谈谈博纳尔的绘画
与其说是艺术本身，不如说是艺术家的生活更吸引我。因为艺术家的身份意味着可以自由表现，可以随性过自己喜爱的生活。
——博纳尔
皮埃尔·博纳尔(Pierre Bonnard)生于１８６７年，从他２０岁进入巴黎朱利昂美术学院起，直至以８０岁的高龄在法国坎内(Kanneh)去世，博纳尔经历了漫长的艺术生涯。世事沧桑，博纳尔目睹了艺术界在世纪交替前后各种艺术流派纷纷扰扰的风转云行。博纳尔与同时期许多艺术家的不同点在于，除早年与“纳比派(Nabis)”有短暂的接触外，他几乎在６０年的艺术创作中一直静静地生活在他自己的艺术世界中。他似乎没有什么主张要向世人申述，也没有再在任何宣言上签过名，从没在艺术作品中提及任何政治事件，更不要要表达什么政治观点了。或博纳尔和我们一样有恐惧与厌恶，但在他作品中却了无痕迹。他的画室是他人生世界中的小天地，是他保持了６０年的一方静土，在这里他创造出围绕着他家人特别是他夫人的令人倍感亲切的意象。而他自己温文尔雅戴着宽边眼镜的形象，则一直出现在他的绘画中，成为他作品中的重要标识。人们在博纳尔的作品中看到的是纯真，热情和原动力，他的画作不是幻想，而是内心的真实，他十分在意地、慢慢地捕捉这个真实，远离非我的侵袭。
关键词：纳比派，印象主义，用色
在巴黎朱利昂美术学院的同学塞鲁西叶(Paul Serusier)、德尼(Maurice Denis)、朗松(Ina Ranson)、伊贝尔(Ibels)与博纳尔共同创立了“纳比画派”。［1］作为象征主义绘画团体的“纳比画派”（希伯莱语为预言者），他们给自己制定了方针与目标及主要的美学思想，画家兼理论家德尼为此撰写文章陈述其艺术理论宗旨：“所谓绘画，在画出战马、裸妇或什么轶事之前，本质上只是依一定秩序组合的色彩覆盖与平面之上。”即主张装饰效果。
可以说，纳比派诞生原因正是印象主义的胜利以及文学上的象征主义和高更的直接影响，这些对艺术充满苛求又极富激情的年轻人“向往一种摆脱了大自然一切字面意义的伟大绘画”，既“客观变形”又“主观变形”，还有“平涂”和“装饰” ，宣称：艺术作品是艺术家把自己综合为个人的美喻和符号，从而获得最终的视觉传达。他们这些理论，为20世纪艺术奠定了基础。纳比派这种讲究艺术的主观综合，不受写实原则的束缚，追求感受、形式的创作理念，正式２０世纪艺术所具备的特征。因而纳比派被称为20世纪现代艺术的先声。
塞鲁西叶和德尼是纳比派的“高尚理论家”，而博纳尔在纳比派中则有“日本纳比派”之称，一方面暗指他喜欢日本浮世绘，另一方面也指他常常欣赏浮世绘装饰性绘画的平涂技法及对日常生活主题的表现。作品《散步》是博纳尔在纳比派时期的杰作，这幅作品中所表现出来的装饰性是静止的，而对充满活力的生活的描绘是躁动的，这些都平衡于他精湛的艺术形式中。
１８９９年纳比派与部分象征主义画家联手举行最后一次展览后便告解散。
在上世纪前半叶成长起来的伟大的艺术家中，博纳尔热衷于反映自然界的光，他探索自然界中的色彩和色调之间永无止境的关系。他对色彩和色调的赞美远胜过其他现代主义大师。他把瞬间的模糊的感受和零星的感受当作他创作的主题，并无目的地进行一系列的创作尝试，采用多幅画面表现一个场景的方法，来描绘出不同的感觉范畴。同时，博纳尔与印象派画家相比走得更远，他不仅有意识地关注自然，而且关注记忆中的世界。在他的意识中，回忆本身就是使愿望得到一种满足，这种愿望也必定是诞生新思维的主旨。这种新思维成为博纳尔为上世纪的艺术所作出的贡献。
