间在酒吧和舞厅使出浑身解数较量，如果失败，将意味着失业，挨饿，甚至面对死亡。即使是演奏，有时候也是一场豪赌。
如果你对爵士乐有过一定接触，你会发现即兴的痕迹无处不在：许多欣赏者抱怨过爵士乐让他们最为不适的一点就是音符和旋律非常杂乱，无法像流行歌曲那样找到一个朗朗上口的”基调“（最典型的，Bill·evans【9】的Autumn leaves，在爵士乐迷心中，这首曲子极为丰富的故事性和巧妙节奏的演绎简直令人词穷；但是对于其他流派的爱好者来说，这首歌却突然变成最为不友好的一支），茫茫的混乱，乐器轰隆作响，除去演奏单簧管的黄毛小伙和高挑的女钢琴手给人留下了深刻影响之外，爵士乐可以留下的也就只有一些逼格和小资情调，而这毫无疑问是很悲哀的。
某些名家的拿手好戏也会被争相模仿，久而久之便形成了某些即兴的定式--但毫无疑问，真正有水平的音乐家都喜欢自己开宗立派【11】。
我一直都觉得能够从头到尾即兴也是一种大无畏的勇气。Osacr·Peterson【12】的Ni.Nigerian marketplace，你或许明白为何观众会在演出到三分之一处时鼓掌）。这就像是即兴演讲的人必然会事先准备一部分内容，缓冲一下自己的灵感。但在爵士乐发展的许多时期中，好比大乐队和摇摆乐流行的年代，即兴还没有达到爵士之魂的境地--严格的编排和小段的即兴solo作为演出中的开胃小菜，更容易被广大观众接受。如果你问，居然不是即兴让他们着迷，那么吸引人们去欣赏爵士乐的原因又是什么呢？
对于切分节奏和即兴能力有着天赋的黑人很快又成为了爵士乐的主力军。这使得爵士乐也变得令人厌恶起来，二十年代的纽约，就...就有许多舞厅禁止演出爵士乐【17】。但
通过摇摆能够迅速建立爵士感，特别是在编曲方面--如果你说一首曲子具有爵士风味，那很有可能你说的就是摇摆感--摇摆某种意义上是非常“古典”的，由于受到了二十年代环境影响，所以其演绎也主要是由多人乐队完成，对于三重奏或者四重奏乐团这样更简洁明快的小乐团并不友好。这点非常有意思，因为爵士乐一直以来的目标就是能够与古典音乐平起平坐，当他们费劲心思组建规模庞大的乐队以制造“交响色彩”的时候，
Benny·Goodman在1938年将爵士乐第一次带入卡.内基音乐厅的时候，毫无疑问这证明了它雅俗共赏的特质。
但你们可能不知道的是爵士乐的演出就像是一场战争，好比摇摆乐流行的三十年代，乐队之间在酒吧和舞厅使出浑身解数较量，如果失败，将意味着失业，挨饿，甚至面对死亡。
这些照片将2008年至2014年期间。拍摄的景象基本都是各大音乐节，酒吧，摄影棚中拍摄的照片。我开始他们作为我的摄影对象，作为一种爵士与影像之间唯一的。。我的镜头中的人物开始从台前慢慢转入幕后。因为我慢慢开始发觉似乎舞台之后的他们应该更加的真实。
我关注着他们在台前台后的每一个微
福州路的白天虽然闲适而慵懒，但是我更笃信黑暗带来的神秘和魅力。在福州路上有一家爵士酒吧，听说是有位著名的电视人林栋甫先生创立的。这里是一家极具”上海情调“的爵士酒吧，每过三个月时间会有不同的乐队助阵。“上海情调”真是一种很奇怪的东西，它能把平民的生活气息和洋化的时尚感连接起来。不管世人如何批判情调式玩物的空虚，总还是能从中发现某种生活底气。那种生活底气，不在音乐本身，而在音乐背后。这是音乐文化本身的缺陷，却也是生活终极的合理。想到这里，我觉得，对于我们目前所能拥有的一个音乐节，爵士上海已经可以了。他们远道而来，在后山。两周的时间里，将用他们各自独特的声音与我们连接，与我们对话。而观众，只需带着耳朵随他们去到神秘而又未知的国度里去聆听，去旅行。那里几乎每晚都门庭若市。当最后一抹晚霞被夜幕吞没，从附近或更远赶来的爵士乐爱好者，开始聚集这里。随着夜幕的加深，音乐开始渐入高潮。当噪化处理的吉他声、低沉有力的贝斯声与铿锵有力的鼓声交错响起后，如果说凯尔特的悠然是他们吟唱的方式，那么中世纪的诡秘便是令人着迷的主题。人们常常刚从不经意间听出巴洛克时期的精致画面，下一秒又徜徉在无边无际的地中海上。乐手们的灵魂是吹过欧洲南部田野上自由的风，捉摸不透，又令人深深着迷。而往往这时候也是我选择抓拍的最好时机。
