【译】2018摄影强大的佳作盘点
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《光影创作课》是我编辑生涯的第一本书,也因此有缘关注起了邦雅曼·贝热里大大。他在ASC应该算是扛把子级别的业务骨干了。ASC官网以前只有三个官博(现在已经六个),其中一个是现任主席的专栏,常驻博主中一位是知名电影摄影师、现任奥斯卡学院主席John Bailey,另一位就是邦雅曼大大了。去年一气儿翻译了他【17佳片盘点】和【18行业展望】两篇博文,反响不错,今年继续吧!(内容有点多,感谢腾讯翻译君让这项活动轻松许多,基本是在它的基础上修改一些语句,尤其是专业术语。专注在准确性上,语句略粗糙,见谅~ 另外描述片子内容的部分,因为这些片子好多还没看到,可能有出入,敬请指出,谢谢)
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这篇文章回顾了在2018年的 Camerimage 电影节上展示的10部电影,它们的强大的摄影技术以及相应的美学方法和工具给我留下了深刻的印象。当然,2018年有很多值得期待的电影我还没有看过,所以我自然还会在今后的博客文章中补充这份清单。
艺术与技术
在过去的文章中,我已注意到当代电影摄影和电影制作中的不同美学方法。今天提及的影片可以打上以下几类美学标签:
◇ 新自然主义(New Naturalism )——追求自然主义和真实感,一镜到底(后面提到一个词叫plano secuencia,其实就是段落镜头吧),自然光,以及偶然性,让观众沉浸在一个感觉整体、自然、真实的世界中。
◇ 新真实电影(Neo Vérité)——寻求一种真实电影纪录片的感觉,使用手持摄影运动、实景和非职业演员,将观众带入一个现实的世界。
◇ 电影表现主义(Cine Expressionism)——寻求用强烈的视觉呈现、生动的色彩或不寻常的摄影机动作来表现主人公的主观内心世界。
◇ 变体——当然,今天的电影摄影并不能简单地分类。大多数摄影师会结合各种风格来描绘主人公的旅程。摄影师还会创造不同的视觉呈现,以突出发生在不同时期、地点,不同人物身上的故事。

电影是一种技术化的艺术形式,因此,如今美学方法的多样性是通过丰富的技术工具手段来实现的。今天提及的影片涵盖了以下几方面的差异:
◪ 摄影格式(Camera formats) 包括16毫米,35毫米,65毫米,Imax底片,超35的数字传感器和大格式Alexa65,这些格式可以提供不同的视野和质感。
◪ 镜头选择(Lens choices) 从老款镜头到当下新款应有尽有,有球形和变形的Kowa;Mark II、UltraPrime和Master Prime Zeiss;Angénieux、Canon和Fujinon的变焦镜头;老式Cooke和Vantage C系列变形镜头;以及大画幅ARRI Prime 65s和Imax Hasselblad。有些摄影师在同一部电影中混合了不同的镜头。今天提到的影片中,大多数创作者都喜欢稍广角的镜头,通常靠近演员来拍摄。
◪ 色彩选择(Color choices)涵盖从黑白到强烈的色彩。许多摄影师会与美术师合作,为每部电影设计配色方案,并在与DI调色师的合作中完善。
◪ 摄影机运动(Camera movement)各种摄影车、摇臂、小摇臂、肩扛或手持辅助设备、斯坦尼康、手持云台和无人机,来引导观众视线投入故事。
◪ 灵活的画幅 (Elastic frames)宽高比包括1.37、1.85和2.40:1。值得注意的是,今天提到的10部电影中有7部是以2.40:1的格式制作的。
广泛的艺术和技术方面的选择,显示了当代电影摄影的丰富性,当然还需要强大的导演和故事。
请注意,下面的影片顺序是一个从自然主义到表现主义的不严格的排列。这不是十佳片单。
<= 新自然主义 =>
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《罗马》——家庭史诗
导演&摄影指导:阿方索·卡隆 Camerimage 铜蛙奖