１９００年开始，博纳尔更加轻松，他日常外出旅行，在法国北部和南部画了一系列表现莫测光色的田园景致，后来他在乡间过着简朴、近似隐居的生活，这便使他有更多的时间与心境去探求艺术的真谛，他发展了色彩语言，突破了印象主义过分依赖自然的不足，既而发展了一种偏离中心的、给人一种漫不经心感的构图形式，这使他能自由深入地表现生活中的熟悉题材，而在以前还没人这样做过。他的《男人和女人》、《午睡》、《逆光中的人体》等作品，都是这期间的代表作。《镜中映像》一画体现了博纳尔艺术语言的新突破，镜子与窗户开始成为他画面的新媒介，几何形、直线、圆形越来越多的出现在他的作品中，《早餐厅》、《从工作室看窗外景色》、《浴缸中的裸女》这些他后期的代表作最为出色、最为成熟，其中又以《浴缸中的裸女》尤为最，画面被一条直线一个圆形构成，珍珠色的裸女仰卧缸中，神秘的紫色与灿烂的黄色相交汇，蓝光黄光在幻动，女裸、浴缸、流水、窗户、马赛克地板、瓷片墙壁形成五光十色的充满韵律和谐的色彩交响曲，又像是神奇莫测的宝藏叫人神往，作品把博纳尔色彩魔术师的魅力发挥到了极至。
他始终以自己特有的真实作为出发点,去作时髦与理论的叛逆.我们拿他的风景,甚至他的静物与印象派大师们,特别是莫奈的发明比较一下,便可看到一种表面上的借鉴.印象派画家们通过有意忘却作为自己借口的现实,而重申着自己的主张.事实上,博纳尔的手法是完全不同的,它是缓慢地接近一种事实,一种并非作为幻想,而是作为内部确信的真实.他十分困难地、慢慢地捕捉住它.正如他的朋友维亚尔经常痛苦地感到技法上的无力,而不得不重新去发明它.［2］他同时画好些张不同的画,有时甚至一连几年不停顿地修改它们,以使它们臻于成熟.他象蜜蜂一般地停在一幅幅的画上,用笔端摆上一块块颜色,甚至到博物馆去修改自己展出的作品,使看守人惊惶失色.博纳尔以全新的视点点去透视事物的非凡张力是得益于他的实践，即他把绘画放在独特的视觉经验之中。［３］他不愿像印象主义画家那样从一个纯客观的角度去绘画，而乐意像他的同时代的又是他亲密朋友的马蒂斯那样，去接受直接的经验主义和印象主义体制范围的自由，尽管他反对他们对肤浅表象的依赖和在形式结构上的贫乏。他把印象主义的客体和象征主义对情感和文化记忆的肯定结合起来，利用“第一印象”——每个人进入一所房子内第一眼看到的东西，借助于室内结构与色彩的思考，能够将这些东西保存下来，并将情感倾注于画布之上，最终是获取梦幻般的、充满阳光的伊甸园。
如果说雷诺阿对阳光下的色彩变化找到一种合理的表达方式，那么勃纳尔对自然界中的色彩与调性的微妙关系做了更大胆的探索。［４］他的绘画作品传递给观者以无比斑斓多彩的艺术效果，这在很大程度上得力于他对色彩运动性的深刻感受。通过画面每个位置区域色彩的不同倾向组成一个色彩的场，这个场的作用要求每个部位的色彩都得起一定的视觉刺激力。不同明度、不同色相的颜色被组织在一个平面之中，各自占据一定的色彩位置，同时对视觉产生振动，色彩的强弱变化造成了视觉的吸引与间隔，而这些运动性是基于组成整个色调中的各个色彩给人的不同心理感受，在经过画的组合之后，像音乐一样形成节奏和韵律。早期的印象主义者一直喜欢研究经水折射后空气表层的一系列变化，而勃纳尔并没有局限于对瞬间表象的感知，他用属于个人的方式，以令人信服的力量把大胆的色彩表现与细腻的心理感受想结合（毕加索所说的“犹豫不决的大杂烩”），使对色彩运用的下意识行为满足了他的关注记忆中世界的目的，从而达到画面惊人的效果。在看他的画时，有一种经强调而复杂的混合才达到的将色彩与形状融合在一起的鲜艳明亮感和颤动感，让人意识到不仅仅是在看，更有和听觉、嗅觉、皮肤感觉的表象相复合，时而引人入胜，时而又拒人千里之外的奇异感受。
