用电影来表现艺术
观戈达尔《狂人皮埃罗》（涉及剧透，未观慎入）
导演
戈达尔不用介绍了吧，如果你不知道他是谁的话，千万不要说自己喜欢电影，你可以不喜欢，但不能不了解法国新浪潮的标杆人物。
主演
男主角：贝尔蒙多
是我非常喜欢的法国明星之一，他曾多次与当时知名导演合作，我最早接触他主演的电影是7-80年代的一些硬汉警匪电影的老年形象，前几年才在梅尔维尔，夏布洛尔、戈达尔、特吕弗、德.西卡、路易马勒等大师的一些电影里看到他。他的戏路非常宽阔，文戏武戏，悲剧喜剧十八般武艺样样精通。红了几十年，是银幕上的常青树。曾被称为“法兰西最丑的美男子”。
女主角：安娜•卡里娜
1961年，在拍摄《女人就是女人》期间，她和戈达尔结婚。这段婚姻维持了七年。七年间，她几乎是戈达尔唯一的女主角。随着《小兵》、《随心所欲》、《法外之徒》、《阿尔伐城》和《狂人皮埃罗》，安娜•卡里娜的脸成为新浪潮一个重要的标签。我看了她的《随心所欲》后感觉她是我心中最美的女神。
电影感受
我看这部电影的载体是dvd，为了更好的了解影片，我连看了三遍，看完此片我脑中思考的问题就是，这个电影想表达的是什么？
每个人对电影的见解都不尽相同，因为每个人的成才历程都有所不同。有的电影是通过故事在某个不经意处打动你的内心，有的电影是用镜头来诠释艺术的思考。40多年前戈达尔拍摄《狂人皮埃罗》就是后者。
“我不会拍符合大众口味的电影”这是戈达尔一句口号，《狂人皮埃罗》也的确如他所说，用他独特的镜头来传达一种新鲜的艺术语境。作品在荒诞中表达一种犀利，在诗意的对白中透出一股张力，凌乱的剪辑有独树一帜的美。哪怕这个电影的主线就是一个简单的雌雄大盗故事。
你还可以在电影里浏览毕加索《镜中的少女》，雷诺阿《手捧鲜花的小女孩》，莫迪利亚尼的《系黑领带的女子》，以及马蒂斯、夏加尔等大师名作。
你可以在片中分析表现主义大胆而夸张的色彩；你可以在片中思考结构主义关于文化意义的探索；你可以在片中体味超现实主义的无序的美；你可以在片中聆听诗意的对白；你可以在片中享受古典音乐的韵味；你还可以在片中发现借鉴前辈导演的桥段；你还可以在片中探索爱情与欺骗的界限；但你不可以用今天的好莱坞的模式去看此片，否则你会得到失望与沉闷。
这部电影对当时的绘画与流行艺术有着紧密联系，从毕加索到波普艺术大师罗森博格都可以在电影中找到影子。
电影分析
电影一开始贝尔蒙多在浴缸里读着一本艾里弗的艺术理论著作，从对绘画大师委拉斯凯兹充满诗意的评论开始，借主人公之口，阐述电影建立在现代主义与古典主义的冲突上的理论，这也是戈达尔的理论。戈达尔也借委拉斯凯兹来说明自己即使被批评包围也要战斗（拍自己的电影）主角对一个小女孩讲述深邃的艺术理论，仿佛在幽默着自己电影观众的理解力。
贝尔蒙多提到尼古拉斯•雷的《沙漠怪客》正好我也看过这个电影，尼古拉斯•雷的影片暗示了某种无视、控制国家法制体系的势力——麦卡锡主义。将女性推到西部社会冲突带中，那是一部有女权主义特点的电影。通过这点可以看出戈达尔在影射女主角的暴力倾向。
这里也提到了这位现代法国小说之父巴尔扎克，提到了巴尔扎克的名著《塞查•皮罗多盛衰记》，那本小说写一个在各方面看来都平凡的花粉商，因为抱着可笑的野心，在兴旺发达的高峰上急转直下，一变而为倾家荡产的穷光蛋；但是“绝顶诚实”的德性和补赎罪过的努力，使他的苦难染上一些殉道的光彩。黄金时代原是他倒霉的起点，而最后胜利来到的时候，他的生命也到了终局。这也恰恰暗示男主人公的结局。
有人说戈达尔是电影史上第一个忤逆者。他不仅仅颠覆传统电影语言，对当时的流行文化也进行了调侃。通过对白与“植入广告”的形式打破了传统的语境。对当时的流行艺术“臀部文明”进行了讥讽。现在的电影把观众当傻子，不让观众思考，导致现在的观众不会思考那些艺术的电影。