2010年，我的拍摄发生了一些的改变。我开始规避使用暖黄的色调，那似乎是太多爵士照片惯用的手段。在The Greg Luttrell Band乐队邀请我为他们拍摄了一组照片时，我开始使用黑白的色调去诠释他们的脸部特色，因为在我看来，黑白的色调更能解读这些乐手的世界。
这支来自波士顿的蓝调乐队在Jazz 界的也算小有声望，有多少人是冲着这支乐队过人的音乐才华前来。他们听说都是在夜间九点半进行演出。
自从去年上海爵士音乐节把举办场地改到世博公园之后，良好的环境为音乐节增色不少。在全上海最大的室内演出地奔驰文化中心和世博中国馆旁边，这样一个洋溢着国家主义叙事话语的地方，却开始承载不那么主流的音乐文化，这本身就是一件别具意味的事。有了去年的上佳口碑，今年则吸引了更多的乐迷。这样一个气候宜人的时节，在黄浦江畔闻着桂花的香气，吹着清风听听歌，已经很难令人抗拒，更何况今年音乐节的阵容比去年还要好，仅从音乐水准来看，在目前国内的音乐节之中已是无出其右了，从当红的选秀歌手到流行大牌，本次音乐节在人气上自然无需担心。在 10 月 20、21 日这个周末，作为爵士上海一系列活动的高潮，爵士音乐节也成了上海年度规模最大的户外音乐演出。场地的扩大虽然会带来一些问题，比如从入口进去到 Green Note 绿色音符主舞台，要走上好长一段时间。主办方却很好地利用了场地条件，沿路安排各大舞台，这样走过去一路都有演出，也不会觉得单调了。离入口最近的是 East Theatre 东方剧院室内舞台，以爵士大乐团的演出为主，第二天的李泉、顺子等乐人也安排在此。从东方剧院下来是 Love My Music 我爱我乐的小舞台，此处表演的是几支不太知名但也有着丰富演出经验的爵士乐队。再往里走，靠近江边的是 The River 河畔舞台，因为紧挨着黄浦江，背后就是卢浦大桥，这是全场风景最好的一个舞台，音乐也以舒适的世界音乐为主。Blue Grass 蓝草舞台跟去年相比放到了更靠里的地方，就在前往主舞台主干道的路边，在此演出的是几组熟悉的民谣、民乐和摇滚乐人。此外，固定的舞台还有电球躺椅电音舞台、表演非洲打击乐的鼓乐坊和供上海爵士学校学生乐队演出的 JZ 学堂三处，舞台之多令人叹为观止，分布也非常合理。最为巧妙的是，主办方还安排了两支巡游乐队，沿路表演鼓乐，这样世博公园偌大的空间几乎处处有音乐。身在其中，就无处不被音乐包围。对比今年五月份同在此处举办的草莓音乐节，就更能明白这样安排的高明之处了。
2014年，我的创作发生了很大转变，我开始选择开设一些乐手们台下的故事。我好像发现那应该才是他们最真实的世界。你可
Marcus Miller 作为这次爵士上海音乐节十周年北京站的压轴，可谓是重量级的大咖，他在 1992 年和 2007 年两度获得格莱美的青睐。这位名满天下神乎其技的电贝司乐手，同时身兼作曲 / 编曲 / 制作等多重身分，合作过的歌手不乏 Michael Jackson 和 Mariah Carey 这样的绝对大牌。乐风横跨爵士、节奏、放克到摇滚，无一不精纯熟练。贝斯、吉他、单簧管、键盘与萨克斯，只有到了现场才知道他会用哪些乐器。
在排练场，我站在斜挎着贝司正在调音的Marcus Miller的身后，迎着场外投射进来的阳光，看见朦胧柔和的光把MarcusMiller紧紧的包裹起来
细数这7年来的爵士观演，发现很难用一句话来概括，而这正是爵士音乐的魅力所在。爵士乐的不确定属性源自其与生俱来的兼容并取：从最初的黑人节奏与白人和声的结合，到后来与 Funk，Rock，Rap 甚至电子的融合，形式上的不确定性似乎一直是爵士乐热衷于突破和超越的重点。而突破和超越并非目的，仅仅是到达彼岸的交通工具。在这个爵士音乐周里，主办方树音乐更多体现出来的是一种连接的可能性：不需要过多的“大牌艺人”名号；不需要太多的分类与标签；不需要划分地域与文化属性，而是通过不同的声音彼此连接、对话，在不同的形式搭配可能性里，相互感受、彼此理解。
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