从１８９８年开始，或者更早些，博纳尔的油画逐渐放弃早期作品平稳、清晰的线条、色块，转向一种不稳定的，甚至迷乱、松散，带有一种很强的梦幻色彩效果，有时竟是一种气氛。［５］博纳尔很少用原色，以中间调为主，这种高级灰的表达方式却又不影响画面层次的强烈与丰富，花色表现更加倾向主观性，英国学者冈布里奇这样写他：使用新艺术运动的发明，以特殊的技术和敏感去表现光和色在画布上闪烁的感觉，使画布仿佛变成一块织锦，他画的很多参酌表现出他的怎样避免过度强调透视法和深度感，以便让我们欣赏一幅色彩绚丽的图案。
他在老年而非暮年时的构图也是一样：激昂的或者带有洞穴中那种暗兰色的浴女，令人难以置信的动物和人物，过于饱和的静物，面目全非的风景，以不透明的黑色画出的天空，以半透明的金色绘出的阴影，碧兰的水面，玫瑰色的田野，忽而我们又看到一种光滑的发出虹彩的内景，它的明亮透明与窗外毫无生气、始终灰暗的风景截然对立。在这样的画面中，人体和房间那样完美地融合在一起，以致我们很难说是它们给周围的空间带来了色彩，还是因接受周围空间的色彩而存在。他画的人体腿部都有着和美如奇迹的金发女郎相同的冰肌玉肤。浴女的背部成为金色的偶象，在墙壁之间飘荡着。人的躯干就是反光的汇合处，似乎在显现蔚兰色的伤疤、珠瑰色的斑痕。水果篮则笼罩着神奇的阴影。没有任何人唱出过这样美妙的夏日海滨沐浴之诗；也没有任何人把暖气、瓷砖、破椅子、壁炉、布罩、丝绸袍裙、堆满礼物和剩菜、杂以苹果、柑桔的桌布升华为如此仙境。
博纳尔所处的１９世纪和２０世纪上叶，正是艺术革命运动风起云涌，日新月异之时。早期受印象主义、象征主义、日本浮世绘影响，后来逐渐摆脱上述影响独立成体。一种何时何地一看便知的博纳尔的风格，几乎的６０年如一日地锁定自己的绘画主题。他漫步于自然，关注着平淡无奇的生活，以其特有的直觉情感来感受周围世界，并儿童般纯真地倾诉在他作品中的每一笔触、每一块色上，他说过：画家要学会用眼睛去创造，这种观察方式是游动的、变幻不定的；感觉与对象并没有什么细微差别，如果你对眼前的事物很着迷，那么你就会很自然地把它表现在你的画里。博纳尔创作手法独特，决不照搬生活，而是凭记忆和草图来决定选题，可以说，他的每一幅画都承载着生命中的激动，体现着物我合一的亲切。博纳尔最拿手的还是对色彩的驾驭，他的色彩有客观的印记，更多的是主观的表达、个人的偏好，而且随心所欲，真正做到“似与不似之间”，他设色零碎、反复涂抹，效果却斑斓绚烂，把色彩的和谐性、对比性、音乐性、神秘性发挥到极点，仅凭这就足以让博纳尔屹立艺术之林。他对几何形、平面形的巧妙运用，也增添了博纳尔作品的现代味。博纳尔以敏锐的洞察力捕捉着周围生活与内心感触的形与色，一生如一地坚守自己的阵地，用一种适合自己独特的表达方式实现自我。他一高昂、从容的精神，知道自己该做什么不该做什么，他没像印象主义过分地描摹自然，却从中学小了色彩分析，也没模仿凡高气质的强烈运动色彩旋涡，却把色彩发挥得淋漓尽致，更没像高更借用遥远的太平洋神话，却一样可以任意安排主题和运用想象。当现代主义来临时，生性安静的博纳尔没有慌张地改弦易辙，由于他没有投身这场轰轰烈烈的艺术革命，被当时的评论家、画家误解，冠以“无精打采、意志薄弱”。而博纳尔却以无比的坚强一直顶着压力，坚持自己的艺术信念，这决不是保守而是保持一份自我的努力、一份清醒，事实上他一生不断潜心探求，他说：“我只是探寻自我，我不属于任何流派。”在那“旧貌换新颜”的年代，这样做需要何等毅力，正是这执著的坚持，完成了他的２２００幅油画、众多版画、素描作品，才使博纳尔坦然步入２０世纪艺术大师的行列。
参考文献
［1］《环球美术家视点系列——勃纳尔》，吉林美术出版社，第４页。
［2］http://www.mayacafe.com/forum/topic1.php3?tkey=1112104275
［3］《２０世纪世界艺术大师精品丛书——博纳尔》，湖北美术出版社，第１页。
［4］《中国美术学院具象表现绘画作品与教学——创作》，安徽美术出版社，第２６页。
