出色源自执着——书摘《戏剧浮生-黎耀祥论演技与人生》

                
                
访谈：一个演员对演出与生命的反思 访问日期：2009年11月22日晚上。
从“柴九”说起
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黎：这一行很有趣，考了第一就是考了第一。做演员最难与做人最难的，就是肯定自己的价值。以前有什么不安的，就是因为未肯定自己的价值。尤其是我较为特别，别人赞赏我哪部戏演得好，但好就是好，又有什么特别呢？反正公司又没有特别重视你，外面的市场又没有特别重视你，你又得到什么，那我是不是真的好呢？始终存疑。
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我很明白这个世界，没有人能够一辈子都站在高峰之上，上了山就要下山，日出日落，是必然的，所以我不会有压力。下个奖我必定拿不到，就是下一个奖也能拿到手的话，再下一个奖也必定拿不到，终会有一次是失败的、是被人批评的，这是自然现象，我并不觉得是压力、紧张或考验，这只是自然的定律。我常常觉得人要明白什么是“自然”，我很明白这回事。
问：这几个月，跟红顶白和势利眼等事情都看得特别清楚吗？
黎：是的。但我一向都知道“这些”的存在，其实不是现在才有。我一向都不介意，跟红顶白也只是另一种价值观，不需要觉得有什么问题，我自己也觉得这没有问题。因为，你总的看穿世情。
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那时候我可谓大步踏过心理关口，令我看通事情究竟，到现在，已觉得没所谓了。即使“柴九”今日如何“红”，下一年就再没有人理我了，没所谓的。下一年又会有另一个人“红”，又会有另一套剧集hit，大家又一窝蜂地围在哪里，这是必然的。
戏剧与人生
问：什么是演戏的方向？
黎：就是考虑如何演出的一种思维程序。以哭泣为例，为什么当知悉身边人离世的时候会哭呢？其实，想深一层，人并不是因为看到身边人离世而哭，而是因为害怕失去对方而哭，想起和他以前的片段而哭，可见，整个理念已经不同。
......演戏的基础其实来自生活。演戏，就是如何去捕捉真实，只是这些大家都不明白。
很多演员一直演戏，但是他们从来没有想清楚演戏和人生的关系，对我来说，演戏其实就是检视人生。很简单，演员演的是人，而演戏最终要做到的，就是“如何令我成为他”，如此简单的一句话而已。但问题是没有人知道这么简单的事情，大家往往都舍近求远。
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黎：......这个世界为什么会有宗教和哲学的出现?就是因为有人开始思考自己是什么，而演员亦必须思考人到底是什么，在众多行业中，演员是最需要思考这个问题的。
所以演员要学习的是哲学，而不是电影，如果没有哲学这个基础，所有表演都是空泛的。当然，有哲学作为基础，也需要通过表演技巧表达，其实两者缺一不可。
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问：这种想法，是什么时候开始的呢？关乎哲学和生命意义的追求，想必要有一定的思想深度才能想到吧！
黎：......在演习开始的头十年，我未有时间思考演戏背后的意义，因为有太多东西要学：演出、技巧、语气，以及形体的表达，还有幕后拍摄的技术；很多东西都是一点一滴地累积。加上我是一个喜欢思考的人，爱胡思乱想，即使自己一个人坐着，也可以不断思考，跟自己对话。
戏剧世界很单纯
问：那么戏剧是不是你生活中的理想国，一些很理想的事也会在那里发生，让你可以不断尝试别人的生命？
黎：其实尝试与否，理想与否都无所谓，但戏剧世界倒是一个很安全的世界。这或者与童年阴影有关，我童年是一个没有信心、很自卑的人，也不敢与陌生人接触。在戏剧世界就好多了，剧本写你们是好朋友就是好朋友了，你甚至不用认识他，也不用理解和建立。剧本里说是，就是。现实里你怎样和人建立关系？你怎样找朋友呢？这很难说。戏剧的世界不一定开心，戏剧中也有人去世，也有伤感的时候；但对我来说，那是一个很舒服和安全的世界。演员只要有情绪，当中没有顾虑，也没有忧虑，即使有，也只是情绪上的忧虑，而不是为角色喜怒哀乐的忧虑。相对来说，喜剧世界很单纯、很浅白。
