第一回 Winsor McCay此人和他的业绩
想起来四年前？我还找竹熊翻译过这东西，扔一个上来吧……
漫画与动画之间(1)
1-1
第一回 Winsor McCay此人和他的业绩
讲师 竹熊健太郎
————————————————————————————————————————————————————————————
本文由zpzyyzp@newsmth译自竹熊建太郎先生在blog「たけくまメモ」(http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/)上张贴的在京都精華大学的演讲
原文链接为http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_94d0.html
转载请予以注明
————————————————————————————————————————————————————————————
●视觉所产生的音乐……时间艺术是什么
艺术被分成“空间艺术”“时间艺术”两大分类/
空间艺术指的是，绘画/雕刻等，在静止的空间内通过形态和色彩来进行表现。时间艺术则是在此之上直接的/间接的使用“时间的流逝”来进行表现。
如果说“空间艺术”的代表是绘画的话，那么“时间艺术”的代表就是音乐。时间对音乐来说是限定了其表现形式的根本要素，这也是依存于听觉本身的特性。“静止的声音”在原理上就不存在。无论是怎样的音乐，要想将其视为“音”，其中就必然会有“时间的流逝”。
与之相对的绘画和雕刻，基本上被认为是静止的事物，本来是和时间无缘的表现形式。非要用视觉的手法来表现时间的场合，就必然会伴随有“位置形态的变化(运动)”。这种情况，要想用单幅的画或者单独的立体物体来表现这样的变化是非常困难的，最少也要求有“变化以前/以后”的两种视觉形象。立体物体的话，根据场合也可能通过搭载机械动力装置来实现。
历史上，人类摸索过各种各样的表现形式，但是除了音乐以外要想表现“时间”都非常的困难。例外的虽然有戏剧以及有故事的絵巻等，但是此外的视觉表现形式能够掌握时间，实际上还是只能等到发明了电影和由复数的分格所组成的漫画之后。可以说因为这种手法的出现，“在视觉上操作时间”才开始成为可能。
我所要讲的题材虽然主要是分格漫画和动画，把二者联系在一起的则是“使用绘画来表现的时间艺术”。当然虽然同样是时间艺术，二者对时间的使用有着根本性的区别。一言以蔽之，漫画的时间是在“读者侧”，而与之相对，动画(或者电影)的时间则是在“作者侧”。换句话说，漫画的一页是花一秒去读还是花一小时去读都是读者的自由，而电影和动画则基本上“作家意向的时间=观众的时间”。这是二者决定上的区别，讲义中会再次进行讨论，但是不管如何“试图在视觉上表现时间”的动机是一样的。
●“分格”的发明
19世纪末，欧洲开始出现由“复数的分格”的组合来表现故事的漫画(comic.strip=连环漫画)。正好和电影的发明几乎同期(连环漫画要稍微早一点)，从此开始了通过连续的画(影像)表现“视觉上的时间艺术”的历史。
1827年瑞士的画家Rodolphe Topffer创作了由复数的分格所组成的《Histoire de M. Vieux Bois》。但是这是没有使用台词，只有画的作品。在Topffer之后，这种表现形式曾一度沉寂。
到了1889年，法国的Georges Colomb开始在儿童杂志《PETIT FRANCAIS ILLUSTRE》上连载《famille Fenouillard》。这被认为是连环漫画的直接原型。传播到美国之后，1892年James Swinnerton开始连载《Little Bears and Tykes》。
1896年Richard. F. Outcault在《New York World》上连载《yellow kid》。这被认为是“台词框”的初次被使用(虽然有前例)。从分格漫画被普及的意义上来看，这部作品被称为最初也不为过。一般来说这认为是连环漫画(连续分格漫画)的始祖。
●电影和动画的同时诞生
首先简单说明一下电影的发明。史前
当时，通向电影的最初的重要发明是美国摄影家Muybridge发明的连续照相。虽然把时间以“视觉”的形式进行保存，并且进行加工是电影的本质，但是究其原理就会明白其实是连续的静止画。在电影被发明的二十年前(1875年左右)，Muybridge发明了通过复数的静止画面进行分割而得到“时间=运动”的手法。他将十多台定格相机并排摆在地面上，利用独自开发的高速电子快门的原理，所拍摄的奔马分解照片震惊世界。
发现将这些分解照片反过来连续播放的话，照片就会“看起来像动的一样”的是爱迪生。他所发明的活动电影放映机(kinetoscope)是将数枚分解照片安置在旋转圆筒上，用曲轴转动圆筒然后通过小孔进行观察，作为廉价的电影设备引起了爆发性的热潮。
这种方法再进一步发展成现在主流的胶片透光式电影的则被认为是1895年法国的Lumiere兄弟的贡献。
动画的原理虽然在电影被发明之前就已经为人所知，但第一部胶片形式的动画被认为是1906年J. Stuart Blackton所创作的《Humours Phases on Funny Faces》。
第二年法国的Emile Cohl公开了同样趣味的《Fantasmagorie》系列，虽然都是一两分钟的短片动画但是大受好评，系列共制作了400部。在1911年更有漫画家Winsor McCay公开了其作品《Little Nemo》的自制动画版(制作是在1910年)。动画的历史就这样开始了。
电影的创始和连续分格漫画的创始是在同一时期这个事实很有趣。虽然有着胶片和纸作为媒体的区别和因此导致的表现形式的区别，但是在“用连续的静止画面表现运动”的意义上是一样的。
如前所述，运动指的是“移动”或者“变化”，也就是仅仅为了直接的表现出“时间”。并且其在结果上通向“故事”在某种意义上是一种必然。故事乃是将发生的一系列的事情按照因果关系来进行叙述，虽然不是直接的操作时间，但是也明显的包含了时间要素在内。
并且，考虑到相互之间的映像，大部分早期动画家都是漫画家这个事实也不能忽略。动画和(故事性)漫画，固然是有着不同美学目的的不同表现分野，他们之间也能发现许多的相似点。
●关于Winsor McCay
Winsor Zenas McCay(1871-1934)是美国漫画史上最早的，恐怕也是最大的天才。代表作《Little Nemo in SlumberLand》(1905～14)尽管是百年前的作品，却至今依然以其压倒性的想象力给与世界上的读者和作者以巨大的冲击。
McCay同样也是史上最早的动画家。第一部动画《Little NEMO》虽然是没有情节，只是让创作的角色动来动去的实验作品，但是其端正的作画和优雅的活力，华丽的想象力已经达到了完美的领域。这正是适合拉开动画百年序幕的，奇迹般的映像。
1871年出生的McCay在1891年辛辛那提的从事杂技团和大众表演的舞台美术工作。McCay和娱乐性行业的关联从此开始。当时的表演现场，有漫画家作为单人滑稽(stand-up comedy)的一种登场。lightning sketches，或者被称作chalk talk的演艺分类是让漫画艺人登台，一边随机应变说着俏皮话，一般在白纸或者黑板上迅速的画出滑稽的画来取悦观众。当时McCay认识了许多“漫画艺人”，最后自己也登台演出。
McCay所认识的“漫画艺人”中，恐怕就有Blackton。Blackton是作为世界最早的动画家载入史册的人物。他在1900年自己监督/主演的《The Enchanted Drawing》虽然严格的说还说不上是动画，但是却很能表现出当时lightning sketches的风格。Blackton在白纸上用木炭画出来的人脸，其表情瞬息万变。固然这只是跳过中间帧的初步的电影特技，当时对电影没有免疫能力的观众自然还是很惊讶的。