［5］《美术大观》，２００１年第７期，第５４页。
标签: 木木艺术
——博纳尔
皮埃尔·博纳尔(Pierre Bonnard)生于１８６７年，从他２０岁进入巴黎朱利昂美术学院起，直至以８０岁的高龄在法国坎内(Kanneh)去世，博纳尔经历了漫长的艺术生涯。世事沧桑，博纳尔目睹了艺术界在世纪交替前后各种艺术流派纷纷扰扰的风转云行。博纳尔与同时期许多艺术家的不同点在于，除早年与“纳比派(Nabis)”有短暂的接触外，他几乎在６０年的艺术创作中一直静静地生活在他自己的艺术世界中。他似乎没有什么主张要向世人申述，也没有再在任何宣言上签过名，从没在艺术作品中提及任何政治事件，更不要要表达什么政治观点了。或博纳尔和我们一样有恐惧与厌恶，但在他作品中却了无痕迹。他的画室是他人生世界中的小天地，是他保持了６０年的一方静土，在这里他创造出围绕着他家人特别是他夫人的令人倍感亲切的意象。而他自己温文尔雅戴着宽边眼镜的形象，则一直出现在他的绘画中，成为他作品中的重要标识。人们在博纳尔的作品中看到的是纯真，热情和原动力，他的画作不是幻想，而是内心的真实，他十分在意地、慢慢地捕捉这个真实，远离非我的侵袭。
关键词：纳比派，印象主义，用色
在巴黎朱利昂美术学院的同学塞鲁西叶(Paul Serusier)、德尼(Maurice Denis)、朗松(Ina Ranson)、伊贝尔(Ibels)与博纳尔共同创立了“纳比画派”。［1］作为象征主义绘画团体的“纳比画派”（希伯莱语为预言者），他们给自己制定了方针与目标及主要的美学思想，画家兼理论家德尼为此撰写文章陈述其艺术理论宗旨：“所谓绘画，在画出战马、裸妇或什么轶事之前，本质上只是依一定秩序组合的色彩覆盖与平面之上。”即主张装饰效果。
可以说，纳比派诞生原因正是印象主义的胜利以及文学上的象征主义和高更的直接影响，这些对艺术充满苛求又极富激情的年轻人“向往一种摆脱了大自然一切字面意义的伟大绘画”，既“客观变形”又“主观变形”，还有“平涂”和“装饰” ，宣称：艺术作品是艺术家把自己综合为个人的美喻和符号，从而获得最终的视觉传达。他们这些理论，为20世纪艺术奠定了基础。纳比派这种讲究艺术的主观综合，不受写实原则的束缚，追求感受、形式的创作理念，正式２０世纪艺术所具备的特征。因而纳比派被称为20世纪现代艺术的先声。
塞鲁西叶和德尼是纳比派的“高尚理论家”，而博纳尔在纳比派中则有“日本纳比派”之称，一方面暗指他喜欢日本浮世绘，另一方面也指他常常欣赏浮世绘装饰性绘画的平涂技法及对日常生活主题的表现。作品《散步》是博纳尔在纳比派时期的杰作，这幅作品中所表现出来的装饰性是静止的，而对充满活力的生活的描绘是躁动的，这些都平衡于他精湛的艺术形式中。
１８９９年纳比派与部分象征主义画家联手举行最后一次展览后便告解散。
在上世纪前半叶成长起来的伟大的艺术家中，博纳尔热衷于反映自然界的光，他探索自然界中的色彩和色调之间永无止境的关系。他对色彩和色调的赞美远胜过其他现代主义大师。他把瞬间的模糊的感受和零星的感受当作他创作的主题，并无目的地进行一系列的创作尝试，采用多幅画面表现一个场景的方法，来描绘出不同的感觉范畴。同时，博纳尔与印象派画家相比走得更远，他不仅有意识地关注自然，而且关注记忆中的世界。在他的意识中，回忆本身就是使愿望得到一种满足，这种愿望也必定是诞生新思维的主旨。这种新思维成为博纳尔为上世纪的艺术所作出的贡献。