演员的情绪
至于抽离问题，主要看演员想不想抽离而已。演员理应最懂得控制自己的情绪，能够“入”，就能够“出”，这是演员必须具备的能力。你总不能跟我说你只懂“入”，不懂“出”；既能“入”就能“出”，这是一定的。问题就看这位演员想不想走出来罢了。
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要明白做演员的，从来不是比拼喜怒哀乐。不是说谁哭得最快，谁就能取胜。演员更应该理解的是，怎样将一些人物的感情或精神层面升华。哭不一定是对，甚至可能是错。观众千万不要错觉哭得出的就是“好戏”，能够哭得出并不算厉害。
演员要知道怎样看待一个人物，知道怎样利用自己的演技和看法，好好地用演技描写一个人物，那绝不是单纯的喜怒哀乐演绎。喜怒哀乐从来是没有意义的，那不过是四种心情，很快就会做完，那有什么意义呢？所以演戏到最后，并不是一场比斗，而是要懂得把恰当的情绪，放在角色恰当的位置，令观众好好理解一个角色，理解他的生命。包括这生命对观众来说，会有什么启发，这才是一个演员演戏的最终目标。
最艰难的日子
问：你会用什么词语来形容那四年的时间呢？是怨气呢，还是委屈？
黎：不是怨气，也不是委屈，而是人生的无奈。如果你要理解，可以去听赵传的《我是一只小小鸟》，当中有几句歌词说到生活的压力和生命的尊严，究竟哪一样较重要。你思考过，就会明白什么是生活的压力和生命的尊严。我们不但要把生命的尊严放下，连演员的尊严也要放下。这段时间有很多不愉快的经历，但我没有怨气，我觉得那是必须经历、必须承受的。
甚至回头再看，我觉得那段经历很宝贵。很多人不明白，也很难说得明白。那个阶段是我内心情绪很丰富的阶段，什么挫折、什么卑微，任何感觉我都知道了，我是真真正正体会到每日等工作，到街头讨饭吃的生活，其实人生就是这样。
问：刚才你说到其他人不明白，是不是指有些人总忽视了你那四年所付出，或你曾经经历的？
黎：他们不明白什么是生命，亦不明白生命的喜乐和什么是有血有肉的实际冲击。很多年轻人都说自己委屈，怎样怀才不遇，但他们根本不知道什么才是怀才不遇，什么是寄人篱下，什么是委屈，什么是卑微。
其实现在很多演员都不明白，尤其是他们出身都很富裕，有些返公司时是驾着“波子”（保时捷），那会有多惨呢？即使他们没有“波子”，原来也可以天天坐的士上班。......
不过，当演员的总要有情怀，有人知。知道什么是生活，什么是生活的触动，还有生活的感觉在哪里，人的感情在哪里。所以，我常常觉得演员是必须要有情怀，不止是有表演欲，空有表演欲的演员是没有用的；最重要是要有情怀。情怀是对自己，对身旁的人，和对事物都要有。而且，你必须懂得用什么心态去看自己的生活。
电视业生态改变
问：刚才你提到年轻一代演员，大抵你常常眼见很多年轻演员抱怨？
黎：对，他们说很多事情都不合理，又埋怨剧本中的对白怎样，甚至怪责很多东西都不配合他们，等等。然而，他们有没有反省过自己？他们是否已经做得很好？对剧本的理解又有多少呢？对生活的认知又有什么呢？对人生的了解又有多少呢？如果就连人生是什么也不知道，对所演的角色的人生又不知道，又怎能祈求他们在戏里告诉观众呢？
其实演员的终极目的，就是要透过角色去告诉观众，人生究竟是怎样一回事。
......
问：你入行的那个年代有训练班，演员都有一套正统的训练。
黎：......现在不同了，训练班也不怎么训练。一个落选港姐，进一下训练班就出来演戏了，也再没有什么考试。他们现在连这个磨炼也没有了，签了约就可以演出，更不会有淘汰赛。当然，汰弱留强，所谓“淘汰赛”可能是三年或五年后出现，届时做得不好不被续约，再次回到起步阶段。所以我不会责怪现在的年轻演员，因为整个制度已经不同，社会价值观也变了，反正很多事情都替他们铺排好，顺理成章。
又如现在的小生、花旦，只要是公司力捧的，一出来便当主角，于是就没有了一个当闲角的过程，那又怎能怪他们呢？公司的政策和很多东西形成了他们的心态，就是没有阶段，顺利过渡。没有了，就是没有了，那是没办法挽救的。
......