《The Enchanted Drawing》的数年后，Blackton发表了《Humours Phases on Funny Faces》(1906)。这是在黑板上用粉笔绘画，渐渐变化的同时连拍下来的产物，毫无疑问这就是真正的动画。McCay的早期动画正是在Blackton的工作室拍摄的，考虑到这一点，Blackton将动画传授给McCay这一点应该是没错的。
辛辛那提时代的McCay收到了杂志《life》的单幅委托。那是幅将奔马的动作正确的分割成6格的画。
不难想象儿童时代的McCay看过Muybridge的连续照相。他的分格漫画的特征正是执拗的描绘事物的动作，形态的变化(变形——METAMORPHOSE)。将这在平面上实现正是分格的功效。
而且McCay也是执著于梦以至于被称作“梦的作家”的漫画家。当然其故事基本上是以南柯一梦收场，但是本来McCay的着眼点不在于结局而在于“图像变化的过程”本身，所以也就这样了。
变形在普通的日常生活中是不太容易看见的。更恰当的来说，其实虽然看见了，但是因为时间跨度太长所以无法被意识到。典型的变形比如说，牵牛花在数秒内发芽生长开花这样的映像。然而这直到胶片电影被发明，微速摄影技术被开发出来后，人类在感觉上才第一次能够看到。在这之前的人类如果能够清楚地看到变形，那大概就是在做梦吧。
人类对事物的印象很难固定在一个地方。如果不刻意努力的话，就会变得杂乱无章，最后烟消云散。注意到梦的这种奇妙的性质并且倡导这是我们深层意识活动的是弗洛伊德。McCay虽然也是弗洛伊德同时代的人，但是无法断定他是否读过《梦的解析》(1900)或者《精神分析入门》(1917)。但是可以断定的是，McCay在和弗洛伊德在同一时期，以画家的立场注意到梦的奇妙性质，为了将其在固化在视觉上而孤军奋斗过。
这完全可以看作是超现实主义(Surréalisme)的先驱。考虑到André Breton受到弗洛伊德的影响而执笔《超现实主义宣言》是在1924年，McCay的先驱性实属非常。超现实主义者大多把目光投向此后的电影，然而在此之前十几年，McCay已经完完全全的从创作者的立场，以漫画和动画将此实现了。
1903年移居纽约的McCay在1904年发表了《Little Sammy Sneeze》，此作是McCay第一次大热的作品。然后同年开始推出完全以梦为主题的《Dream of a Rarebit Fiend》系列。这是由McCay构筑的“千奇百怪物语*注)”，其间体现出了视觉性和故事性的高度融合
终于McCay对梦的兴趣达到了顶点，通向1905年的《Little Nemo in Slumberland》。少年每晚看见的梦的世界，虽然必定会被醒来所打破，但却明显是被作为另一个现实(超现实)所描绘。
这是将时间在平面上用分格进行分格才初次得以实现的影像上的奇迹。《Little Nemo》里面每段情节虽然都只是7到10格的作品，但是令人吃惊的是其动作恰恰被分割成如“动画的原画”一般。考虑到这是在动画诞生之前的事情，对于现在的我们更是双重的惊奇。McCay在动画出生之前就是“真正的动画家”。他向动画方向发展可以说是理所当然的。
《Little Nemo》给McCay带来了巨大的名声。1910年，他终于开始着手此后的事业——动画制作。此时他已经38岁了。(待续)
注：世にも奇妙な物語，以前日本的一个灵异节目
附1 本文中出现的部分人名及wiki链接
Rodolphe Topffer(http://en.wikipedia.org/wiki/Rodolphe_T%C3%B6pffer)
Georges Colomb(http://fr.wikipedia.org/wiki/Georges_Colomb)
James Swinnerton(http://en.wikipedia.org/wiki/James_Swinnerton)
Richard. F. Outcault(http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Outcault)
Muybridge(http://en.wikipedia.org/wiki/Eadweard_Muybridge)
Lumiere(http://en.wikipedia.org/wiki/Auguste_and_Louis_Lumi%C3%A8re)
J. Stuart Blackton(http://en.wikipedia.org/wiki/J._Stuart_Blackton)
Emile Cohl(http://en.wikipedia.org/wiki/%C3%89mile_Cohl)
Winsor McCay(http://en.wikipedia.org/wiki/Winsor_McCay)
附2 本文中出现的部分作品名及wiki链接
Histoire de M. Vieux Bois(http://en.wikipedia.org/wiki/Histoire_de_M._Vieux_Bois)
PETIT FRANCAIS ILLUSTRE(http://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Petit_Fran%C3%A7ais_illustr%C3%A9)
famille Fenouillard(http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Famille_Fenouillard)
Little Bears and Tykes(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Little_Bears)
New York World(http://en.wikipedia.org/wiki/New_York_World)
yellow kid(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Yellow_Kid)
Humours Phases on Funny Faces(http://en.wikipedia.org/wiki/Humorous_Phases_of_Funny_Faces)
Fantasmagorie(http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Fantasmagorie.GIF)
Little Nemo(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo)
Little Nemo in SlumberLand(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo_in_Slumberland)
The Enchanted Drawing(http://www.youtube.com/watch?v=rYDmH2B9XJw http://en.wikipedia.org/wiki/The_Enchanted_Drawing)
————————————————————————————————————————————————————————————
第一回 Winsor McCay此人和他的业绩(2)