１９００年开始，博纳尔更加轻松，他日常外出旅行，在法国北部和南部画了一系列表现莫测光色的田园景致，后来他在乡间过着简朴、近似隐居的生活，这便使他有更多的时间与心境去探求艺术的真谛，他发展了色彩语言，突破了印象主义过分依赖自然的不足，既而发展了一种偏离中心的、给人一种漫不经心感的构图形式，这使他能自由深入地表现生活中的熟悉题材，而在以前还没人这样做过。他的《男人和女人》、《午睡》、《逆光中的人体》等作品，都是这期间的代表作。《镜中映像》一画体现了博纳尔艺术语言的新突破，镜子与窗户开始成为他画面的新媒介，几何形、直线、圆形越来越多的出现在他的作品中，《早餐厅》、《从工作室看窗外景色》、《浴缸中的裸女》这些他后期的代表作最为出色、最为成熟，其中又以《浴缸中的裸女》尤为最，画面被一条直线一个圆形构成，珍珠色的裸女仰卧缸中，神秘的紫色与灿烂的黄色相交汇，蓝光黄光在幻动，女裸、浴缸、流水、窗户、马赛克地板、瓷片墙壁形成五光十色的充满韵律和谐的色彩交响曲，又像是神奇莫测的宝藏叫人神往，作品把博纳尔色彩魔术师的魅力发挥到了极至。
他始终以自己特有的真实作为出发点,去作时髦与理论的叛逆.我们拿他的风景,甚至他的静物与印象派大师们,特别是莫奈的发明比较一下,便可看到一种表面上的借鉴.印象派画家们通过有意忘却作为自己借口的现实,而重申着自己的主张.事实上,博纳尔的手法是完全不同的,它是缓慢地接近一种事实,一种并非作为幻想,而是作为内部确信的真实.他十分困难地、慢慢地捕捉住它.正如他的朋友维亚尔经常痛苦地感到技法上的无力,而不得不重新去发明它.［2］他同时画好些张不同的画,有时甚至一连几年不停顿地修改它们,以使它们臻于成熟.他象蜜蜂一般地停在一幅幅的画上,用笔端摆上一块块颜色,甚至到博物馆去修改自己展出的作品,使看守人惊惶失色.博纳尔以全新的视点点去透视事物的非凡张力是得益于他的实践，即他把绘画放在独特的视觉经验之中。［３］他不愿像印象主义画家那样从一个纯客观的角度去绘画，而乐意像他的同时代的又是他亲密朋友的马蒂斯那样，去接受直接的经验主义和印象主义体制范围的自由，尽管他反对他们对肤浅表象的依赖和在形式结构上的贫乏。他把印象主义的客体和象征主义对情感和文化记忆的肯定结合起来，利用“第一印象”——每个人进入一所房子内第一眼看到的东西，借助于室内结构与色彩的思考，能够将这些东西保存下来，并将情感倾注于画布之上，最终是获取梦幻般的、充满阳光的伊甸园。
如果说雷诺阿对阳光下的色彩变化找到一种合理的表达方式，那么勃纳尔对自然界中的色彩与调性的微妙关系做了更大胆的探索。［４］他的绘画作品传递给观者以无比斑斓多彩的艺术效果，这在很大程度上得力于他对色彩运动性的深刻感受。通过画面每个位置区域色彩的不同倾向组成一个色彩的场，这个场的作用要求每个部位的色彩都得起一定的视觉刺激力。不同明度、不同色相的颜色被组织在一个平面之中，各自占据一定的色彩位置，同时对视觉产生振动，色彩的强弱变化造成了视觉的吸引与间隔，而这些运动性是基于组成整个色调中的各个色彩给人的不同心理感受，在经过画的组合之后，像音乐一样形成节奏和韵律。早期的印象主义者一直喜欢研究经水折射后空气表层的一系列变化，而勃纳尔并没有局限于对瞬间表象的感知，他用属于个人的方式，以令人信服的力量把大胆的色彩表现与细腻的心理感受想结合（毕加索所说的“犹豫不决的大杂烩”），使对色彩运用的下意识行为满足了他的关注记忆中世界的目的，从而达到画面惊人的效果。在看他的画时，有一种经强调而复杂的混合才达到的将色彩与形状融合在一起的鲜艳明亮感和颤动感，让人意识到不仅仅是在看，更有和听觉、嗅觉、皮肤感觉的表象相复合，时而引人入胜，时而又拒人千里之外的奇异感受。
从１８９８年开始，或者更早些，博纳尔的油画逐渐放弃早期作品平稳、清晰的线条、色块，转向一种不稳定的，甚至迷乱、松散，带有一种很强的梦幻色彩效果，有时竟是一种气氛。［５］博纳尔很少用原色，以中间调为主，这种高级灰的表达方式却又不影响画面层次的强烈与丰富，花色表现更加倾向主观性，英国学者冈布里奇这样写他：使用新艺术运动的发明，以特殊的技术和敏感去表现光和色在画布上闪烁的感觉，使画布仿佛变成一块织锦，他画的很多参酌表现出他的怎样避免过度强调透视法和深度感，以便让我们欣赏一幅色彩绚丽的图案。