问：有想过说出来吗？说出来也许会帮助到他呢？
黎：没法说，我实在帮不上他怎样对焦。更重要的是，演员必须将自己的情绪保持好。演员最重要的责任就是将戏演好，其他什么都不重要，别人有没有失焦不重要，对手拍得好不好不重要，所有人都不重要，最重要是你要演得好，保持自己该有的戏剧情绪。
烂剧本可以有好演技
黎：演戏是有很多变化的，并不是只有一个答案。一场戏并不见得只有一个演绎方式，当中可以有十个不同的可能，只看自己选择怎样演绎才好看。当然，当中可能有一个方法是“最好看”的，而在“最好看”与“最不好看”之间，其实还有一些可观的选择性。演戏不是“是非题”，当中可以分很多层次。......
问：你曾说这一行根本不是很多人会用心学戏，所以当我问你有没有教后辈演戏时，你甚至说他们根本没想过要学。
黎：对啊！所以还是别打扰他们，我最不喜欢打扰别人。我喜欢尊重别人，任何人都可以选择自己的生命。而且，有多少人入电视台是为了演出呢？要知道每个人入电视台工作，可以为了不同原因，而真正为了演出的，我看是少之又少。
问：那么电视台是明星多过演员？
黎：电视台没有明星，也没有演员，两者皆无。
问：大概很多年轻人不想放太多时间在演艺事业上。
黎：对，正如记者们常常会问演员一个问题，就是他们会给自己多少年时间放在演艺界，潜台词就是说：演员从来只是一个过客而已。但我就是要告诉大家，我的演戏生命是一生一世的。......
这行业从来不是给人“割禾青”、“赚快钱”。然而，有些记者总喜欢问一些肤浅的问题，背后是肤浅的价值观；不过，对于不明白的人来说，就是不明白，我也没办法。
了解演技不如了解人生
黎：演员不该只做一些自己做到的事情，也该尝试做一些自己做不到的。就是面对相类似的剧情处境，演员亦不应该将曾经验的演出重复呈现，反过来必须放入一些新元素，让事情发生，至于将会发生什么是不知道的，但这却是演戏里最有神采的地方。这就等同于一些画家，他们不会构思了整幅作品才下笔，而是一边想，一边构思，整幅画的神采就出来了。所以说，单单把所有的对白背熟，不代表就是好。
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问：那你很矛盾，你一方面不断想保持演戏的生命，来平衡真实的自己，但你另一方面，又想不做。
黎：对，因为人不断经历，演出也是经历，经历自然令人很累。但我又不断想去经历，所以是矛盾的。演员是一个宿命，而我从来都接受矛盾。
我很明白这个世界本身就是矛盾，宇宙的阴阳是矛盾，太阳和月亮是矛盾，日与夜是矛盾，永远都是这样的，是必然的，所以我觉得这个世界是不需要绝对，什么理想、憧憬是不需要的，我早已接受矛盾。
问：在电视剧和电影之间，你是不是较偏爱电视剧的生态和演出？
黎：......从演出上来说，电影唯一优胜的地方是实景，除此以外，其他的都比不上电视，包括拍摄的程序和过程。大家都知道电视剧拍场景是一场戏连拍的，一拍就是三页或八页剧本。相比之下，电影就一定分镜头拍摄，没什么是连拍的。
死亡与感激
问：有没有一些角色是自己很喜欢演，甚至不想演完呢？
黎：很少，很少会不舍得。我不知道为什么，可能我自己没有什么耐性，也不想戏剧重复现实，没完没了。现实你要面对很多问题，你不知道自己什么时候会死，要经历的事情还有多少。戏剧最好了，很快就经历完一生，二十集的戏，三个月就拍完。虽然有些态度不是十分正确的，但我不怕面对死亡，死亡对我来说是一种解脱，生命是没有什么好留恋的。
问：你是说真实的死亡，还是戏中的？
黎：有时候我会想到，要是现在我真的死了，也是好的，儿子也快长大了，我从来不会说自己对家庭、对事业很留恋之类的话。我生命中要完成的事都做完成了。早些完了，也无所谓。我想不到什么是要特别需要留恋的，有得留下来是不错，但没有也无妨。我的想法就是这样，好或不好自己也不知道。可能这个想法不太正确，很负面，但生命对我来说没有什么意义。
                                                                           —— 访谈篇 摘录完成于 2014.05.02.16:03
形体设计
-----------方法学-------------
机关算尽还是自然演出？
当把注意力集中在控制形态的时候，有时会兼顾不到内心的情绪；而当注意表达情绪思想时，又会把你拉到内心感情深处，因而完全停止了模仿当事人的形态及表情。.....