红绿蓝三色组成聚会的场景，具有情景主义的特色开始，最后以闹剧形式结束。单色滤镜的手法最早用于早期表现主义的电影，不同于表现主义电影强调用夸张的打光与构图来表现强烈的视觉张力的电影手法，戈达尔固定静止的机位，通过对白来结合滤镜的效果，戈达尔通过画面的剪辑与对白很好的说明了他想表达的东西，来反映上流人士的浮浅与空虚。从滤镜运用的时间也不相同，由红色开始，红色代表权力与血腥，在红色的滤镜下面，表面人们平和的谈论产品，其实却是蕴含着野心与欲望的争夺，蓝色在这里表示背叛与阴谋，这两种滤镜的时间相对要长。绿色传统意义上讲代表希望、艺术与爱情。绿色的滤镜极短，仅仅是贝尔蒙多离开前的一瞬间。虽然这种手法今天已经时空见惯，但很少有人能运用的比戈达尔更贴切，不只是技术方面。
中间出现了一个让资深影迷兴奋的镜头，“三线教父”塞缪尔•富勒出现了，（美国B级片、黑色电影、独立电影）戈达尔一直把他视为偶像。这时的色彩恢复正常。
“你看起来很孤独”男主角在问富勒，其实这也是戈达尔在问自己，每一个成功的导演都很孤独，但他们不会寂寞，因为他们都有自己的电影陪伴。戈达尔传承着富勒追求的电影手法，即用小成本和小制作，通过对简单而富于象征意义的画面，并通过电影中的对白进行社会政治批判和对人性的反省。这也是在暗喻法国新浪潮源于美国电影。“电影的本质是什么？”“电影就像一个战场，爱情、仇恨、暴力、死亡。一个词概括，情感”。这是富勒的回答，也是戈达尔这部电影的主题。
里面还有一些结构主义的因素。 “我用来看东西的眼睛，用来听声音的耳朵，用来说话的嘴巴，感觉毫不协调无法正常的工作。人应该感觉自己是个个体，我感觉自己是许多的个人一样。”这段话解释了电影的结构原理，指出电影是用来眼睛来观看的，用耳朵来聆听，以声音来表达的。
然后主角扔蛋糕和礼花的剪辑制造爆炸的幽默效果。
两人在汽车里对话一段，汽车明显未动。显得比较假，可能这也是戈达尔的疏忽之处吧。在这里戈达尔抛弃了常用的好莱坞反打镜头，让观众自己体味主角的情绪变化，色彩调性忽蓝忽红，恍惚中创造了色彩虚拟的诗意，这点和楚原拍古龙的电影里面的氛围运用有异曲同工之处。
另外戈达尔的电影和时事总有关联。通过收音机的广播，引申对越战的困扰。
“我不叫皮埃罗，我是费迪南”这是贯穿电影的一句重要台词。“狂人皮埃罗”是个罪犯，非常有名的罪犯，所以贝尔蒙多总说我不叫皮埃罗，我叫费迪南。其实主人公的名字也不是费迪南，就向女主角希望他是皮埃罗一样，费迪南是男主角向往成为的对象。
玛丽安的住所凌乱，但却挂着毕加索的《镜中的少女》莫迪利亚尼的《系黑领带的女子》等名画，表达戈达尔艺术至上的观点。
至于男主角的床头帖这毕加索的名画《恋人》的印刷品巧妙的揭示男女主人公的微妙心理，戈达尔有着残酷的现实主义倾向。常常让角色进入静止画面。电影也经常没有对主体做明确解释。这里的对白仿佛是与画面有关的诗歌，这种语境是其他的导演很少尝试的。同时用一些不连贯的画面构成赋予电影不规则的结构风格。电影画面不论构图与颜色都像现代艺术的绘画，例如冰箱上的瓶罐就像莫兰迪的静物画。
加油站等场景到处都有对广告的影射，以及对美国电影的影射。
仿佛告诉我们这是一部黑暗的轻喜剧。
影片还提到了美国作家菲茨杰拉德的小说《夜色温柔》，书中从社会历史学角度和精神美学角度分析了主人公迪克性格变异过程,透视了战后资产阶级世界的空虚、幻灭,以及人性的压抑和扭曲。表述了书中的主人公命运也是电影主人公的命运。所以说看大师的作品往往很累，因为你要有一定的知识面，才能领悟大师的一些意图。
在卡通于文化之间徘徊。表现主义的颜色不计成本的出现，仿佛调整着观众的视觉习惯。
