云上的日子
电影艺术相较于绘画、雕塑等，不过百年历史，还相当年轻，但现在已是在艺术世界中不 可缺少的重要部分——“第七艺术”。经过几代电影艺术家共同努力，电影已取得迅猛发展。由卢米．爱尔兄弟改造了爱迪生的“电影透视箱”发明了“电影”（Le cinｅmatographe）到乔治．梅里爱创造了一些新的技术方法，再到1907年百代电影公司的建立，电影作为一门由艺术与商业完美结合的艺术作品展现在世人面前。在这里，浅浅的几千字，是写不出电影历史的，而我只能选择一部电影来展示一下它的魅力。
我喜欢的影片有很多，为避免大家对陌生片子的困惑，所以我选择这部很多人都看过的片子来阐述一下——米开朗基罗．安东尼奥尼的《云上的日子》。
首先，应对其背景有些了解。这是意大利新现实主义末期大师安东尼奥尼的收山之作。拍摄于1994年，当时的老人已经沉寂十多年，因疾病丧失了说话的权利，屈服在轮椅上，只能通过妻子来表达思想。当他决定拍摄这部影片时，一向景仰他的德国著名导演维姆．门德斯，甘为马前走卒，担当了执行导演。安东尼奥尼选择了自己的短篇小说集《泰伯河上的保龄球道》中四个故事，衍生了一段《云上的日子》留下大师最后的手势。
剧中一个卡夫卡式的导演，眼神不安的漂移，他游走在传说似的故事中，用他的眼睛诉说这四个故事：
偶遇的青年男女卡门和施凡洛互生爱意，却在迟疑中，幸福像手中的沙砾泻出。即使再次相遇，却因为对完美的追求而选择放弃，只留下凭窗而望的双眼和无可奈何的背影。
然后第二个故事属于这双眼睛的主人，剧中的导演。他来到一个叫拉玛卡娜的小镇，海水的苍凉注入了一缕青涩的潮湿。他遇见一个杀了父亲并砍了十二刀的美丽女子，眼神如冬日的海浪，不安中裹着如荼的火焰，两人的真实相触在瑟瑟风中，连欢愉也带着无处可藏的孤寂。
而在城市的某处，男人在妻子与情人面前左右逢源。最后妻子走了，搬空了家。当另一个女人来租房时，他面临和这个女人丈夫同样的问题。
青石路的幽静，是这个美丽的女孩更加丽质动人，英俊的男孩对她紧追不舍。从街道到水池到教堂，雨陪伴着他们。最后到了女孩家，女孩说：“我明天要去当修女。”
《云上的日子》的确是“云上的日子”。青涩朴质的故事使心灵隐隐作痛，冥冥的忧伤在冰冷与无奈交织的眼神中如云一般清晰又遥不可及，生命的爱欲流动倾注在每一个人的心中……现在就来分析一下影片及涵义。
片头代表了整部影片。蓝底白字没有任何修饰。安东尼奥尼用隐喻来表达自己的观点，靠画面说话。蓝色的深邃表达了客观的态度，表现了内心的孤独感，记忆的深邃，使人们在记忆中存活。
影片开始用一个角色即那个导演的独白展开：“我相信生命里有一种动力驱使我前进，它是生命的过去和未来的源泉，但我们每每停留在现在，然后骗自己以为与世界同步变化，而其实我们恐怕是冥顽不灵的原地踏步。”导演的工作是捕捉生活的表象，而这段话即表明了他的观念，也告诉了我们他的目的——不止剧中导演，包括这部电影所揭示的目的——发现事物背后的东西。接着大雾的画面表现人与人之间的状态：现代社会中人与人交流的隔阂。一组长廊镜头切换到叙述的故事，将导演、角色、情节、故事等紧密的混杂。另外，影片并不注重因果叙事关系，没有交代性场面，所以看起来有断裂感，但也凭添了思考的空间。