而令我反思的是，“戏”是应该要精心设计地去“演”，还是要自然舒服地区“演”？
没有一成不变的方法学
关于所谓“自然派演法”及“刻意演戏法”之抉择，一直都令很多演员感到矛盾，有点进退两难之感。因为前者之演法有可能被批评为沉闷而缺乏戏剧性；后者之演法就有可能被批评为老套而做作。
......
我觉得演戏应该是无分派别、无分方法，关键在于戏剧之体裁与需要。
演戏之好与坏不在于演员用什么方法去演，而在于演员是否演得好。演技从来无分派，个别演员才有分高低，与其沉迷那所谓潮流时兴，倒不如切切实实地投入生活，寻找那与生活紧扣之戏剧世界。
-----------喜剧-------------
铺排“情理”，营造“意外”
喜剧的效果虽然可分为“可笑的事件”及“可笑的演员”，但总离不开那“情理之内，意料之外”的定律。其实所谓“情理之内”是可以被营造的，有时候导演或演员要突出一个好笑的点子之前，总会刻意安排一个“情理之内”的事件或印象给观众，让观众首先接受了那个“情理”，然后才来一个“意料之外”，从而达到一个令观众发笑的效果。
......所以，观众看到的每个“笑点”，当中都是经过导演及演员苦心经营的。.....
有些硬滑稽的演员总喜欢在“笑点”之前加上无限丰富的表演，欲盖弥彰，事先张扬，观众一看已知道你葫芦里卖什么药，试问又何来戏剧效果呢？愿与各位喜剧演员共勉之！
---------生活与演绎------
不做多余的演出
传统戏剧的表演方式跟现实生活的情况，两者有时是背道而驰的。传统戏剧是努力与人分享故事，尽量令人明白，积极表达角色的每个情绪、每个细节；但当人在现实生活中的时候，却是不大愿意流露真实感情，对一般的人总会有一些保留，而且善于隐藏自己的反应。所以，从两者中找出一个平衡点是非常重要的。
“生活”的重拾与解构
演员的演出可以是很“戏剧化”，亦可以是很“生活化”的，事实上两者都有其效果及表达能力。前者是利用技巧及通过设计和计算，用外在表达的符号来令观众明白角色的内心世界，从而勾起观众相同的感受；而后者，亦即“生活化”的演出，就是要令观众置身于演员的世界，而演员亦走进观众的世界当中，与观众一同呼吸、一同生活，令观众产生共鸣，令观众看到一个如果真人真事的故事。再通过这样的感受，从而反思自己的生活态度及生命的价值，改善人生。
“生活化”演出与剧本配合
演员总有一个心魔，就是怕自己的表演不能令观众明白，只是把所有表演都集中在外在的表达，而缺少了内在的支持，甚至流于虚假造作的表演技巧，反过来把缺点一一暴露于观众面前。
“生活化”的演出有时还需要找一些场景来一个突破平淡节奏的演出，否则，单单一个节奏演至完场，即使是大师级演员也未必能被人接受及赞赏。《火宅之人》中，绪形拳的儿子死去，他在医院里的表现有着歇斯底里的失控，这场戏可说是他这角色于整部戏中唯一宣泄的场景，亦在平淡“生活化”的演出当中，加上精彩而跌宕的情绪转变，让观众再次关注演员的遭遇，亦能让角色不会因“生活化”的演出而变得没有神采。所以，再精彩的“生活化”演法，最终还是需要剧本来配合的。
------动作为角色添彩--------
小动作设计，大师级典范
每次演出新的角色，除了“填补”其内心的丰富以外，总想在外表上给予角色一些特别的小动作或惯性行为，从而加强角色形象，突出其性格，也令观众很快就明白角色要表达的一切。
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很欣赏《蝙蝠侠前传2：黑暗骑士》中的小丑所设计的一个小动作，希斯.莱杰经常用舌头舔那嘴角的伤痕。....一个这样的小动作包含着：它必定能够被拍摄到及必然被观众注意到；埋藏着角色的背景及他行为的原因动机；不断提醒观众他做出残酷行为与他受伤害的惨痛经历之互动，把角色的变态想象世界无止境地伸延。这真是一个完美的设计，是小动作之中的一个大师级典范。
形体动作的反向思维
每次演出的时候，总希望每次都有不同的演绎，希望带给观众惊喜，最低限度是不去重复自己或别人演过的方法，或观众经常看到的演出。但演出时总要估计角色的背景、那场戏的效果作用......，在有限的空间寻求变化就成为一个艰巨的任务。
......