讲师 竹熊健太郎
●作为动画家的McCay
McCay同样是一个舞台艺人，而他的动画最早是作为舞台出演节目登场的事情也很有名。他的动画第一作《Little Nemo》(1911)虽然只是让自己的漫画角色动起来的实验作品，其简洁的线条在变幻的同时构成形体，其反复的变形构成的优雅的动作，说是实现了动画的全部魅力也不为过。据说他为了这两分多钟的作品，描绘了四千张原画。
McCay在有简单剧情的《How a Mosquito Operates》(1912)里进一步的追求这种尝试，并且在1914年的话题作《Gertie the Dinosaur》里达到了一个顶点。
初期McCay动画的特征是将背景和角色全部描绘在一张纸上的"Paper Anime"这种手法。鉴于John Randolph Bray发明赛璐珞方式的动画是在1915年，当时只有那种手法可以运用。然而这是非常恐怖的耗费精力的手法，特别是因为背景都要一张张的去画，所以整体画面会有轻微的抖动这一缺点。但是因为全部都是一个人手绘的缘故，画面的统一感是非常棒的。
之后他从1915年开始耗时三年用PaperAnime的手法描绘了《The Sinking of the Lusitania》(1918)。因为这是忠实地再现现实中事件(德国潜水艇袭击意大利豪华客轮事件)的纪录片，为了再现那深刻的悲剧，他舍弃了之前幻想风的笔触，挑战"用动画进行工笔画的表现"这种前所未闻的作业。宣称作画枚数是25000张，不过这恐怕是夸张的数字(动画部分实际上只有7分钟所以大概是一万多张？)从背景不会抖动来看，应该部分采用了剪纸和赛璐珞动画的手法。虽然因此省去了一枚枚描绘背景的劳作，但是在这部作品中投入的劳力也是十分恐怖的。
在动画史上，作为第一次真正尝试"写实"的作品，同时还作为机械描写、波浪和风/烟/爆炸等效果描写的动画之鼻祖也同样可以获得很高的评价。特别让人惊讶的是烟的表现，白色的高温水蒸气扶摇直上，重油燃烧的黑烟沉重的堆积在海面上，从烟囱冒出的煤的灰烟画出McCay特有的新艺术(Art Nouveau)风格的曲线随风摇曳，如此这般。既是说烟种类和性质的不同在一个画面中被恰当的描绘出来。顺便一说烟的动画应该使用了赛璐珞。
大作《The Sinking of the Lusitania》之后，他放弃了耗费精力的PaperAnime开始正式的尝试赛璐珞动画。经过一系列的习作，McCay完成了最后的动画作品《Dreams of the Rarebit Fiend》三部曲(1919-1921年间制作，详细年份不明)。《Bug Vaudeville》《The Pet》《The Flying House》三部，无不能看出为了缓和赛璐珞给人平面的印象而做出的努力，特别是《The Pet》是展现了McCay叙述故事才能的杰作。
《The Pet》是以迎来倦怠期的中年夫妇的宠物带来的噩梦作为题材的作品。不被丈夫理解而感到孤独的妻子，有一天捡到一批小动物。对这匹不知道是狗还是猫的小动物，丈夫觉得很恶心，但是妻子却取名叫Cutie并且非常疼爱。然而，它却是吞噬周围的一切无限的巨大化的怪物。
最后巨大化的Cutie肆意蹂躏都市的高潮虽然是怪兽电影常见的桥断，但是"从高楼大厦中出现的巨大生物"这样视觉上的登场，恐怕这部作品是第一次。也就是说McCay同样是世界上第一个怪兽电影的监督。
这部作品之后，McCay放弃了动画制作，回到了漫画和插画的世界。但是直到1934年逝世之前，他似乎还是以自己是一名动画家而自豪。
●《Felix the Cat》～映像、其生成和扰乱
在动画的历史中，Pat Sullivan(制片人)和Otto Messmer(演出/动画)所创作的《Felix the Cat》被摆在在初期的最重要作品中。这是在Mickey Mouse之前(米老鼠的诞生是1928年)在商业上最为成功的动画/角色，同时作品全体洋溢的"魔术般的映像"，从动画美学价值来看也是十分重要的。
尽管被黑白无声，以及每回7分钟左右的表现形式所制约，《Felix》依然尽可能的制作出了最大的动画效果。画面全是简单的线条画。基本上没有中间色过渡，完完全全的黑与白的世界。
主角Felix是以黑色为基调，而其恋人Kitty White则如其名全身纯白。二者在简单的背景中展开简单的搞笑故事。主要动画制作者，Felix的"创造者"Messmer的绘画不但高雅的很彻底，其动作也出奇的迅速。感到疑问的时候，Felix的尾巴就变成问号，下雨的话则会变成伞。
●动画中的"形喻(漫画符号)"表现
在初期作品中特别显著的是"形喻(漫画符号)"和"对话框"的使用。被认为是日本漫画专利的诸如察觉到什么的时候头上出现"!"、汗和泪水用水滴的形喻来表现等手法，其源头正是美国的无声动画。不光是在《Felix》中，在其他初期动画中也能看到无数的这种表现手法。
这种形喻的用法本来是漫画的，但是在动画中被作为一种弥补黑白无声在表现上的缺陷的手法而使用。但是《Felix》的独特之处在于他的形喻并不仅仅是停留在记号的层次上。例如Felix的头上浮现出的"!"号，在下一个瞬间就变成了球棒和球。还有浮现出数枚"?"号，然后再以此为台阶爬到建筑的顶上。
伴随着电影的有声化、彩色化，这种表现手法在动画中渐渐的消失了。随着表现手法的多样化高度化，已经不需要再借助于这种"漫画的舶来品"了。现在的美国漫画中也很难见到这种表现手法。
但是，这种手法在日本漫画中不但留存下来，并且还在此后有了进一步的发展。这件事情背后的历史意义，有着今后研究的价值。
●最为动画性的表现～关于变形
真人电影，或者说绘画也难以表现的事物……那就是形状缓慢的、或者瞬间改变的变形。但是对动画来说这不仅很容易表现，甚至是其最大的魅力所在。表现的很好的变形是一种"视觉的云霄飞车"。动画的快感原理之一就在于此。
Animation(其本意在于"注入以生命")的日语是"动画"，但是以前也被称作"线画"。因为特别是初期的动画几乎都是由简单的线条所构成的。那么"线"是什么？这是一个在思考动画(以及漫画)本质的时候重要的问题。
先画一条直线。其本身是不象征什么的单纯的线。但是在其上描绘上山或者建筑物的话就变成"地平线"。画上船则变成"水平线"。没有意义的一根线条开始具备各种各样的意义。
接着将线条弯曲描绘出一个圆。或者弯曲成锐角形成三角或者四边形。其中浮现出某些象征意义。再进行一些修饰，在三角形上画上一些点。这也许就是饭团。在四边形中按顺序排列上小的四边形，看起来像建筑了吧。
但是它既不是饭团也不是建筑。仅仅是线的堆积而已。让它们看上去像是饭团或者建筑的，是我们脑的作用。
人类的认知能力由"类推"和"差异的识别"所构成。我们在看到某种形状的时候，一瞬间就做出"这个和那个相似"、"这个和那个不同"的判断。而支持这种判断的则是我们在成长过程中形成的"形状记忆"。不知何时已经在脑内作为常识而被固化。
变形就是将这样的常识破坏。暴露出"形状看上去像什么东西的"，实际上只不过是"无意义的线条"。其结果虽然是导致我们的脑产生混乱，从中获得快感还是不愉快就看个人了。
●从墨水瓶中
Max Fleischer(1883－1972)和Winsor McCay、Otto Messmer同样，都是动画的先驱者之一。正如早期多数动画家一样，他也是从漫画家的事业起步的。有摆弄机械方面兴趣，对电影也有兴趣的Max，于1915年发明了"转描机(Rotoscope)"。这是把拍摄的电影胶片按分格进行投影，然后通过将纸进行替换的手段，可以把现实中的动作转化成手绘的动画的装置。(转描机是在动画史上有重大意义的技术。其功过将在此后进行详细论述。)