《罗马》是阿方索·卡隆精彩的青春故事《你妈妈也一样》的前传。在这里,卡隆大胆的前提是通过住在家里的保姆和女仆Cleo(由Yalitza Aparicio扮演)回忆他在墨西哥城富裕的罗姆社区的童年。虽然这部电影描绘了墨西哥城和20世纪60年代,但卡隆让我们一直与Cleo共情,因其作为仆人和家庭成员身份而产生的不自然和所陷入的难以维系的境地。《罗马》通过长镜头和远景镜头来寻求真实性,并在非职业演员身上寻求偶然性。尤其震撼我的是两个“一镜到底”:一场是医院里分娩的固定长镜头,另一场是运用了摇臂摄影车的逐渐进入大海中的运动长镜头。
黑白的选择为非情节剧的年代戏增加了其所需的距离感,而华丽的摄影机摇臂运动则创造了一种史诗般的品质,弥漫在作品内外。作为一个摄影师,卡隆喜欢自然光,他拥抱干净的数字机画面质感,配合Alexa65大画幅与ARRI Prime 65镜头,呈现了非常清晰的、富有深度的复杂远景,以及丰富的明暗层次。很明显,导演已经从他的长期合作伙伴Emmanuel Lubezki,ASC,AMC那里学到了很多——还有什么更好的老师么!
阿方索·卡隆凭借其精湛的大画幅影片在今年的著名摄影师中赢得了一席之地。
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《冷战》——私人历史
导演:Pawel Pawlikowski ;摄影指导:Łukasz Żal, PSC Camerimage 银蛙奖
导演PawelPawlikowski和摄影师Łukasz Żal在2013年合作了一部杰作《修女艾达》。《冷战》是跟《艾达》搭伴的一部作品,也是黑白的,也是4比3画幅,但有一个更复杂的故事,发生在19世纪50年代和60年代,把我们从波兰农村带到了东柏林、巴黎和南斯拉夫。Tomasz Kot扮演Wiktor,一位音乐总监,爱上Zula,由Joanna Kulig扮演,Zula是这部电影的核心人物,是一名波兰合唱团女孩,后来成为了一名巴黎爵士乐歌手。
《冷战》追诉了这对动荡的爱侣之间不可能的爱情,因为两个人都追求不同的个人/政治自由理想,在铁幕的两边,相聚又分离。Pawlikowski的令人眼花缭乱的场面调度是一种形式上的混搭,从斯大林主义波兰的朴素的固定镜头开始,然后随着故事发展来到奔放的巴黎,摄影机运动了起来。最打动我的是一辆穿越柏林边界的移动长镜头,以及一幕令人难忘的手持一镜到底镜头——Zula伴随歌曲Rock Around The Clock跳舞的场景。《冷战》仍跟《艾达》一样用4比3格式拍摄,但这次构图不是利用头上空间,而是围绕着画面中心来结构。
ŁukaszŻal漂亮的摄影是一系列精妙复杂选择的结果。ŁUKASZ使用Alexa XT摄影机拍摄,但机器经过特别设计,使画面呈现与柯达Double X黑白胶卷底片相匹配,但黑色具有更强的穿透性。在《罗马》中,黑白影像营造了特定年代的感觉,同时有着当代的美学风格。Łukasz的照明创造了一种具有丰富影调的图像。一些场景中他要为T8或T11光圈来布置照明,这为Pawlikowski精细的画面带来了极大的深度。
看到ŁukaszŻal发展并拓展了《艾达》的摄影,达到《冷战》这样的至高水平,真是太棒了。
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<= 古典的自然主义 =>
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《南汉山城》——古典年代片
导演:黄东赫;摄影指导:金智龙,KSC Camerimage 金蛙奖

《南汉山城》在韩国获得了巨大的票房成功,也备受好评。故事讲述了17世纪朝鲜王和他的军队被兵力强大的清军围困的故事。导演黄东赫表示,历史上的围困故事是对韩国当代地缘政治形势的隐喻。
金智龙自然主义的灯光和优美的构图为故事提供了一种古典的优雅气质。他流畅地结合了长焦、中焦和广角镜头,从白天外景的史诗动作场面到更亲密的橘色调的、王与大臣商讨是战是降的室内场景,转换自然。《南汉山城》的摄影复杂而美丽,对整体呈现、连续性和反差都有极佳的控制。
我很期待着看到金智龙未来的作品。
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<= 新真实电影 =>
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《迦百农》——变形镜头&真实电影
导演:Nadine Labaki;摄影指导:Christopher Aoun

Nadine Labaki感人的电影因出色的非专业演员演出而十分有力。影片的核心是Zain,一个12岁的贝鲁特街头孩子(由Zain Al Rafeea扮演),他发现自己在黎巴嫩的贫民窟里和一个1岁的蹒跚学步的孩子孤零零地在一起,身无分文。Zain为了生存并照顾他收养的小弟弟所做的斗争是引人入胜的。Labaki成功地讲述了关于在社会中不可见的儿童和移民的故事,具有真实性和人文关怀。
Christopher Aoun的动感、流畅的摄影使《迦百农》有着浓浓的真实电影风格,摄影机跟随Zain揭示出了贝鲁特的环境。Christopher用Hawk C-Series变形镜头,制造出背景虚化和五颜六色的光斑,为这个童年故事增添了诗意。给空间逼仄的实景外景地打光时,Christopher采取“用室内反射器来反射外部光线(一个由Christian Berger, AAC, BVK发明的系统)”。影片大部分时候是Christopher在第2组摄影指导Marco Müller的帮助下,肩扛Alexa Mini的拍摄的。
《迦百农》的电影摄影创造了一种诗意的纪录片风格,揭示了一个黎巴嫩街头儿童严酷的童年世界。
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《炼狱信使》——真实电影&现实主义
导演:Jean-Stéphane Sauvaire;摄影指导:David Ungaro, AFC