再谈希斯.莱杰在《蝙蝠侠前传2：黑暗骑士》中饰演的小丑。......小丑走出医院时的形体动作也是一个反向的思维，他走的像一个洋娃娃、小女孩般趣致，他那回望医院的动作也有轻微卡通感觉。一个无恶不作、变态兼神经错乱的小丑表现得如此得意可爱，希斯.莱克于一个造成严重破坏的行为当中，加入一种有趣的表现态度，既可突出小丑的冷血，亦做到事态与气氛之间形成一种反差的效果，令一幕只是按动遥控炸毁医院的场面更有客观性，这就是一个好演员的重要价值了。
-----形体总结---------
肢体作为情感工具
演员的动作是有一定表达能力的，即使是一个没有内在感情的“特级沙人“，仍可通过动作“说出”他的感受。假若演员能适当地利用动作，再配合自己真切的感情，那就自然可感动观众。当然有时候没有动作，演员亦可凭真挚而纯粹的内在感情来感动观众，好像一些角色是全身瘫痪，动也不能动的，演员就只能够通过他的一双眼睛，以及轻微的面部肌肉动作，来表达角色复杂的情绪，这种演出才真的是难上加难，而过程当中，亦要做出很多表情及眼神的微调，才可达到令人完全明白的境界，因为有时候“有诸内未必能形诸外”。
感情，还是要利用我们身体各部分的“工具”来表达出来的。
                                                                       —— 书摘完成于 2014.05.02.23:03
节奏表达
----关于节奏------
节奏的责任
在某些演出的时候，会颇抗拒去“表演”感觉，或去“说出”感觉，因为感觉就是感觉，演员有感觉，观众自然有感觉，但有些导演总担心观众看不出来，所以永远要求演员去“做”那感觉，甚至把那感觉“说出来”。其实，有些感觉是可以用“节奏”把它演绎出来的。
......快与慢，急与缓，紧接与停顿，当中还包含着很多丰富的内容。演员演出时的节奏安排，还要看角色的性格及那场戏的整体性，做到两者兼备，自然可增加那场戏的可观性。
节奏 演员的拍子机
演员演出的节奏对于一个角色可说是有着决定性的影响。即使是同一个背景、同一个阶层、同一个外形、同一个性格的两个角色，当演出时被赋予不同的节奏，那么这两个角色就会很容易地被区分出来。......
有些演员可以带着观众随着自己的节奏进入角色，不知不觉，时快时慢，总之就可以令观众跟演员的演出步伐一样，同时经历角色的一生直至剧终；而有些演员却刻意地表现他的节奏感，甚至加上很多提示，例如瞪眼、张开嘴巴等，其实加上动作来表达节奏是一个不错的表演方式，错只错在当“外在”加强的同时，内心的拍子机却没有开动，所以观众永远无法跟着这演员的拍子而产生共鸣。
看过台湾女演员桂纶镁的两部戏，《不能说的秘密》和《女人不坏》，深深看到两种不同节奏演出的效果，前者是柔情似水偏向中慢板的节奏，有点像华尔兹的音乐感觉；而后者则是神经质偏向快速的节奏，有点摇滚的味道。
从对比节奏到深层演绎
“对比”可说是一个永恒的戏剧元素，气氛的对比、人物性格的对比、人物节奏快慢的对比，等等，通过对比来表达戏剧效果，总比强加一些对比来作说明动机来得高明。
《入殓师》的男主角小林，出场时的演出是带点戏剧的手法的处理，而他遇到的，却是个万分稳重不苟言笑的纳棺社长。......两个角色的一快一慢、一夸一实，本身已带着丰富的戏剧元素，而通过这两个角色的对比，亦带出两个年龄层的人有各自不同的工作态度，对纳棺师这份职业亦有不同的评价角度。有了这个巧妙的“对比”安排，好些“内容”都可通过这两个角色的相处而一一阐释。
......