他在老年而非暮年时的构图也是一样：激昂的或者带有洞穴中那种暗兰色的浴女，令人难以置信的动物和人物，过于饱和的静物，面目全非的风景，以不透明的黑色画出的天空，以半透明的金色绘出的阴影，碧兰的水面，玫瑰色的田野，忽而我们又看到一种光滑的发出虹彩的内景，它的明亮透明与窗外毫无生气、始终灰暗的风景截然对立。在这样的画面中，人体和房间那样完美地融合在一起，以致我们很难说是它们给周围的空间带来了色彩，还是因接受周围空间的色彩而存在。他画的人体腿部都有着和美如奇迹的金发女郎相同的冰肌玉肤。浴女的背部成为金色的偶象，在墙壁之间飘荡着。人的躯干就是反光的汇合处，似乎在显现蔚兰色的伤疤、珠瑰色的斑痕。水果篮则笼罩着神奇的阴影。没有任何人唱出过这样美妙的夏日海滨沐浴之诗；也没有任何人把暖气、瓷砖、破椅子、壁炉、布罩、丝绸袍裙、堆满礼物和剩菜、杂以苹果、柑桔的桌布升华为如此仙境。
博纳尔所处的１９世纪和２０世纪上叶，正是艺术革命运动风起云涌，日新月异之时。早期受印象主义、象征主义、日本浮世绘影响，后来逐渐摆脱上述影响独立成体。一种何时何地一看便知的博纳尔的风格，几乎的６０年如一日地锁定自己的绘画主题。他漫步于自然，关注着平淡无奇的生活，以其特有的直觉情感来感受周围世界，并儿童般纯真地倾诉在他作品中的每一笔触、每一块色上，他说过：画家要学会用眼睛去创造，这种观察方式是游动的、变幻不定的；感觉与对象并没有什么细微差别，如果你对眼前的事物很着迷，那么你就会很自然地把它表现在你的画里。博纳尔创作手法独特，决不照搬生活，而是凭记忆和草图来决定选题，可以说，他的每一幅画都承载着生命中的激动，体现着物我合一的亲切。博纳尔最拿手的还是对色彩的驾驭，他的色彩有客观的印记，更多的是主观的表达、个人的偏好，而且随心所欲，真正做到“似与不似之间”，他设色零碎、反复涂抹，效果却斑斓绚烂，把色彩的和谐性、对比性、音乐性、神秘性发挥到极点，仅凭这就足以让博纳尔屹立艺术之林。他对几何形、平面形的巧妙运用，也增添了博纳尔作品的现代味。博纳尔以敏锐的洞察力捕捉着周围生活与内心感触的形与色，一生如一地坚守自己的阵地，用一种适合自己独特的表达方式实现自我。他一高昂、从容的精神，知道自己该做什么不该做什么，他没像印象主义过分地描摹自然，却从中学小了色彩分析，也没模仿凡高气质的强烈运动色彩旋涡，却把色彩发挥得淋漓尽致，更没像高更借用遥远的太平洋神话，却一样可以任意安排主题和运用想象。当现代主义来临时，生性安静的博纳尔没有慌张地改弦易辙，由于他没有投身这场轰轰烈烈的艺术革命，被当时的评论家、画家误解，冠以“无精打采、意志薄弱”。而博纳尔却以无比的坚强一直顶着压力，坚持自己的艺术信念，这决不是保守而是保持一份自我的努力、一份清醒，事实上他一生不断潜心探求，他说：“我只是探寻自我，我不属于任何流派。”在那“旧貌换新颜”的年代，这样做需要何等毅力，正是这执著的坚持，完成了他的２２００幅油画、众多版画、素描作品，才使博纳尔坦然步入２０世纪艺术大师的行列。
参考文献
［1］《环球美术家视点系列——勃纳尔》，吉林美术出版社，第４页。
［2］http://www.mayacafe.com/forum/topic1.php3?tkey=1112104275
［3］《２０世纪世界艺术大师精品丛书——博纳尔》，湖北美术出版社，第１页。
［4］《中国美术学院具象表现绘画作品与教学——创作》，安徽美术出版社，第２６页。
［5］《美术大观》，２００１年第７期，第５４页。
标签: 木木艺术