“一定要真实点，这可不是拍电影”明明是拍电影吗，戈达尔对好莱坞的调侃。让你感觉不到这是一部四十年前的片子。
不同于诺兰的《记忆碎片》这里的时间的错位，没有诺兰的规律性，完全是随着主人公的日记来表现电影的主题-文字与事物。他完全不遵守旧的电影规则。
电影里的镜头还有向约翰福特的《铁血金戈》致敬的桥段。两人过河的场面也美轮美奂，同时贝尔蒙多夹着书的也体现，戈达尔对文化的重视度。也暗喻了了两人将来的命运。
电影后半部的取景开始赋予活力，画面上我们可以感觉到梵高、马蒂斯、毕加索等大师的影子。用毕加索的画来象征这打破规律的暴力艺术最合适不过了。
还有一个场景，人在巨大的树下行走，在屏幕最下方消失这个画面，是致敬尼古拉斯雷《穿越大沼泽地的风》
电影包含对越战的反思，用火柴爆炸的效果可以和科波拉的《现代启示录》的燃烧弹有异曲同工之妙。
镜头语言从摄影的角度来看非常直接，人物总是在镜头内移动，戈达尔经常拒接反打镜头剪辑，传统意义上好莱坞最常用的反打镜头就是从一个角色来观察另一个角色的反映。戈达尔总是用戏剧般的短镜头来体现暴力。不是明显的长镜头，却给人一种长镜头的效果。
我对这句对白非常感兴趣“为了赚一点钱，我们从游客那里乞讨。”个人以为可以改成“为了赚一点钱，我们从观众那里乞讨。”不仅仅是对好莱坞，对于今天的电影也是一样，现在的导演白痴行为，导致了一些观众的白痴，高科技的垃圾充斥着荧屏。污染着我们的眼睛。
结尾时贝尔蒙多的脸上涂满克莱因蓝的涂料，我猜想是否是象征古代爱尔兰勇士上战场的图腾，就像《勇敢的心》一样。
电影的结局出人意料，我稍微留点悬念与想象空间。本来这是一部情节很简单的电影，可以拍成警匪片，悬疑片也可以拍成恐怖片，但戈达尔却把他拍成艺术片，这是让我兴奋的地方，也是让我痛苦的地方，中国什么时候才会出现用电影来表现艺术的人呀！
导演
戈达尔不用介绍了吧，如果你不知道他是谁的话，千万不要说自己喜欢电影，你可以不喜欢，但不能不了解法国新浪潮的标杆人物。
主演
男主角：贝尔蒙多
是我非常喜欢的法国明星之一，他曾多次与当时知名导演合作，我最早接触他主演的电影是7-80年代的一些硬汉警匪电影的老年形象，前几年才在梅尔维尔，夏布洛尔、戈达尔、特吕弗、德.西卡、路易马勒等大师的一些电影里看到他。他的戏路非常宽阔，文戏武戏，悲剧喜剧十八般武艺样样精通。红了几十年，是银幕上的常青树。曾被称为“法兰西最丑的美男子”。
女主角：安娜•卡里娜
1961年，在拍摄《女人就是女人》期间，她和戈达尔结婚。这段婚姻维持了七年。七年间，她几乎是戈达尔唯一的女主角。随着《小兵》、《随心所欲》、《法外之徒》、《阿尔伐城》和《狂人皮埃罗》，安娜•卡里娜的脸成为新浪潮一个重要的标签。我看了她的《随心所欲》后感觉她是我心中最美的女神。
电影感受
我看这部电影的载体是dvd，为了更好的了解影片，我连看了三遍，看完此片我脑中思考的问题就是，这个电影想表达的是什么？
每个人对电影的见解都不尽相同，因为每个人的成才历程都有所不同。有的电影是通过故事在某个不经意处打动你的内心，有的电影是用镜头来诠释艺术的思考。40多年前戈达尔拍摄《狂人皮埃罗》就是后者。
“我不会拍符合大众口味的电影”这是戈达尔一句口号，《狂人皮埃罗》也的确如他所说，用他独特的镜头来传达一种新鲜的艺术语境。作品在荒诞中表达一种犀利，在诗意的对白中透出一股张力，凌乱的剪辑有独树一帜的美。哪怕这个电影的主线就是一个简单的雌雄大盗故事。
你还可以在电影里浏览毕加索《镜中的少女》，雷诺阿《手捧鲜花的小女孩》，莫迪利亚尼的《系黑领带的女子》，以及马蒂斯、夏加尔等大师名作。