Jean-Stéphane Sauvaire的电影讲述的是一名英国侨民比利·摩尔被捕后被关进泰国监狱的故事(由Joe Cole饰演)。比利发现自己身处一个危险的外星世界,他甚至不会说这里的语言。他通过戒毒和参加监狱的泰国拳击队找到了自己的出路。导演选择与非专业演员(其中许多是前罪犯)合作,并在泰国一所最近被遗弃的监狱进行实景拍摄。对话很少。该片讲的是一个简单的故事——在一片陌生土地上的救赎,其泰国演员阵容、真正的监狱实景以及纪录片美学赋予了它极大的真实感。
David Ungaro强大的摄影仅基于一台摄影机,它紧紧跟随着主人公,将我们带入了他的主观世界。David在定制的StabeOne手持云台上用Alexa Mini拍摄了影片大部分,给人一种流畅的纪录片的感觉,这部电影是手持设备和摄影车的混合拍摄的。他用Zeiss Mark II镜头。其当代照明方法结合了多种道具灯光,这些光源真实地反映了监狱所在地的现实情况。
《炼狱信使》是这样一部电影,其品质并非来自于简单的故事,而是来自忠实于真实的演员和布景的电影制作方式和摄影。
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<= 变体=>
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《登月第一人》——多种胶片质感
导演:Damien Chazelle;摄影指导:Linus Sandgren, ASC, FSF

在《登月第一人》中,导演Damien Chazelle通过一个宇航员哀悼他年幼的女儿死于癌症的个人故事,描绘了1969年历史性的月球着陆事件。瑞安·高斯林对尼尔·阿姆斯特朗的演绎非常节制,阿姆斯特朗是第一个在月球上行走的男人,一个坚忍的英雄,观众被邀请通过观察他在训练、测试和飞行等紧张情形下的表现,以及他与妻子和两个儿子的克制互动,来窥探他的灵魂。
Linus Sandgren的摄影描绘了阿姆斯特朗的情感之旅,展现了各种不同的胶片底片质感。Linus用颗粒感强的超16拍摄了幽闭恐惧感的太空舱内部,用35毫米拍摄NASA和与家人在家里的部分,这部电影的高潮是65毫米Imax胶片拍摄的尘土飞扬的月球景观,在摄影棚拍摄。所使用的镜头也相应多样,有佳能和Fujinon变焦镜头,Kowa,Camtec Ultra Primes和Hasselblad。Linus的照明是自然主义的,他始终保持着对独特的太阳光源的忠诚,无论在试飞的场景中,还是在太空舱里,在月球上他甚至使用了一个特制的200K灯泡。
《登月第一人》的摄影是针对故事的极佳调制,利用灯光、胶片格式和镜头三方面创造了艺术性的质感。
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《巴斯特·斯克鲁格斯的歌谣》——致敬拼贴
导演:科恩兄弟;摄影指导:Bruno Delbonnel, ASC, AFC

在《巴斯特·斯克鲁格斯的歌谣》中,科恩兄弟结合了6部短片,创造了对暴力的美国西部类型的后现代致敬,包含了所有的俗套:酒馆争吵、枪战、绞刑、野蛮突击队、探矿者、马车队和驿马车。但是,这部电影也是一个从不同视角展现死亡和死亡过程的系列,带有黑色尖刻的幽默和老式的豪言壮语。剧透警告:电影中有很多死亡场景,几个坟墓,以及两个截然不同的死后的形象,一个是滑稽的,另一个是不那么滑稽的。
摄影师布鲁诺·德尔博内尔(Bruno Delbonnel)告诉我,他试图给每个故事一个独特的“氛围”,有其自身的典故和感觉。主创们的视觉参考包括音乐剧、“塞尔乔·莱昂内”、其他西部片,甚至还有《猎人之夜》。本片大部分是实景拍摄的,每个故事对应的风景都从视觉上反映了其内在。最后的各种质感是由Bruno 与他的长期合作者、调色师Peter Doyle在导演的参与下通过DI得到的结果。例如,让我印象深刻的有,巡回表演演员在夜间表演时的形象,还有一座荒凉的银行建筑如何融入沙漠景观。
Bruno选用的摄影机是Alexa Studio XT 和Alexa Mini,镜头是Zeiss Master Primes。该片是科恩兄弟第一部以数字方式拍摄的电影,他们很快就体会到了数字拍摄的好处——长时间拍摄能力以及对视效制作的方便。Bruno认为,数字拍摄也帮助他设法应对了困扰制作的恶劣天气。Bruno在制作这方面的功劳在银幕上是看不到的。
《巴斯特·斯克鲁格斯的歌谣》是一个关于电影风格变体的精湛的例子,它为六个不同的故事创造了六种不同的基调。
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<= 电影表现主义 =>
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Vivid Anamorphic《一个明星的诞生》——生动的变形镜头画面
导演:布拉德利·库珀;摄影指导:Matthew Libatique, ASC

