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翻译 | Thomas Ruff 访谈：寻找新的图像，是艺术家必须要做的事。

Richor 2017-03-12 00:19:12

从去年到今年初，德国摄影家 Thomas Ruff 分别在东京国立近代美术馆和金泽 21 世纪美术馆开设个人展。偶然间翻到了展览官网，初识这位摄影家，他的摄影非常多元，涵盖建筑、肖像、挪用和 CG 等等，又发现是类型学摄影之祖贝歇夫妇的学生，顺藤翻看了一些类型学的摄影作品，短暂沉迷了一阵。

网站里有许多摄影作品、日文的评论和访谈，受其吸引，顺便作为翻译小练习，粗译了上面的一篇访谈。鉴于图片禁止转载，作品均给出链接，强烈建议移步网站观看，作品也都有英文解说，理解无碍。

P.S. 两个美术馆都非常非常推荐（金泽的还在 to go list 里面），可惜展览今天就闭幕了，希望有机会能来国内展出。

照片／采访：服部円

Thomas Ruff 的艺术作品超越了现代艺术和摄影的藩篱，举世闻名。2016 年 5 月，我们造访了他位于德国杜塞尔多夫的工作室，探寻与温和的 Ruff 截然不同的概念艺术背后，关乎艺术、摄影和网络的观念。

他的工作室在德国杜塞尔多夫一座安静的住宅区里，从市中心过去有 10 分钟左右的车程。Ruff 的工作室由瑞士著名建筑设计事务所 Hdem 操刀设计，一踏进去，就能看见美术馆一般开阔的空间。为了便于搬运巨幅作品，地板设计成无障碍形式，举目可见美丽的庭院。

一楼有三个房间，一间天花板高耸的放映室，一间放着三台电脑的工作间，还有一间餐厅。楼上有两个房间，用来置放生活用品的私人空间。Ruff 爱用 Mac，为了管理作品数据，他一直用两台电脑的硬盘作备份。地下仓库存放着巨大的印刷成品。Ruff 基本上独自完成所有的创作，没有常驻的助手或者团队。

Ruff 工作时喜欢安静，休息的时候喜欢从收纳盒里拿出磁带听音乐。他每天在工作室从早上 10 点工作到下午 5 点，生活规律。除了他自己，还有他的爱犬 coco，是两个女儿硬让他养的。（采访的时候，coco 正好出去理毛了。）

工作室弥漫一种特别的气氛。古董店里买来的古物，宇宙飞船。飞机模型，从世界各地收集来的小玩意儿到处都是。这些物件看上去没有什么特别的，但随处摆放的物件，也可以看出 Ruff 的审美趣味和博物观。

昨天去了你的母校，杜塞尔多夫艺术学院（Kunstakademie Düsseldorf），看到了约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）留下的工作室。感受到了不仅是贝歇夫妇，还有博伊斯等人延续下来的杜尔塞多夫学院派的艺术。

我虽然跟着贝歇夫妇学习摄影，但周围也不只是有学摄影的朋友，还有学画画的，学雕刻的。我在学院学了很多摄影，但也系统学了从艺术起源到现代艺术的美术史。我自己不仅受博伊斯的影响，还有杜尚（Marcel Duchamp）。此外，里希特（Gerhard Richter）的风景和肖像的笔触可能也影响了我一些。当然不仅是德国，美国的画家也有。

学院的学制不是像本科生和研究生课程一样，而是第一年学习各种创作手法，第二年开始选择导师，由此开始学三年甚至是十年也大有人在。你学了几年？

除了最早的一年，我在贝歇夫妇的班里待了五年。之后我去巴黎留学了半年，然后又回来读了三年，加起来一共九年吧。至于为什么留那么久，纯粹是因为当时没什么钱，在学校待着的话，器材都可以随便用。还有很多理由，我想把工作室建在杜塞尔多夫，想待在可以进行摄影实验的创作环境里，还有和柏林等别的城市相比，杜塞尔多夫看上去更干净一些。

贝赫夫妇教了你什么？

一开始每个学生都一样吧，都会从模仿老师的作品开始。渐渐地，开始思考如何给自己的作品加上自己的东西。《 Interieurs 》系列就是受了贝歇夫妇的影响。他们教导我，“一旦把相机设置好了，就什么都不要动。只用当时的光。尽一切努力做到客观。”我努力践行这一点，不过用的是彩片。因为一直被教导说纪实摄影应该是黑白的，所以我把这套作品给老师看的时候有点心慌。但是他说，“你做的很对，这样没什么错的。跳过黑白吧，直接做彩色的。”老师从不墨守成规，始终保持开放的心态。此外，他还经常教导我要思考媒介的一些东西。我因此注意到了摄影的非客观性的本质，创作了《 Portrats 》系列。