你可以在片中分析表现主义大胆而夸张的色彩；你可以在片中思考结构主义关于文化意义的探索；你可以在片中体味超现实主义的无序的美；你可以在片中聆听诗意的对白；你可以在片中享受古典音乐的韵味；你还可以在片中发现借鉴前辈导演的桥段；你还可以在片中探索爱情与欺骗的界限；但你不可以用今天的好莱坞的模式去看此片，否则你会得到失望与沉闷。
这部电影对当时的绘画与流行艺术有着紧密联系，从毕加索到波普艺术大师罗森博格都可以在电影中找到影子。
电影分析
电影一开始贝尔蒙多在浴缸里读着一本艾里弗的艺术理论著作，从对绘画大师委拉斯凯兹充满诗意的评论开始，借主人公之口，阐述电影建立在现代主义与古典主义的冲突上的理论，这也是戈达尔的理论。戈达尔也借委拉斯凯兹来说明自己即使被批评包围也要战斗（拍自己的电影）主角对一个小女孩讲述深邃的艺术理论，仿佛在幽默着自己电影观众的理解力。
贝尔蒙多提到尼古拉斯•雷的《沙漠怪客》正好我也看过这个电影，尼古拉斯•雷的影片暗示了某种无视、控制国家法制体系的势力——麦卡锡主义。将女性推到西部社会冲突带中，那是一部有女权主义特点的电影。通过这点可以看出戈达尔在影射女主角的暴力倾向。
这里也提到了这位现代法国小说之父巴尔扎克，提到了巴尔扎克的名著《塞查•皮罗多盛衰记》，那本小说写一个在各方面看来都平凡的花粉商，因为抱着可笑的野心，在兴旺发达的高峰上急转直下，一变而为倾家荡产的穷光蛋；但是“绝顶诚实”的德性和补赎罪过的努力，使他的苦难染上一些殉道的光彩。黄金时代原是他倒霉的起点，而最后胜利来到的时候，他的生命也到了终局。这也恰恰暗示男主人公的结局。
有人说戈达尔是电影史上第一个忤逆者。他不仅仅颠覆传统电影语言，对当时的流行文化也进行了调侃。通过对白与“植入广告”的形式打破了传统的语境。对当时的流行艺术“臀部文明”进行了讥讽。现在的电影把观众当傻子，不让观众思考，导致现在的观众不会思考那些艺术的电影。
红绿蓝三色组成聚会的场景，具有情景主义的特色开始，最后以闹剧形式结束。单色滤镜的手法最早用于早期表现主义的电影，不同于表现主义电影强调用夸张的打光与构图来表现强烈的视觉张力的电影手法，戈达尔固定静止的机位，通过对白来结合滤镜的效果，戈达尔通过画面的剪辑与对白很好的说明了他想表达的东西，来反映上流人士的浮浅与空虚。从滤镜运用的时间也不相同，由红色开始，红色代表权力与血腥，在红色的滤镜下面，表面人们平和的谈论产品，其实却是蕴含着野心与欲望的争夺，蓝色在这里表示背叛与阴谋，这两种滤镜的时间相对要长。绿色传统意义上讲代表希望、艺术与爱情。绿色的滤镜极短，仅仅是贝尔蒙多离开前的一瞬间。虽然这种手法今天已经时空见惯，但很少有人能运用的比戈达尔更贴切，不只是技术方面。
中间出现了一个让资深影迷兴奋的镜头，“三线教父”塞缪尔•富勒出现了，（美国B级片、黑色电影、独立电影）戈达尔一直把他视为偶像。这时的色彩恢复正常。
“你看起来很孤独”男主角在问富勒，其实这也是戈达尔在问自己，每一个成功的导演都很孤独，但他们不会寂寞，因为他们都有自己的电影陪伴。戈达尔传承着富勒追求的电影手法，即用小成本和小制作，通过对简单而富于象征意义的画面，并通过电影中的对白进行社会政治批判和对人性的反省。这也是在暗喻法国新浪潮源于美国电影。“电影的本质是什么？”“电影就像一个战场，爱情、仇恨、暴力、死亡。一个词概括，情感”。这是富勒的回答，也是戈达尔这部电影的主题。
里面还有一些结构主义的因素。 “我用来看东西的眼睛，用来听声音的耳朵，用来说话的嘴巴，感觉毫不协调无法正常的工作。人应该感觉自己是个个体，我感觉自己是许多的个人一样。”这段话解释了电影的结构原理，指出电影是用来眼睛来观看的，用耳朵来聆听，以声音来表达的。