好的“对比”隐含无穷的表达讯息，既有戏剧效果，亦能呈现个中内容含意，甚至留下一些想象空间，让观众感受那“对比”所做成的深层意义，体会人生里面那份不能言语的幽默和内涵。
----时间的奥秘----
演出的“时间”
“时间”是演戏当中最难说得清楚明白的一回事，小小一个停顿位，到底要停顿多久？一秒？两秒？五秒？每句对白需要相隔多少时间？角色思考的时间需要多久？反应的时间要多久？听对方说话之后需要多久才做出反应？一连串关于“时间”的问题，还有更多更多的例子，不胜枚举。
“演出时间”的真实性是很难确定的，因为当一件事是在真实的情况下发生及进行的时候，所有感受、判断、反应的时间都是自然地做出的，都是毫无预备地下做出的；相反，在演出的时候，所有发生的事情都是已经知道的，都是经过排练之后进行的，甚至是设计了如何表现出来的，这时，“时间”的真确性就很难掌握了。
停顿之必要
停顿，是演戏中所不能承受之轻。.....
当一场戏在进行的时候，突然出现了一个静默的空间，很多演员会出现害怕的情况，因为有些演员会担心自己忘记对比，所以出现静默的情况；亦有些演员会担心在静默的时候，到底他应该做什么，应该看着谁......一连串的问题都会浮现出来，不能自处。
.....其实很多表演者都会有停得太久这个忧虑，因为在停顿的时间里面，表演者若能够安排一段丰富的内容，而令这段时间不致是一片空白，这反而可以加添无限想象的空间，让观众真正走到表演者的内心。这时，才是观众与表演者真正交流的黄金时间。
-----语言节奏----
语言的节奏
语言的节奏大可以透视人物的性格、背景和说话时的目的，不同的节奏代表了不同的人物；同一句话以两种不同的节奏演绎，就会出现两种不同的意思。所以，说话的节奏是直接影响着人物的表达能力的。
每个人说话都需要经过思考，世界上没有一个人可以不停地说出十句八句话而不需要停顿；正如没有人可以不需要思考，而可以口若悬河地一句接一句地说话。所以安排说话时停顿的时间，和说话当中思考的位置，就成为必须留意的地方。亦因为演戏是希望尽量贴近生活的真实，所以分析停顿时间的准确性，说话时分句的真实情况，亦成为说话是否具备实感的关键。
语言节奏与思考逻辑
最近拍摄《毕打自己人》中，我就遇到这样一次恰如其分的演出。毛毛姐（毛舜筠）的表情固然非常丰富，可是大家只要注意她处理一段长对白时的方法，就会看到她在对白中间加上很多“转接位”，令整段对白不会平铺直叙。例如当说了两三句对白之后，她就会把那段对白的意思做一个完结，然后做一个忽然想起的反应再而开展另一个话题，反反复复做出类似的“转接位”，使得一段对白中形成不同的起承转合格局，丰富多姿。
......内心想法或题目有转变之时，语言亦随即做出转变以反应内心的想法，这才是人类的言语及思考逻辑。只是将一段长对白背诵得滚瓜烂熟，只会凸显角色的无知与演员的空洞。
                                                                           ——书摘完成于2014.05.04 13:37
演员思考
模仿是演员学习的第一步
演员的工作是要建构别人的故事，所以演员本身必须要有故事，又或者要拥有别人的故事，例如通过观察身边的朋友、同事或街上的行人，甚至是电影电视中的角色，总之，演员的观察要无孔不入。不单要观察，还要把他人的故事、特性，化整为零，一一拆细，把它们化成无数的资料，然后好好保存在你的记忆当中，当你有需要用到的时候，就能够从你的记忆保险库中提取。所以，身为一个演员，必须要时时刻刻都在工作，把你身边的老老少少，男男女女，奇奇怪怪的，都一一记下，务求令自己成为一本人性、各式人物的百科全书，然后才开始踏出演戏的第一步。
......通过这个模仿的过程，你就会掌握多一种原先不属于你的表演形式。而当你专注模仿别人的时候，你亦会不期然把模仿对象的特点找出来，这样就能锻炼出来自己分析他人及模仿他人的能力。了解和分析了他人的表面之后，再加强专注的能力，就能更进一步深入模仿者的内心世界，从他得内心动机出发，找出更多其行为的内在理据，从而贯彻整个人物的完整性。
演出可被独立评估