他和弟弟Dave一起协力通过转描机试做了一些作品。将其给早期的动画制片人John Bray(John Randolph Bray，他和McCay曾经是作为漫画家的伙伴)看得时候，Bray表现出了兴趣。就这样Fleischer兄弟开始在Bray的工作室制作动画。
Dave Fleischer是搞笑的天才。平时说话的时候也像连珠炮一样笑话连篇，而且想象力丰富有趣。这对兄弟于1919年(大正8年)制作的作品就是名为《Out Of The Inkwell(从墨水瓶中)》的短篇系列。
《Out Of The Inkwell》是这样的一部作品。最早由Max的真人登场，为了在绘图板上绘画而打开了墨水瓶。于是从瓶中出现了喜欢作弄人的小丑，进入现实世界并且引发了大骚乱。小丑虽然是用转描机所描绘的(原型的写实影像是监督Dave所扮演的)，但是"虽然是手绘的却像写实的一样"的奇妙的笔触为人所称赞，系列作品热门。这部作品在日本也博得了人气，《墨水瓶》的标题
这种"墨水瓶桥段"其实并不是Fleischer的发明。早在1918年John Randolph Bray就在《Bobby bumps puts a beanery on the bum》这部作品中尝试了这种"墨水瓶桥段"，在初期的动画之中，这可以说是很常见的手法。
●虚构嘲笑现实
再强调一遍，这种写实和动画组合的手法在1910～20年并不鲜见。本来动画本来的目的就是在于展现"画在动"这个惊人的事实，为了强调这种惊异之处，和写实的对比组合乃是最为有效的做法。
但是在动画一般化的过程中，逐渐从写实中"独立"出来。其一是因为观众已经习惯了"画在动"，不再因此而感觉到惊奇。而且随着动画的技术的发展，单靠动画进行各种各样的表现已经成为可能。
但是在Fleischer的作品中，到了1930年代还在频繁的使用"墨水瓶"桥段。在这点上和同样起点，并最后放弃了这种对比的动画制作的迪斯尼形成对照。虽然从某种意义上Fleischer的这种手法已经模式化了，但是也可以认为在此之前对Fleischer来说"现实"和"虚构"的对比是关系到作家本质的问题。
导入"现实"的视点即代表着一直客观的观察着动画(虚构)的节目。这种"清醒的超越的(meta-)视角"正是构成Fleischer一流的讽刺笑话的原因，但是不仅如此，时不时动画也会闯入"现实"而对"现实"进行嘲笑，以此来动摇现实的价值观。
《Betty的笑(Ha! Ha! Ha!，1934)》是Fleischer得意的写实和动画合成的一部作品，恐怕也是这种题材的最高杰作。时隔多日再一次以"墨水瓶"桥段开始的作品。Max Fleischer在绘画板上画完Betty之后，该是回家的时间了。Max说完"再见，Betty"然后回去了。于是在墨水瓶中的小丑Koko出现，把Max吃剩的巧克力吃掉了。吃完突然牙齿痛了起来。担心的Betty画了一家牙科医院，把Koko拉进去试图拔牙，但是因为Koko乱动难以拔除。
Betty计上心头，用麻醉用的笑气来吸引Koko。然而笑气的量出了错，泄漏到了"画面之外"，充满了城市(写实)中。消防栓在笑，邮箱在笑，车辆和桥梁也开始笑。无法收拾的时候Betty他们逃入了墨水瓶中。
这部作品在被制作的时候，写实和动画的合成桥段已经不再新颖。但是对Fleischer来说，这个桥段并不仅仅停留在"强调画的运动"，而变成了搅乱我们的常识和日常意识的一种批评行为。与之相对的迪斯尼的这种批评意识就很稀薄。战后迪士尼发表了像《Mary Poppins》这样的写实和动画合成交织的作品，但是并没有超过"写实世界的人类在动画=幻想世界游玩"的层次。这和迪斯尼游乐园的概念是一样的。迪斯尼乐园的作为"忘记现实的装置"而运作，而绝不是"对现实的批判"。
附1 本文中出现的部分人名及wiki链接
Winsor McCay(http://en.wikipedia.org/wiki/Winsor_McCay)
Max Fleischer(http://en.wikipedia.org/wiki/Max_Fleischer)
Dave Fleischer(http://en.wikipedia.org/wiki/Dave_Fleischer)
Otto Messmer(http://en.wikipedia.org/wiki/Otto_Messmer)
John Randolph Bray(http://en.wikipedia.org/wiki/John_Randolph_Bray)
Pat Sullivan(http://en.wikipedia.org/wiki/Pat_Sullivan)
附2 本文中出现的部分作品名及wiki链接
Little Nemo(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo)
Little Nemo in SlumberLand(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo_in_Slumberland)
How a Mosquito Operates(http://en.wikipedia.org/wiki/How_a_Mosquito_Operates)
Gertie the Dinosaur(http://en.wikipedia.org/wiki/Gertie_the_Dinosaur)
The Sinking of the Lusitania(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Sinking_of_the_Lusitania)
Dreams of the Rarebit Fiend(http://en.wikipedia.org/wiki/Dreams_of_a_Rarebit_Fiend)
Felix the Cat(http://en.wikipedia.org/wiki/Felix_the_Cat)
Mickey Mouse(http://en.wikipedia.org/wiki/Mickey_Mouse)
Out Of The Inkwell(http://en.wikipedia.org/wiki/Out_of_the_Inkwell)
Bobby Bumps(http://en.wikipedia.org/wiki/Bobby_Bumps)
Ha! Ha! Ha!(http://en.wikipedia.org/wiki/Ha!_Ha!_Ha!_(1934_cartoon))
Mary Poppins(http://en.wikipedia.org/wiki/Mary_Poppins_(film))
————————————————————————————————————————————————————————————
附：
私の「マンガとアニメーションの間に」は、無料で一般公開していますので、翻訳も必ず無料で公開してください。著者は「竹熊健太郎」であること、オリジナルの文章が公開されたのがインターネットのブログ「たけくまメモ」で、以下のURLで読めることを最後に明記してください。
我的《漫画与动画之间》是免费公开发布的的，所以翻译也务必免费的公开发布。请在最后注明作者“竹熊健太郎”，原文发表在blogたけくまメモ上并且可以在下记得url上读到。
http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_94d0.html
http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_0cf9.html