然后主角扔蛋糕和礼花的剪辑制造爆炸的幽默效果。
两人在汽车里对话一段，汽车明显未动。显得比较假，可能这也是戈达尔的疏忽之处吧。在这里戈达尔抛弃了常用的好莱坞反打镜头，让观众自己体味主角的情绪变化，色彩调性忽蓝忽红，恍惚中创造了色彩虚拟的诗意，这点和楚原拍古龙的电影里面的氛围运用有异曲同工之处。
另外戈达尔的电影和时事总有关联。通过收音机的广播，引申对越战的困扰。
“我不叫皮埃罗，我是费迪南”这是贯穿电影的一句重要台词。“狂人皮埃罗”是个罪犯，非常有名的罪犯，所以贝尔蒙多总说我不叫皮埃罗，我叫费迪南。其实主人公的名字也不是费迪南，就向女主角希望他是皮埃罗一样，费迪南是男主角向往成为的对象。
玛丽安的住所凌乱，但却挂着毕加索的《镜中的少女》莫迪利亚尼的《系黑领带的女子》等名画，表达戈达尔艺术至上的观点。
至于男主角的床头帖这毕加索的名画《恋人》的印刷品巧妙的揭示男女主人公的微妙心理，戈达尔有着残酷的现实主义倾向。常常让角色进入静止画面。电影也经常没有对主体做明确解释。这里的对白仿佛是与画面有关的诗歌，这种语境是其他的导演很少尝试的。同时用一些不连贯的画面构成赋予电影不规则的结构风格。电影画面不论构图与颜色都像现代艺术的绘画，例如冰箱上的瓶罐就像莫兰迪的静物画。
加油站等场景到处都有对广告的影射，以及对美国电影的影射。
仿佛告诉我们这是一部黑暗的轻喜剧。
影片还提到了美国作家菲茨杰拉德的小说《夜色温柔》，书中从社会历史学角度和精神美学角度分析了主人公迪克性格变异过程,透视了战后资产阶级世界的空虚、幻灭,以及人性的压抑和扭曲。表述了书中的主人公命运也是电影主人公的命运。所以说看大师的作品往往很累，因为你要有一定的知识面，才能领悟大师的一些意图。
在卡通于文化之间徘徊。表现主义的颜色不计成本的出现，仿佛调整着观众的视觉习惯。
“一定要真实点，这可不是拍电影”明明是拍电影吗，戈达尔对好莱坞的调侃。让你感觉不到这是一部四十年前的片子。
不同于诺兰的《记忆碎片》这里的时间的错位，没有诺兰的规律性，完全是随着主人公的日记来表现电影的主题-文字与事物。他完全不遵守旧的电影规则。
电影里的镜头还有向约翰福特的《铁血金戈》致敬的桥段。两人过河的场面也美轮美奂，同时贝尔蒙多夹着书的也体现，戈达尔对文化的重视度。也暗喻了了两人将来的命运。
电影后半部的取景开始赋予活力，画面上我们可以感觉到梵高、马蒂斯、毕加索等大师的影子。用毕加索的画来象征这打破规律的暴力艺术最合适不过了。
还有一个场景，人在巨大的树下行走，在屏幕最下方消失这个画面，是致敬尼古拉斯雷《穿越大沼泽地的风》
电影包含对越战的反思，用火柴爆炸的效果可以和科波拉的《现代启示录》的燃烧弹有异曲同工之妙。
镜头语言从摄影的角度来看非常直接，人物总是在镜头内移动，戈达尔经常拒接反打镜头剪辑，传统意义上好莱坞最常用的反打镜头就是从一个角色来观察另一个角色的反映。戈达尔总是用戏剧般的短镜头来体现暴力。不是明显的长镜头，却给人一种长镜头的效果。
我对这句对白非常感兴趣“为了赚一点钱，我们从游客那里乞讨。”个人以为可以改成“为了赚一点钱，我们从观众那里乞讨。”不仅仅是对好莱坞，对于今天的电影也是一样，现在的导演白痴行为，导致了一些观众的白痴，高科技的垃圾充斥着荧屏。污染着我们的眼睛。
结尾时贝尔蒙多的脸上涂满克莱因蓝的涂料，我猜想是否是象征古代爱尔兰勇士上战场的图腾，就像《勇敢的心》一样。
电影的结局出人意料，我稍微留点悬念与想象空间。本来这是一部情节很简单的电影，可以拍成警匪片，悬疑片也可以拍成恐怖片，但戈达尔却把他拍成艺术片，这是让我兴奋的地方，也是让我痛苦的地方，中国什么时候才会出现用电影来表现艺术的人呀！