进入了第一段故事，卡门与施凡洛。技巧上，戏剧性的故事，但未用镜头调度，并没有使情节戏剧性，很客观，是影片故事本身的戏剧性，而并非镜头的戏剧性，冷静的阐述，不用导演的想法来控制观众的想法。情节上，两人第一次相遇因客观原因而离开；第二次是主观上，两人意愿的冷静的离开。感情上，细腻的情感表述，因为两人的记忆中对于彼此是美好的，中间的两三年未知的经历，以及特定的时间、场合下的欲望与理智，向往、疑惑、好奇，还有各自未知的生活背景、价值观，纠缠着这份纯真的爱，以至对这种纯真的爱产生了瑕疵，而回忆中曾经那份爱，只在记忆中，不可再现，很单纯、神圣。哲学上，表述了曾经的美好在后来的经历中已经找不回，为了保存这份感情的纯真，宁可选择迷失、逃避。
苏珊．朗格曾说过：“人不可能两次踏入同一条河流。”在儿童嬉戏的海滩边一所废弃的电话亭拿了一张照片。这张照片暗示了下一个故事的环境，而这一段又与第一段暗藏联系，是对纯真的怀念，即苏珊．朗格的那句话。
第二段故事的背景是那个风光旖旎的海边小镇。技术上，同样是情节上的直率，并不用刻意营造的情节来叙述这段一夜情的因果。感情上，这个美丽女子对导演的爱，仿佛是与她父亲的爱的延续，似乎是一种乱伦的畸爱；而导演对这个女人的感情是怀着强烈的好奇心的：这个女人是谁？为什么杀了父亲？等等。而在欢愉之后，这一切都不重要了，两人都寻求到了内心的平静与解脱，究其原因或许在于“弑父”与“恋父”的因果关系。哲学观点是人们对于未知世界的探求，表现人的沦丧，爱情与情欲相离。
第三段是个黑色幽默。技巧上使之情节戏剧化，这种中年的婚外情已是随处可见的事件，相较于前两段，这一段显得富有激情，或许因为一段爱中，三个人太拥挤了。在感情上，男人在外地工作的寂寞，自然产生了情人。而我觉得是男人对青春年华的眷恋，这也是中年男人更易发生婚外恋的原因之一，是对青春的向往。而使之一切发生的可能却是人们沟通交流的不确定性，及思想的隔阂，再深究其因，即是“人性本恶”，可曾听过“最爱”“次爱”的说法吗？在男人心中，只有“次爱”没有“最爱”，最爱的只有自己，以至造成沟通上的隔阂。哲学上的观点即是对事物的追求永无止境，层层深入，即安东尼奥尼说的：“追求绝对无人可知的迷一样的终极现实。”
火车飞驰而过，男人救下卧轨的女人。画外音：“疑惑、救赎、懊悔，我们的思维经验、文化、灵感、想象力和感性的局限，我感到庸懒，与其反复思索，毋宁去感受生活。”这段作为引导第四段的一个暗示，也是本片主旨之一—救赎。
然后画面插入一段与本片似乎没有什么联系——老画家在模仿大师作品。有一句话：“临摹大师名作，等于重复他的动作，或可意外的捕捉他的手势……哪怕捕捉到大师的一个手势，也比我胡乱涂鸦更能满足我。”本片的执行导演门德斯对安东尼奥尼非常崇拜，这句话似乎表述了他对大师的崇敬之情。
第四段情节一直推进，到了高潮时，突然峰回路转，打碎我们本已建立的幻象，让我们的感情遭受一次打击。两人的感情就像海水与火焰。男孩青春的炙热，而女孩却像海水的宁静，因为她害怕将青春丢失，宁可交给上帝，得到上帝的圣爱。富有哲理的阐述对爱情的看法，爱情的神圣，肉体的欲念，表明这两个态度的相存相悖。“放弃肉体的欲念，就会得到广阔的宁静。”
最后，一组长镜头推向一排透着灯光的窗户：赤裸的人体、倚窗的女人、孤独的面孔……以及导演在一扇窗子后面忽隐忽现，强化了主题：男女个体的孤独并不能因肉体的欲恋而消失。
纵观整部电影，处处隐喻，暗藏玄机。每个角色，画面镜头，声音语言都富有深刻的哲学含义。
对比一下四个故事中的女人。卡门，代表了青春叛逆；小镇上的女子，正值女人一生最为艳丽的时节，代表了肉体欢愉与寂寞；两个卷走丈夫财产的成熟女人，中年危机，处在美好与衰败之间，代表了人的矛盾；最后那个信教的女孩，成为修女——“美人迟暮”，代表了救赎。她们各自代表了一种态度、一种信仰、一种生活，却都让人惋惜，都让人有种欲哭无泪的感觉。