漫画与动画之间(1)
1-1
第一回 Winsor McCay此人和他的业绩
讲师 竹熊健太郎
————————————————————————————————————————————————————————————
本文由zpzyyzp@newsmth译自竹熊建太郎先生在blog「たけくまメモ」(http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/)上张贴的在京都精華大学的演讲
原文链接为http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_94d0.html
转载请予以注明
————————————————————————————————————————————————————————————
●视觉所产生的音乐……时间艺术是什么
艺术被分成“空间艺术”“时间艺术”两大分类/
空间艺术指的是，绘画/雕刻等，在静止的空间内通过形态和色彩来进行表现。时间艺术则是在此之上直接的/间接的使用“时间的流逝”来进行表现。
如果说“空间艺术”的代表是绘画的话，那么“时间艺术”的代表就是音乐。时间对音乐来说是限定了其表现形式的根本要素，这也是依存于听觉本身的特性。“静止的声音”在原理上就不存在。无论是怎样的音乐，要想将其视为“音”，其中就必然会有“时间的流逝”。
与之相对的绘画和雕刻，基本上被认为是静止的事物，本来是和时间无缘的表现形式。非要用视觉的手法来表现时间的场合，就必然会伴随有“位置形态的变化(运动)”。这种情况，要想用单幅的画或者单独的立体物体来表现这样的变化是非常困难的，最少也要求有“变化以前/以后”的两种视觉形象。立体物体的话，根据场合也可能通过搭载机械动力装置来实现。
历史上，人类摸索过各种各样的表现形式，但是除了音乐以外要想表现“时间”都非常的困难。例外的虽然有戏剧以及有故事的絵巻等，但是此外的视觉表现形式能够掌握时间，实际上还是只能等到发明了电影和由复数的分格所组成的漫画之后。可以说因为这种手法的出现，“在视觉上操作时间”才开始成为可能。
我所要讲的题材虽然主要是分格漫画和动画，把二者联系在一起的则是“使用绘画来表现的时间艺术”。当然虽然同样是时间艺术，二者对时间的使用有着根本性的区别。一言以蔽之，漫画的时间是在“读者侧”，而与之相对，动画(或者电影)的时间则是在“作者侧”。换句话说，漫画的一页是花一秒去读还是花一小时去读都是读者的自由，而电影和动画则基本上“作家意向的时间=观众的时间”。这是二者决定上的区别，讲义中会再次进行讨论，但是不管如何“试图在视觉上表现时间”的动机是一样的。
●“分格”的发明
19世纪末，欧洲开始出现由“复数的分格”的组合来表现故事的漫画(comic.strip=连环漫画)。正好和电影的发明几乎同期(连环漫画要稍微早一点)，从此开始了通过连续的画(影像)表现“视觉上的时间艺术”的历史。
1827年瑞士的画家Rodolphe Topffer创作了由复数的分格所组成的《Histoire de M. Vieux Bois》。但是这是没有使用台词，只有画的作品。在Topffer之后，这种表现形式曾一度沉寂。
到了1889年，法国的Georges Colomb开始在儿童杂志《PETIT FRANCAIS ILLUSTRE》上连载《famille Fenouillard》。这被认为是连环漫画的直接原型。传播到美国之后，1892年James Swinnerton开始连载《Little Bears and Tykes》。
1896年Richard. F. Outcault在《New York World》上连载《yellow kid》。这被认为是“台词框”的初次被使用(虽然有前例)。从分格漫画被普及的意义上来看，这部作品被称为最初也不为过。一般来说这认为是连环漫画(连续分格漫画)的始祖。
●电影和动画的同时诞生
首先简单说明一下电影的发明。史前
当时，通向电影的最初的重要发明是美国摄影家Muybridge发明的连续照相。虽然把时间以“视觉”的形式进行保存，并且进行加工是电影的本质，但是究其原理就会明白其实是连续的静止画。在电影被发明的二十年前(1875年左右)，Muybridge发明了通过复数的静止画面进行分割而得到“时间=运动”的手法。他将十多台定格相机并排摆在地面上，利用独自开发的高速电子快门的原理，所拍摄的奔马分解照片震惊世界。
发现将这些分解照片反过来连续播放的话，照片就会“看起来像动的一样”的是爱迪生。他所发明的活动电影放映机(kinetoscope)是将数枚分解照片安置在旋转圆筒上，用曲轴转动圆筒然后通过小孔进行观察，作为廉价的电影设备引起了爆发性的热潮。
这种方法再进一步发展成现在主流的胶片透光式电影的则被认为是1895年法国的Lumiere兄弟的贡献。
动画的原理虽然在电影被发明之前就已经为人所知，但第一部胶片形式的动画被认为是1906年J. Stuart Blackton所创作的《Humours Phases on Funny Faces》。
第二年法国的Emile Cohl公开了同样趣味的《Fantasmagorie》系列，虽然都是一两分钟的短片动画但是大受好评，系列共制作了400部。在1911年更有漫画家Winsor McCay公开了其作品《Little Nemo》的自制动画版(制作是在1910年)。动画的历史就这样开始了。
电影的创始和连续分格漫画的创始是在同一时期这个事实很有趣。虽然有着胶片和纸作为媒体的区别和因此导致的表现形式的区别，但是在“用连续的静止画面表现运动”的意义上是一样的。
如前所述，运动指的是“移动”或者“变化”，也就是仅仅为了直接的表现出“时间”。并且其在结果上通向“故事”在某种意义上是一种必然。故事乃是将发生的一系列的事情按照因果关系来进行叙述，虽然不是直接的操作时间，但是也明显的包含了时间要素在内。
并且，考虑到相互之间的映像，大部分早期动画家都是漫画家这个事实也不能忽略。动画和(故事性)漫画，固然是有着不同美学目的的不同表现分野，他们之间也能发现许多的相似点。
●关于Winsor McCay
Winsor Zenas McCay(1871-1934)是美国漫画史上最早的，恐怕也是最大的天才。代表作《Little Nemo in SlumberLand》(1905～14)尽管是百年前的作品，却至今依然以其压倒性的想象力给与世界上的读者和作者以巨大的冲击。
McCay同样也是史上最早的动画家。第一部动画《Little NEMO》虽然是没有情节，只是让创作的角色动来动去的实验作品，但是其端正的作画和优雅的活力，华丽的想象力已经达到了完美的领域。这正是适合拉开动画百年序幕的，奇迹般的映像。
1871年出生的McCay在1891年辛辛那提的从事杂技团和大众表演的舞台美术工作。McCay和娱乐性行业的关联从此开始。当时的表演现场，有漫画家作为单人滑稽(stand-up comedy)的一种登场。lightning sketches，或者被称作chalk talk的演艺分类是让漫画艺人登台，一边随机应变说着俏皮话，一般在白纸或者黑板上迅速的画出滑稽的画来取悦观众。当时McCay认识了许多“漫画艺人”，最后自己也登台演出。
McCay所认识的“漫画艺人”中，恐怕就有Blackton。Blackton是作为世界最早的动画家载入史册的人物。他在1900年自己监督/主演的《The Enchanted Drawing》虽然严格的说还说不上是动画，但是却很能表现出当时lightning sketches的风格。Blackton在白纸上用木炭画出来的人脸，其表情瞬息万变。固然这只是跳过中间帧的初步的电影特技，当时对电影没有免疫能力的观众自然还是很惊讶的。