导演布拉德利·库珀在对好莱坞俗套故事的翻拍中,扮演与Lady Gaga相对的主角。这是一个酗酒的音乐明星杰克和才华横溢的新人艾丽之间的爱情故事,不时插入Lady Gaga的富有感染力的音乐表演。导演的关键选择之一是从舞台一边来拍摄音乐会场景,而不是从观众一边拍摄,这将我们带入表演者的世界。Gaga第一次登台演唱 Shallow 的场景令人叹为观止,动人心弦。
摄影师 Matthew Libatique设计了多种视觉世界的强有力的混合体,舞台上和舞台下的风格非常不同。舞台下的场景,就像晚上在超市外的求爱场景,都是充满了自然主义色彩的。在舞台上的场景中,马修使用DMX控制的照明系统在镜头之间创造旋转的色光,随着库珀的角色下降和嘎嘎的角色上升而改变配色。Matthew从青色和红色开始来标记杰克的世界,再加上Kowa变形镜头壮观的光斑,创造了这位歌手迷醉视点的视觉表现。当艾丽走到最前面,颜色变成蓝色、品红和红色,配合不那么炫目的老式Cooke变形镜头,这也适用于对话场景。这部电影在Gaga的最后一场演出中以清澈的白光收场。
《一个明星的诞生》是一个耀眼的展示五颜六色的变形镜头效果的摄影范例,融合了绘画版的配色、舞台上的动态灯光,以及相对柔和的舞台下的时刻。
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《永恒之门》——摄影机画笔
导演:Julian Schnabel;摄影指导:Benoît Delhomme, AFC

导演 Julian Schnabel 成功地从内到外创作了一部关于文森特·梵高的艺术电影,这或许是因为导演本身就是一名画家。威廉·达福奉献了梵高生命的最后两年里的令人惊叹的真实表演,这是其个人生命的高潮,也是其艺术爆发的时期,仍然引起广大艺术家和艺术爱好者的共鸣。
电影摄影师 Benoit Delhomme 也曾是一位画家,他让这部影片充满了色彩,包括文森特标志性的黄色。这部电影独特的画面是结合了一个高分辨率的Red Helium摄影机与老式的Kowa球面镜头的结果,有时加上分像聚焦透镜。Benoit 拍摄这部电影时几乎完全采用肩扛的方式,或者用定制的肩扛架双手握持拍摄,通常离演员很近。Benoit 与人物浑然一体的掌机操作为本片提供了一种独特的、绘画般的姿态。这一姿态还体现在文森特和西奥在床上轻轻挥舞手臂的镜头中,甚至在文森特随行人员的相对静止的正面肖像镜头中也能感觉到。1948年,亚历山大·阿斯特吕克用“摄影机—笔”(caméra stylo)的概念对新浪潮进行了模糊的预测。这里,我们有“摄影机—画笔”(caméra pinceau)。
看这部电影就是看人在作画。
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LIVING THE LIGHT - ROBBY MULLER ——一位摄影师的笔记本
导演&摄影指导:Claire Pijman,NSC

作为一名摄影师,导演 Claire Pijman 创作了一部关于已故的罗比·穆勒(Robby Müller)创作过程的美丽诗意的纪录片。Living the Light 将穆勒Hi8视频日记中的片段、照片和拍立得照片与他的一些标志性的电影片段结合起来,其间交织着合作伙伴文德斯、冯·特里尔和贾木许的访谈,贾木许也为该片原声作出了贡献。
Claire 成功地展示了穆勒的镜头,邀请观众站在拍摄者的立场上思考,同时体会他的灵魂。你不仅仅是在看罗比·穆勒的视频草稿和日记,你还在想象他在拍摄时的感受。《活在光中》是对一位伟大的摄影师的一种完美的、终极的致敬。
看这部电影就是看人在拍摄。
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