再注意所有的窗户、玻璃。片头，导演在飞机上向窗外看。第一段中，在旅馆中拉开窗帘；二次相遇，男人在女孩家的窗前向外看；离开女孩家时——这组镜头很美：男人慢慢走向镜头，在他走出画面时，镜头飘起推进，一扇小窗，女孩在无奈的张望。第二段，导演在商店前隔着玻璃门看这个女子；两人欢愉之后，导演走了，女子站到窗前，细腻的皮肤流淌着炙灼的青春。第三段，男人回到家，妻子隔着玻璃和他调情；男人在窗前与情人做爱。第四段，街道两边都是窗户，避雨时也有对窗户的描写。最后，一组长镜头展现了窗子后面的人生百像；然后，导演以窥视的镜头出现在窗子后又隐没。首先，窗户是一个视点，可以由人向外窥视一切，人的自我封闭，但又对未知世界的探求，所以代表窥视；然后，隔着的这层玻璃，正是人们情感交流的隔阂，看似清楚清晰又遥不可及，切合主题；这是人们相互了解的障碍，不可知，不真实，不彻底，是在内心中隐藏着的保护自己的屏障。
再来分析一下几段情爱场面。片中，有一个观点是贯穿始终的：“爱情与情欲的相离”。第一段，确切的说没有性。细致的光线轻抚在卡门光洁的皮肤上，我们看到的只是一次次抚摩，更是试探，欲拒还迎，突然两人都冷然了。他们爱着对方，却不用情欲来完成这份爱，似乎是遗憾，却使这种情感一直存在，精神上是不可撤消的，是爱情与情欲的相离。小镇女子与导演之间没有存在爱情，即使有爱，也是对一个残留的影像的爱，他们的床戏很笨拙，没有技巧，没有美感，以至他们回到人类最原始最本源的欲望中，同样是爱情与情欲的相离。第三段，更加直白，男人究竟爱谁，他自己也不清楚。和妻子的调情与情人激烈的交欢，都并非他真实去爱的意识，同样切合主题。第四段中，没有任何的欢愉场面，却用最直接的哲学般的对话来阐述观点。
影片大量的独白，以及诗意般的对白，更是一句句禅机。如“说话从不像声音般变成你的一部分”。每个人的理解都不同，我认为在影片中，或许是想表达真实与虚幻的关系，说话永远是不真实的，语言是人们交流的隔阂，因为人们总用谎言来保护自己，而声音永远是属于真实的。再如“他说他们走的太快，把灵魂也丢掉了，所以要等一等”。太精彩了！简简单单的对话，却将现代人的情感诠释清了。工作、生活、学习、爱情……终于在奔波中迷失了真正的自己，只剩下一个左右逢源的躯壳。还有许多就不一一列举了。
写到这里，已经对影片有一个较为粗浅的认识了，就像电影本身，看似精致朴质，简单平实，却处处隐喻，处处禅机。这几千字并不能完全阐述大师的意念，但也只能如此了。再来看看大师作品的特征。
可以用两个字来概括大师的主题：“异化”。人的异化问题，社会沟通的断裂，人与人理解的消失，以及人们对生活现实愿望的麻木。这个主题正是西方哲学的一个代表“存在主义”。是形而上学的哲学观在艺术作品中的体现。归纳一下大师作品的特点：一、关心和追随人物的行为和心理变化；二、强调背景的选择与人物思想感情的关系。大师一生的作品都围绕着对人的探索，从开山之作《喊叫》以及《夜》、《蚀》、《红色沙漠》的“人的孤独四部曲”，转变到《放大》、《中国》等等，都有着现实意义：现代社会中人在精神上的空虚贫乏和在道德上的混乱、沦丧以及人与人在情感上的难以沟通。大师曾说：“我不是学盲目服从日常生活的进程，但我认为通过这种力求符合真实（包括精神的、内心的，以至道德的绝对真实）的尝试，将会促成某种今天正在逐渐形成的现代电影，这种电影并不十分注重外部的东西，而是更为关心那些左右着我们行为的力量。”大师的艺术风格是追求隐喻象征，即佛家的“见佛亦佛亦非佛”的道理。当然仅仅这些符号的文字是不够解释大师的。