《The Enchanted Drawing》的数年后，Blackton发表了《Humours Phases on Funny Faces》(1906)。这是在黑板上用粉笔绘画，渐渐变化的同时连拍下来的产物，毫无疑问这就是真正的动画。McCay的早期动画正是在Blackton的工作室拍摄的，考虑到这一点，Blackton将动画传授给McCay这一点应该是没错的。
辛辛那提时代的McCay收到了杂志《life》的单幅委托。那是幅将奔马的动作正确的分割成6格的画。
不难想象儿童时代的McCay看过Muybridge的连续照相。他的分格漫画的特征正是执拗的描绘事物的动作，形态的变化(变形——METAMORPHOSE)。将这在平面上实现正是分格的功效。
而且McCay也是执著于梦以至于被称作“梦的作家”的漫画家。当然其故事基本上是以南柯一梦收场，但是本来McCay的着眼点不在于结局而在于“图像变化的过程”本身，所以也就这样了。
变形在普通的日常生活中是不太容易看见的。更恰当的来说，其实虽然看见了，但是因为时间跨度太长所以无法被意识到。典型的变形比如说，牵牛花在数秒内发芽生长开花这样的映像。然而这直到胶片电影被发明，微速摄影技术被开发出来后，人类在感觉上才第一次能够看到。在这之前的人类如果能够清楚地看到变形，那大概就是在做梦吧。
人类对事物的印象很难固定在一个地方。如果不刻意努力的话，就会变得杂乱无章，最后烟消云散。注意到梦的这种奇妙的性质并且倡导这是我们深层意识活动的是弗洛伊德。McCay虽然也是弗洛伊德同时代的人，但是无法断定他是否读过《梦的解析》(1900)或者《精神分析入门》(1917)。但是可以断定的是，McCay在和弗洛伊德在同一时期，以画家的立场注意到梦的奇妙性质，为了将其在固化在视觉上而孤军奋斗过。
这完全可以看作是超现实主义(Surréalisme)的先驱。考虑到André Breton受到弗洛伊德的影响而执笔《超现实主义宣言》是在1924年，McCay的先驱性实属非常。超现实主义者大多把目光投向此后的电影，然而在此之前十几年，McCay已经完完全全的从创作者的立场，以漫画和动画将此实现了。
1903年移居纽约的McCay在1904年发表了《Little Sammy Sneeze》，此作是McCay第一次大热的作品。然后同年开始推出完全以梦为主题的《Dream of a Rarebit Fiend》系列。这是由McCay构筑的“千奇百怪物语*注)”，其间体现出了视觉性和故事性的高度融合
终于McCay对梦的兴趣达到了顶点，通向1905年的《Little Nemo in Slumberland》。少年每晚看见的梦的世界，虽然必定会被醒来所打破，但却明显是被作为另一个现实(超现实)所描绘。
这是将时间在平面上用分格进行分格才初次得以实现的影像上的奇迹。《Little Nemo》里面每段情节虽然都只是7到10格的作品，但是令人吃惊的是其动作恰恰被分割成如“动画的原画”一般。考虑到这是在动画诞生之前的事情，对于现在的我们更是双重的惊奇。McCay在动画出生之前就是“真正的动画家”。他向动画方向发展可以说是理所当然的。
《Little Nemo》给McCay带来了巨大的名声。1910年，他终于开始着手此后的事业——动画制作。此时他已经38岁了。(待续)
注：世にも奇妙な物語，以前日本的一个灵异节目
附1 本文中出现的部分人名及wiki链接
Rodolphe Topffer(http://en.wikipedia.org/wiki/Rodolphe_T%C3%B6pffer)
Georges Colomb(http://fr.wikipedia.org/wiki/Georges_Colomb)
James Swinnerton(http://en.wikipedia.org/wiki/James_Swinnerton)
Richard. F. Outcault(http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Outcault)
Muybridge(http://en.wikipedia.org/wiki/Eadweard_Muybridge)
Lumiere(http://en.wikipedia.org/wiki/Auguste_and_Louis_Lumi%C3%A8re)
J. Stuart Blackton(http://en.wikipedia.org/wiki/J._Stuart_Blackton)
Emile Cohl(http://en.wikipedia.org/wiki/%C3%89mile_Cohl)
Winsor McCay(http://en.wikipedia.org/wiki/Winsor_McCay)
附2 本文中出现的部分作品名及wiki链接
Histoire de M. Vieux Bois(http://en.wikipedia.org/wiki/Histoire_de_M._Vieux_Bois)
PETIT FRANCAIS ILLUSTRE(http://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Petit_Fran%C3%A7ais_illustr%C3%A9)
famille Fenouillard(http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Famille_Fenouillard)
Little Bears and Tykes(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Little_Bears)
New York World(http://en.wikipedia.org/wiki/New_York_World)
yellow kid(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Yellow_Kid)
Humours Phases on Funny Faces(http://en.wikipedia.org/wiki/Humorous_Phases_of_Funny_Faces)
Fantasmagorie(http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Fantasmagorie.GIF)
Little Nemo(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo)
Little Nemo in SlumberLand(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo_in_Slumberland)
The Enchanted Drawing(http://www.youtube.com/watch?v=rYDmH2B9XJw http://en.wikipedia.org/wiki/The_Enchanted_Drawing)
————————————————————————————————————————————————————————————
第一回 Winsor McCay此人和他的业绩(2)
讲师 竹熊健太郎
●作为动画家的McCay