毕业之后，你在学院里当了六年的老师吧。

“想要出名的话，应该拍什么？”无数个学生问过这个无聊的问题，实在受不了，我就辞了老师的工作。好吧，这是玩笑话了。作为一个艺术家，应该能找到新的图像。不执着在一个主题上，要不停地有新的想法。因此，比起千方百计想着如何出名，首先要加强自己的思想。最近学生中还有个奇怪的压力，一旦办了展览，就该出名。但是，正因为还待在学校里，立场是自由的，不需要办商业性的展览，也不会被艺术市场评价。所以失败也无所谓，就应该不断挑战实验性的东西。

用智能手机拍照，在 Instagram 上发照片，这是个谁都能拍照的时代。如何看待这个时代的艺术家？

我认为，谁都能在一辈子里拍出一张，不，三张很棒的照片。但是，作为一个艺术家，需要持续创作，做出能名垂青史的作品，这又是另外一回事了。虽然同样是照片，但业余爱好者和专业摄影家之间从来都没有可比性。

你没有自己的个人网站。你怎么看网络和 SNS ？

没什么特别的理由，就是因为太忙了。第一要务是创作，卖作品、办展览的时候美术馆和画廊的网站上自然会刊登信息的。况且艺术家也没有非得需要个人网站。

在网络已经成为日常的当下，不使用任何 SNS 的艺术家的个人动态完全不会暴露，给人感觉非常神秘。

我个人认为，有自己的个人网站的艺术家难道不是非常自恋的人么。既然是个艺术家，比起做网站，更应该花时间好好创作。我在网络兴起之前就开始创作了，通过网络宣传自己作品似乎没有什么必要。如果有人想要联系我，直接联系美术馆就好了。

对于网络，你是怎么看的？

网络刚开始流行的时候，大家在博客上上传自己的孩子、宠物的照片，这样使用网络的方式有点可笑。然后，企业开始刊登商业广告，色情行业开始搭建在线平台。之后又出现了 SNS，网络的使用场景一下子变了。当时谁也不知道在网上到底干什么好。我对网络没有什么共鸣，反而想以一种批判的态度看待它。

近几年你的作品中不断把原有的图像加工再造，比如《 jpeg 》使用了网上的照片，negatives 使用了复古负片的手法，《 presst++ 》用了报社的照片存档。你从什么时候开始不再按快门了？

2003年吧。虽然仍然会给女儿拍点照片，但是作为作品来说的摄影就到那时为止了。拿着相机在全世界奔波拍摄是件很辛苦的事，但是在网上，你哪儿都能去。而且虽然过去我的作品以摄影为主，但像《 cassini 》和《 ma.r.s 》等等，也制作过自己根本不可能拍出来的天文摄影。2000年开始，用网上的裸照做了《 nudes 》，用动漫截图做了《 Substrate 》。这些和我按快门拍的照片意义完全不一样，所以我直接用了网上的图像。

用电脑创作的时候，你是怎么处理数据的？

和造房子一样，先做基础，再建立柱，最后盖上屋顶。有时候几个小时就做完了，有时候要花几天的时间，直到找到自己心里的那副图像为止。首先要把画面上所有的东西都印出来、贴在墙上，就花了不少时间，有时甚至会把十张贴在一起比较。有时候，印出来的瞬间你可能兴奋地觉得，“这可真厉害！”，但过了几天就觉得完全不行。

问个技术的问题，《 jpeg 》真的是用 jpeg 格式保存的吗？

《 jpeg 》系列的图像就是用 JPEG 压缩出来的作品，所以最后也是用 JPEG 格式保存的。不过，像天文摄影这样需要表现精确细节的大尺寸印刷，就用 TIFF 保存。只是根据需要来选择保存格式罢了。

为了提升艺术作品的价值，你也会给你的作品加上画框吗？

好的作品当然要配好的画框。根据作品不同的细节表现，会精确到毫米，邀请工匠制作画框，有时候还会根据实际照片的大小再调整。不过，画框只是为了把作品挂在墙上不掉下来的东西，所以其实也不需要花那么多心思。

这次的展览是如何选择展出作品的？

80% 是我选的，剩下的是美术馆的工作人员选的。国立近代美术馆空间很开阔，金泽21世纪美术馆则被很多小房间分隔开来。根据空间先决定大概的系列，然后再根据地点替换，这样决定了展品。

新作《 presst++ 》系列，选用了读卖新闻的照片存档作为素材。

《 presst++ 》系列是从开始做宇宙相关的照片的时候开始制作的。所以这次为了回应未来和科技这个主题，使用了1970年大阪世博会和新干线的照片，最后从报社送来的 500 张照片里选了 4 张展出。

你的作品中，出现了天文物体，仿佛一个研究者一样俯瞰着这个世界。你是个浪漫主义的人吗？

确实，为了表现我年轻的时候憧憬的宇宙，空中飞车等等这些未来的科技，我用了自传一样的创作方式，所以作品的核心可能会看上去有些浪漫主义的味道。

翻译 | Thomas Ruff 访谈：寻找新的图像，是艺术家必须要做的事。

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