安东尼奥尼的确是位大师，但毕竟只是意大利电影艺术的一方面。意大利还有诸如帕索里尼“痛苦的现实”，费里尼的“理性主义”等等。而意大利电影也只是世界电影中的沧海一粟，所以电影艺术的博大精深是毋庸置疑的。
这篇文章就一部电影来粗浅的探讨了一下电影的魅力，很多地方也都浅尝辄止了，仅仅用些概括的、典型的东西来阐述，但作为了解已是差不多了。
我喜欢的影片有很多，为避免大家对陌生片子的困惑，所以我选择这部很多人都看过的片子来阐述一下——米开朗基罗．安东尼奥尼的《云上的日子》。
首先，应对其背景有些了解。这是意大利新现实主义末期大师安东尼奥尼的收山之作。拍摄于1994年，当时的老人已经沉寂十多年，因疾病丧失了说话的权利，屈服在轮椅上，只能通过妻子来表达思想。当他决定拍摄这部影片时，一向景仰他的德国著名导演维姆．门德斯，甘为马前走卒，担当了执行导演。安东尼奥尼选择了自己的短篇小说集《泰伯河上的保龄球道》中四个故事，衍生了一段《云上的日子》留下大师最后的手势。
剧中一个卡夫卡式的导演，眼神不安的漂移，他游走在传说似的故事中，用他的眼睛诉说这四个故事：
偶遇的青年男女卡门和施凡洛互生爱意，却在迟疑中，幸福像手中的沙砾泻出。即使再次相遇，却因为对完美的追求而选择放弃，只留下凭窗而望的双眼和无可奈何的背影。
然后第二个故事属于这双眼睛的主人，剧中的导演。他来到一个叫拉玛卡娜的小镇，海水的苍凉注入了一缕青涩的潮湿。他遇见一个杀了父亲并砍了十二刀的美丽女子，眼神如冬日的海浪，不安中裹着如荼的火焰，两人的真实相触在瑟瑟风中，连欢愉也带着无处可藏的孤寂。
而在城市的某处，男人在妻子与情人面前左右逢源。最后妻子走了，搬空了家。当另一个女人来租房时，他面临和这个女人丈夫同样的问题。
青石路的幽静，是这个美丽的女孩更加丽质动人，英俊的男孩对她紧追不舍。从街道到水池到教堂，雨陪伴着他们。最后到了女孩家，女孩说：“我明天要去当修女。”
《云上的日子》的确是“云上的日子”。青涩朴质的故事使心灵隐隐作痛，冥冥的忧伤在冰冷与无奈交织的眼神中如云一般清晰又遥不可及，生命的爱欲流动倾注在每一个人的心中……现在就来分析一下影片及涵义。
片头代表了整部影片。蓝底白字没有任何修饰。安东尼奥尼用隐喻来表达自己的观点，靠画面说话。蓝色的深邃表达了客观的态度，表现了内心的孤独感，记忆的深邃，使人们在记忆中存活。
影片开始用一个角色即那个导演的独白展开：“我相信生命里有一种动力驱使我前进，它是生命的过去和未来的源泉，但我们每每停留在现在，然后骗自己以为与世界同步变化，而其实我们恐怕是冥顽不灵的原地踏步。”导演的工作是捕捉生活的表象，而这段话即表明了他的观念，也告诉了我们他的目的——不止剧中导演，包括这部电影所揭示的目的——发现事物背后的东西。接着大雾的画面表现人与人之间的状态：现代社会中人与人交流的隔阂。一组长廊镜头切换到叙述的故事，将导演、角色、情节、故事等紧密的混杂。另外，影片并不注重因果叙事关系，没有交代性场面，所以看起来有断裂感，但也凭添了思考的空间。
进入了第一段故事，卡门与施凡洛。技巧上，戏剧性的故事，但未用镜头调度，并没有使情节戏剧性，很客观，是影片故事本身的戏剧性，而并非镜头的戏剧性，冷静的阐述，不用导演的想法来控制观众的想法。情节上，两人第一次相遇因客观原因而离开；第二次是主观上，两人意愿的冷静的离开。感情上，细腻的情感表述，因为两人的记忆中对于彼此是美好的，中间的两三年未知的经历，以及特定的时间、场合下的欲望与理智，向往、疑惑、好奇，还有各自未知的生活背景、价值观，纠缠着这份纯真的爱，以至对这种纯真的爱产生了瑕疵，而回忆中曾经那份爱，只在记忆中，不可再现，很单纯、神圣。哲学上，表述了曾经的美好在后来的经历中已经找不回，为了保存这份感情的纯真，宁可选择迷失、逃避。