McCay同样是一个舞台艺人，而他的动画最早是作为舞台出演节目登场的事情也很有名。他的动画第一作《Little Nemo》(1911)虽然只是让自己的漫画角色动起来的实验作品，其简洁的线条在变幻的同时构成形体，其反复的变形构成的优雅的动作，说是实现了动画的全部魅力也不为过。据说他为了这两分多钟的作品，描绘了四千张原画。
McCay在有简单剧情的《How a Mosquito Operates》(1912)里进一步的追求这种尝试，并且在1914年的话题作《Gertie the Dinosaur》里达到了一个顶点。
初期McCay动画的特征是将背景和角色全部描绘在一张纸上的"Paper Anime"这种手法。鉴于John Randolph Bray发明赛璐珞方式的动画是在1915年，当时只有那种手法可以运用。然而这是非常恐怖的耗费精力的手法，特别是因为背景都要一张张的去画，所以整体画面会有轻微的抖动这一缺点。但是因为全部都是一个人手绘的缘故，画面的统一感是非常棒的。
之后他从1915年开始耗时三年用PaperAnime的手法描绘了《The Sinking of the Lusitania》(1918)。因为这是忠实地再现现实中事件(德国潜水艇袭击意大利豪华客轮事件)的纪录片，为了再现那深刻的悲剧，他舍弃了之前幻想风的笔触，挑战"用动画进行工笔画的表现"这种前所未闻的作业。宣称作画枚数是25000张，不过这恐怕是夸张的数字(动画部分实际上只有7分钟所以大概是一万多张？)从背景不会抖动来看，应该部分采用了剪纸和赛璐珞动画的手法。虽然因此省去了一枚枚描绘背景的劳作，但是在这部作品中投入的劳力也是十分恐怖的。
在动画史上，作为第一次真正尝试"写实"的作品，同时还作为机械描写、波浪和风/烟/爆炸等效果描写的动画之鼻祖也同样可以获得很高的评价。特别让人惊讶的是烟的表现，白色的高温水蒸气扶摇直上，重油燃烧的黑烟沉重的堆积在海面上，从烟囱冒出的煤的灰烟画出McCay特有的新艺术(Art Nouveau)风格的曲线随风摇曳，如此这般。既是说烟种类和性质的不同在一个画面中被恰当的描绘出来。顺便一说烟的动画应该使用了赛璐珞。
大作《The Sinking of the Lusitania》之后，他放弃了耗费精力的PaperAnime开始正式的尝试赛璐珞动画。经过一系列的习作，McCay完成了最后的动画作品《Dreams of the Rarebit Fiend》三部曲(1919-1921年间制作，详细年份不明)。《Bug Vaudeville》《The Pet》《The Flying House》三部，无不能看出为了缓和赛璐珞给人平面的印象而做出的努力，特别是《The Pet》是展现了McCay叙述故事才能的杰作。
《The Pet》是以迎来倦怠期的中年夫妇的宠物带来的噩梦作为题材的作品。不被丈夫理解而感到孤独的妻子，有一天捡到一批小动物。对这匹不知道是狗还是猫的小动物，丈夫觉得很恶心，但是妻子却取名叫Cutie并且非常疼爱。然而，它却是吞噬周围的一切无限的巨大化的怪物。
最后巨大化的Cutie肆意蹂躏都市的高潮虽然是怪兽电影常见的桥断，但是"从高楼大厦中出现的巨大生物"这样视觉上的登场，恐怕这部作品是第一次。也就是说McCay同样是世界上第一个怪兽电影的监督。
这部作品之后，McCay放弃了动画制作，回到了漫画和插画的世界。但是直到1934年逝世之前，他似乎还是以自己是一名动画家而自豪。
●《Felix the Cat》～映像、其生成和扰乱
在动画的历史中，Pat Sullivan(制片人)和Otto Messmer(演出/动画)所创作的《Felix the Cat》被摆在在初期的最重要作品中。这是在Mickey Mouse之前(米老鼠的诞生是1928年)在商业上最为成功的动画/角色，同时作品全体洋溢的"魔术般的映像"，从动画美学价值来看也是十分重要的。
尽管被黑白无声，以及每回7分钟左右的表现形式所制约，《Felix》依然尽可能的制作出了最大的动画效果。画面全是简单的线条画。基本上没有中间色过渡，完完全全的黑与白的世界。
主角Felix是以黑色为基调，而其恋人Kitty White则如其名全身纯白。二者在简单的背景中展开简单的搞笑故事。主要动画制作者，Felix的"创造者"Messmer的绘画不但高雅的很彻底，其动作也出奇的迅速。感到疑问的时候，Felix的尾巴就变成问号，下雨的话则会变成伞。
●动画中的"形喻(漫画符号)"表现
在初期作品中特别显著的是"形喻(漫画符号)"和"对话框"的使用。被认为是日本漫画专利的诸如察觉到什么的时候头上出现"!"、汗和泪水用水滴的形喻来表现等手法，其源头正是美国的无声动画。不光是在《Felix》中，在其他初期动画中也能看到无数的这种表现手法。
这种形喻的用法本来是漫画的，但是在动画中被作为一种弥补黑白无声在表现上的缺陷的手法而使用。但是《Felix》的独特之处在于他的形喻并不仅仅是停留在记号的层次上。例如Felix的头上浮现出的"!"号，在下一个瞬间就变成了球棒和球。还有浮现出数枚"?"号，然后再以此为台阶爬到建筑的顶上。
伴随着电影的有声化、彩色化，这种表现手法在动画中渐渐的消失了。随着表现手法的多样化高度化，已经不需要再借助于这种"漫画的舶来品"了。现在的美国漫画中也很难见到这种表现手法。
但是，这种手法在日本漫画中不但留存下来，并且还在此后有了进一步的发展。这件事情背后的历史意义，有着今后研究的价值。
●最为动画性的表现～关于变形
真人电影，或者说绘画也难以表现的事物……那就是形状缓慢的、或者瞬间改变的变形。但是对动画来说这不仅很容易表现，甚至是其最大的魅力所在。表现的很好的变形是一种"视觉的云霄飞车"。动画的快感原理之一就在于此。
Animation(其本意在于"注入以生命")的日语是"动画"，但是以前也被称作"线画"。因为特别是初期的动画几乎都是由简单的线条所构成的。那么"线"是什么？这是一个在思考动画(以及漫画)本质的时候重要的问题。
先画一条直线。其本身是不象征什么的单纯的线。但是在其上描绘上山或者建筑物的话就变成"地平线"。画上船则变成"水平线"。没有意义的一根线条开始具备各种各样的意义。
接着将线条弯曲描绘出一个圆。或者弯曲成锐角形成三角或者四边形。其中浮现出某些象征意义。再进行一些修饰，在三角形上画上一些点。这也许就是饭团。在四边形中按顺序排列上小的四边形，看起来像建筑了吧。
但是它既不是饭团也不是建筑。仅仅是线的堆积而已。让它们看上去像是饭团或者建筑的，是我们脑的作用。
人类的认知能力由"类推"和"差异的识别"所构成。我们在看到某种形状的时候，一瞬间就做出"这个和那个相似"、"这个和那个不同"的判断。而支持这种判断的则是我们在成长过程中形成的"形状记忆"。不知何时已经在脑内作为常识而被固化。
变形就是将这样的常识破坏。暴露出"形状看上去像什么东西的"，实际上只不过是"无意义的线条"。其结果虽然是导致我们的脑产生混乱，从中获得快感还是不愉快就看个人了。
●从墨水瓶中
Max Fleischer(1883－1972)和Winsor McCay、Otto Messmer同样，都是动画的先驱者之一。正如早期多数动画家一样，他也是从漫画家的事业起步的。有摆弄机械方面兴趣，对电影也有兴趣的Max，于1915年发明了"转描机(Rotoscope)"。这是把拍摄的电影胶片按分格进行投影，然后通过将纸进行替换的手段，可以把现实中的动作转化成手绘的动画的装置。(转描机是在动画史上有重大意义的技术。其功过将在此后进行详细论述。)