演员与对手的交流及导演的描写固然直接影响观众接收讯息的感觉，但演员本身的表演的魅力是可以独立被评估的。即使是导演的拍摄手法及剧本铺排不足，演员依然可通过自己对角色的安排及统一，完全体现一个有血有肉的人物，从而感动观众。
导演、剧本及对手的演出等客观因素确实难以控制，演员唯一可做的工作，就是要完善自己的角色。所以在颁奖礼当中，获得最佳演员的戏未必一定会同时获得最佳电影或最佳导演等奖项。排除所有客观因素，追求一个完整的演出才是一个演员的目的地。
技巧只是通往观众内心的桥梁
相信很多观众都有类似的经验，演员在镜头前哭得死去活来，而观众却没有一点感动；演员在镜头前笑得人仰马翻，而观众却看得呆若木鸡。把容易流眼泪的演员就看成是“好演员”这个定义，真的值得我们再三深思。其实剧情需要演员真实哭出眼泪的戏份及时间，占整体演出该戏的时间不出百分之五，换句话说，演员演“感情戏”拿满分，亦只能在整个角色的演出中拿取五分，假若演员在其他戏份及演出安排上不断犯错，那么，这次演出就注定要一败涂地了。更何况有些演员只是流泪的机器，他们的眼泪是没有半点感情的，所以，要感动观众还得看演员的内心，而不是光看演员表演的技巧及表象，技巧只是内心及通往观众内心的一道桥梁，而不是目的地。
从大脑分析到动作逻辑
思维是演戏的灵魂，身体是演戏的工具，空有好的思维、创新的想法，而没有表达的工具，再努力也是徒劳无功。训练班老师曾引用过某戏剧大师的名言：“演员是动作的大师”，当中所说的动作、面部每分肌肉和细胞的动作，串联以上所说得种种动作，才构成了一个简单的表演。所以，控制自己的身体、肌肉、细胞就成了演员的基本功夫。因为有了一个能够完全操控的身体工具，演员才能将要表达的意思，准确无误地传达给观众，令观众明白角色的所思所想。
收集情绪记忆
戏剧中的另一个专有名词——“情绪记忆”，意思是演员必须要记下曾经经历过的情绪，当演戏时遇到雷同的情绪表演，就可即时把自己的经验情绪套入角色之中，从而捕抓到角色的真实感觉。
我感觉得到
很多演员在演出的时候，都忽略了那“感觉”的重要性；感觉对手真的存在，感觉自己真的存在，感觉现场环境的气氛，感觉整场戏应有的节奏，感觉戏里所有的......
从前，假如要在一场戏的中段才进入场景的时候，我们会全神贯注去听那进场前的对手的最后一句对白，然后“感觉”到进场的恰当时间，就踏进场景当中开始演出，久而久之，演员就培养了“感觉”整场戏的气氛及节奏的习惯及能力。但现在很多演员都放弃了训练自己这方面的能力，进场的时间都要场务提示，白白浪费了培养把自己融入戏中节奏感觉的机会。
不要小觑这小小的习惯，因为经过长时间的锻炼，演员就能够从感觉这恰当的小小位置，到感觉到整场戏的恰当节奏，再到感觉到由戏转为真实的情况。
同理心的力量
能够触动观众情绪的，有很多方法，其中一种较为常用又很多时候用在动画卡通中的方法，就是挑起观众自身的情绪。每个人都有其独特的故事，都有埋藏心里不为人知的感情。演员可以通过自己的感情来触动观众相雷同的感受，这是人类一种很奇妙的共通性共鸣，亦类似所谓“同理心”。就是当你看到某人为某事情伤心的时候，你也会感同身受，为同样的事情而伤心；又或者令你“想起自己相雷同的事情而伤心”。
戏假情真
戏假而情不能假。情假，戏就变得无味；情真，戏就变得真；戏真，演员的情就更真，互为因果！
......总觉得演戏是探索人生的一条路；在这条路上，演员要不断地发掘自我，把藏在心底的真情、收在背后的经历、早已遗忘的故事都一一放在眼前，重新编写、重新注释，再将之全部出卖，卖给收买灵魂的魔鬼，再塑造出一个又一个有血有肉的角色人物。
....虚拟的演戏世界与身旁的现实世界难分真假；都市人的虚伪与演员的真情更加是复杂难辨。很久很久之前曾经在一篇文章中，看过以下的一段文字——“不要相信；总之，不要相信，今生今世，只是一个戏子，永远在别人的故事里，留着自己的眼泪。”
                                                                                           —— 书摘完成于2014.05.06 10：43