苏珊．朗格曾说过：“人不可能两次踏入同一条河流。”在儿童嬉戏的海滩边一所废弃的电话亭拿了一张照片。这张照片暗示了下一个故事的环境，而这一段又与第一段暗藏联系，是对纯真的怀念，即苏珊．朗格的那句话。
第二段故事的背景是那个风光旖旎的海边小镇。技术上，同样是情节上的直率，并不用刻意营造的情节来叙述这段一夜情的因果。感情上，这个美丽女子对导演的爱，仿佛是与她父亲的爱的延续，似乎是一种乱伦的畸爱；而导演对这个女人的感情是怀着强烈的好奇心的：这个女人是谁？为什么杀了父亲？等等。而在欢愉之后，这一切都不重要了，两人都寻求到了内心的平静与解脱，究其原因或许在于“弑父”与“恋父”的因果关系。哲学观点是人们对于未知世界的探求，表现人的沦丧，爱情与情欲相离。
第三段是个黑色幽默。技巧上使之情节戏剧化，这种中年的婚外情已是随处可见的事件，相较于前两段，这一段显得富有激情，或许因为一段爱中，三个人太拥挤了。在感情上，男人在外地工作的寂寞，自然产生了情人。而我觉得是男人对青春年华的眷恋，这也是中年男人更易发生婚外恋的原因之一，是对青春的向往。而使之一切发生的可能却是人们沟通交流的不确定性，及思想的隔阂，再深究其因，即是“人性本恶”，可曾听过“最爱”“次爱”的说法吗？在男人心中，只有“次爱”没有“最爱”，最爱的只有自己，以至造成沟通上的隔阂。哲学上的观点即是对事物的追求永无止境，层层深入，即安东尼奥尼说的：“追求绝对无人可知的迷一样的终极现实。”
火车飞驰而过，男人救下卧轨的女人。画外音：“疑惑、救赎、懊悔，我们的思维经验、文化、灵感、想象力和感性的局限，我感到庸懒，与其反复思索，毋宁去感受生活。”这段作为引导第四段的一个暗示，也是本片主旨之一—救赎。
然后画面插入一段与本片似乎没有什么联系——老画家在模仿大师作品。有一句话：“临摹大师名作，等于重复他的动作，或可意外的捕捉他的手势……哪怕捕捉到大师的一个手势，也比我胡乱涂鸦更能满足我。”本片的执行导演门德斯对安东尼奥尼非常崇拜，这句话似乎表述了他对大师的崇敬之情。
第四段情节一直推进，到了高潮时，突然峰回路转，打碎我们本已建立的幻象，让我们的感情遭受一次打击。两人的感情就像海水与火焰。男孩青春的炙热，而女孩却像海水的宁静，因为她害怕将青春丢失，宁可交给上帝，得到上帝的圣爱。富有哲理的阐述对爱情的看法，爱情的神圣，肉体的欲念，表明这两个态度的相存相悖。“放弃肉体的欲念，就会得到广阔的宁静。”
最后，一组长镜头推向一排透着灯光的窗户：赤裸的人体、倚窗的女人、孤独的面孔……以及导演在一扇窗子后面忽隐忽现，强化了主题：男女个体的孤独并不能因肉体的欲恋而消失。
纵观整部电影，处处隐喻，暗藏玄机。每个角色，画面镜头，声音语言都富有深刻的哲学含义。
对比一下四个故事中的女人。卡门，代表了青春叛逆；小镇上的女子，正值女人一生最为艳丽的时节，代表了肉体欢愉与寂寞；两个卷走丈夫财产的成熟女人，中年危机，处在美好与衰败之间，代表了人的矛盾；最后那个信教的女孩，成为修女——“美人迟暮”，代表了救赎。她们各自代表了一种态度、一种信仰、一种生活，却都让人惋惜，都让人有种欲哭无泪的感觉。