他和弟弟Dave一起协力通过转描机试做了一些作品。将其给早期的动画制片人John Bray(John Randolph Bray，他和McCay曾经是作为漫画家的伙伴)看得时候，Bray表现出了兴趣。就这样Fleischer兄弟开始在Bray的工作室制作动画。
Dave Fleischer是搞笑的天才。平时说话的时候也像连珠炮一样笑话连篇，而且想象力丰富有趣。这对兄弟于1919年(大正8年)制作的作品就是名为《Out Of The Inkwell(从墨水瓶中)》的短篇系列。
《Out Of The Inkwell》是这样的一部作品。最早由Max的真人登场，为了在绘图板上绘画而打开了墨水瓶。于是从瓶中出现了喜欢作弄人的小丑，进入现实世界并且引发了大骚乱。小丑虽然是用转描机所描绘的(原型的写实影像是监督Dave所扮演的)，但是"虽然是手绘的却像写实的一样"的奇妙的笔触为人所称赞，系列作品热门。这部作品在日本也博得了人气，《墨水瓶》的标题
这种"墨水瓶桥段"其实并不是Fleischer的发明。早在1918年John Randolph Bray就在《Bobby bumps puts a beanery on the bum》这部作品中尝试了这种"墨水瓶桥段"，在初期的动画之中，这可以说是很常见的手法。
●虚构嘲笑现实
再强调一遍，这种写实和动画组合的手法在1910～20年并不鲜见。本来动画本来的目的就是在于展现"画在动"这个惊人的事实，为了强调这种惊异之处，和写实的对比组合乃是最为有效的做法。
但是在动画一般化的过程中，逐渐从写实中"独立"出来。其一是因为观众已经习惯了"画在动"，不再因此而感觉到惊奇。而且随着动画的技术的发展，单靠动画进行各种各样的表现已经成为可能。
但是在Fleischer的作品中，到了1930年代还在频繁的使用"墨水瓶"桥段。在这点上和同样起点，并最后放弃了这种对比的动画制作的迪斯尼形成对照。虽然从某种意义上Fleischer的这种手法已经模式化了，但是也可以认为在此之前对Fleischer来说"现实"和"虚构"的对比是关系到作家本质的问题。
导入"现实"的视点即代表着一直客观的观察着动画(虚构)的节目。这种"清醒的超越的(meta-)视角"正是构成Fleischer一流的讽刺笑话的原因，但是不仅如此，时不时动画也会闯入"现实"而对"现实"进行嘲笑，以此来动摇现实的价值观。
《Betty的笑(Ha! Ha! Ha!，1934)》是Fleischer得意的写实和动画合成的一部作品，恐怕也是这种题材的最高杰作。时隔多日再一次以"墨水瓶"桥段开始的作品。Max Fleischer在绘画板上画完Betty之后，该是回家的时间了。Max说完"再见，Betty"然后回去了。于是在墨水瓶中的小丑Koko出现，把Max吃剩的巧克力吃掉了。吃完突然牙齿痛了起来。担心的Betty画了一家牙科医院，把Koko拉进去试图拔牙，但是因为Koko乱动难以拔除。
Betty计上心头，用麻醉用的笑气来吸引Koko。然而笑气的量出了错，泄漏到了"画面之外"，充满了城市(写实)中。消防栓在笑，邮箱在笑，车辆和桥梁也开始笑。无法收拾的时候Betty他们逃入了墨水瓶中。
这部作品在被制作的时候，写实和动画的合成桥段已经不再新颖。但是对Fleischer来说，这个桥段并不仅仅停留在"强调画的运动"，而变成了搅乱我们的常识和日常意识的一种批评行为。与之相对的迪斯尼的这种批评意识就很稀薄。战后迪士尼发表了像《Mary Poppins》这样的写实和动画合成交织的作品，但是并没有超过"写实世界的人类在动画=幻想世界游玩"的层次。这和迪斯尼游乐园的概念是一样的。迪斯尼乐园的作为"忘记现实的装置"而运作，而绝不是"对现实的批判"。
附1 本文中出现的部分人名及wiki链接
Winsor McCay(http://en.wikipedia.org/wiki/Winsor_McCay)
Max Fleischer(http://en.wikipedia.org/wiki/Max_Fleischer)
Dave Fleischer(http://en.wikipedia.org/wiki/Dave_Fleischer)
Otto Messmer(http://en.wikipedia.org/wiki/Otto_Messmer)
John Randolph Bray(http://en.wikipedia.org/wiki/John_Randolph_Bray)
Pat Sullivan(http://en.wikipedia.org/wiki/Pat_Sullivan)
附2 本文中出现的部分作品名及wiki链接
Little Nemo(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo)
Little Nemo in SlumberLand(http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Nemo_in_Slumberland)
How a Mosquito Operates(http://en.wikipedia.org/wiki/How_a_Mosquito_Operates)
Gertie the Dinosaur(http://en.wikipedia.org/wiki/Gertie_the_Dinosaur)
The Sinking of the Lusitania(http://en.wikipedia.org/wiki/The_Sinking_of_the_Lusitania)
Dreams of the Rarebit Fiend(http://en.wikipedia.org/wiki/Dreams_of_a_Rarebit_Fiend)
Felix the Cat(http://en.wikipedia.org/wiki/Felix_the_Cat)
Mickey Mouse(http://en.wikipedia.org/wiki/Mickey_Mouse)
Out Of The Inkwell(http://en.wikipedia.org/wiki/Out_of_the_Inkwell)
Bobby Bumps(http://en.wikipedia.org/wiki/Bobby_Bumps)
Ha! Ha! Ha!(http://en.wikipedia.org/wiki/Ha!_Ha!_Ha!_(1934_cartoon))
Mary Poppins(http://en.wikipedia.org/wiki/Mary_Poppins_(film))
————————————————————————————————————————————————————————————
附：
私の「マンガとアニメーションの間に」は、無料で一般公開していますので、翻訳も必ず無料で公開してください。著者は「竹熊健太郎」であること、オリジナルの文章が公開されたのがインターネットのブログ「たけくまメモ」で、以下のURLで読めることを最後に明記してください。
我的《漫画与动画之间》是免费公开发布的的，所以翻译也务必免费的公开发布。请在最后注明作者“竹熊健太郎”，原文发表在blogたけくまメモ上并且可以在下记得url上读到。
http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_94d0.html
http://takekuma.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_0cf9.html