再注意所有的窗户、玻璃。片头，导演在飞机上向窗外看。第一段中，在旅馆中拉开窗帘；二次相遇，男人在女孩家的窗前向外看；离开女孩家时——这组镜头很美：男人慢慢走向镜头，在他走出画面时，镜头飘起推进，一扇小窗，女孩在无奈的张望。第二段，导演在商店前隔着玻璃门看这个女子；两人欢愉之后，导演走了，女子站到窗前，细腻的皮肤流淌着炙灼的青春。第三段，男人回到家，妻子隔着玻璃和他调情；男人在窗前与情人做爱。第四段，街道两边都是窗户，避雨时也有对窗户的描写。最后，一组长镜头展现了窗子后面的人生百像；然后，导演以窥视的镜头出现在窗子后又隐没。首先，窗户是一个视点，可以由人向外窥视一切，人的自我封闭，但又对未知世界的探求，所以代表窥视；然后，隔着的这层玻璃，正是人们情感交流的隔阂，看似清楚清晰又遥不可及，切合主题；这是人们相互了解的障碍，不可知，不真实，不彻底，是在内心中隐藏着的保护自己的屏障。
再来分析一下几段情爱场面。片中，有一个观点是贯穿始终的：“爱情与情欲的相离”。第一段，确切的说没有性。细致的光线轻抚在卡门光洁的皮肤上，我们看到的只是一次次抚摩，更是试探，欲拒还迎，突然两人都冷然了。他们爱着对方，却不用情欲来完成这份爱，似乎是遗憾，却使这种情感一直存在，精神上是不可撤消的，是爱情与情欲的相离。小镇女子与导演之间没有存在爱情，即使有爱，也是对一个残留的影像的爱，他们的床戏很笨拙，没有技巧，没有美感，以至他们回到人类最原始最本源的欲望中，同样是爱情与情欲的相离。第三段，更加直白，男人究竟爱谁，他自己也不清楚。和妻子的调情与情人激烈的交欢，都并非他真实去爱的意识，同样切合主题。第四段中，没有任何的欢愉场面，却用最直接的哲学般的对话来阐述观点。
影片大量的独白，以及诗意般的对白，更是一句句禅机。如“说话从不像声音般变成你的一部分”。每个人的理解都不同，我认为在影片中，或许是想表达真实与虚幻的关系，说话永远是不真实的，语言是人们交流的隔阂，因为人们总用谎言来保护自己，而声音永远是属于真实的。再如“他说他们走的太快，把灵魂也丢掉了，所以要等一等”。太精彩了！简简单单的对话，却将现代人的情感诠释清了。工作、生活、学习、爱情……终于在奔波中迷失了真正的自己，只剩下一个左右逢源的躯壳。还有许多就不一一列举了。
写到这里，已经对影片有一个较为粗浅的认识了，就像电影本身，看似精致朴质，简单平实，却处处隐喻，处处禅机。这几千字并不能完全阐述大师的意念，但也只能如此了。再来看看大师作品的特征。
可以用两个字来概括大师的主题：“异化”。人的异化问题，社会沟通的断裂，人与人理解的消失，以及人们对生活现实愿望的麻木。这个主题正是西方哲学的一个代表“存在主义”。是形而上学的哲学观在艺术作品中的体现。归纳一下大师作品的特点：一、关心和追随人物的行为和心理变化；二、强调背景的选择与人物思想感情的关系。大师一生的作品都围绕着对人的探索，从开山之作《喊叫》以及《夜》、《蚀》、《红色沙漠》的“人的孤独四部曲”，转变到《放大》、《中国》等等，都有着现实意义：现代社会中人在精神上的空虚贫乏和在道德上的混乱、沦丧以及人与人在情感上的难以沟通。大师曾说：“我不是学盲目服从日常生活的进程，但我认为通过这种力求符合真实（包括精神的、内心的，以至道德的绝对真实）的尝试，将会促成某种今天正在逐渐形成的现代电影，这种电影并不十分注重外部的东西，而是更为关心那些左右着我们行为的力量。”大师的艺术风格是追求隐喻象征，即佛家的“见佛亦佛亦非佛”的道理。当然仅仅这些符号的文字是不够解释大师的。
安东尼奥尼的确是位大师，但毕竟只是意大利电影艺术的一方面。意大利还有诸如帕索里尼“痛苦的现实”，费里尼的“理性主义”等等。而意大利电影也只是世界电影中的沧海一粟，所以电影艺术的博大精深是毋庸置疑的。
这篇文章就一部电影来粗浅的探讨了一下电影的魅力，很多地方也都浅尝辄止了，仅仅用些概括的、典型的东西来阐述，但作为了解已是差不多了。