Gunshy的评论(50)

This Heat，诞生于1976年的伦敦，是一支仅存在了短短六年便不知所踪的实验/噪音乐队。如若不是一套2006年发行的美版Mini LP现身海关片市场，恐怕它仍将与我们的耳朵长时间绝缘，一如他们在整个音乐生涯中，也是从头至尾这般地与“地上”世界一刀两断。这六张碟理所当然是一次再发现，天才总是在时光回流时才闪放真正穿透般的光芒，无奈，This Heat实在是超前了时代太多，尽管我们已经一厢情愿地把那定义为一个属于孤高凄冷的后朋和先锋意味浓重的德系摇滚的时代。 我只收了其中三张，最喜欢的，要数1977年在BBC的录音《Made Available》了。主要是钟爱这张专辑氛围化的倾向，时时能将我带入一个充满幽冥气息的地下迷宫，有乌云迫顶和巨雷轰鸣的时刻交织着。作为一支杜绝电子发声器材的乐队，他们所制造的迷离、混乱、机械的、末日般的音乐图景，与其说借鉴了德系摇滚的美学特征......

《Live 80/81》作为一张现场专辑，录音质量是比较差的，但从中可以明显感觉出，This Heat这样的乐队应该是为现场而生的。即兴因子在发挥作用，比如，这一版的《Horizontal Hold》同《Made Available》那一版就存在很大差别，连最基本的吉他重复段落都不一样。我想，也正是这种实验态度上的自由度和开放性，令This Heat与同时期的德系摇滚乐队判然有别。拿同样以吉他、贝司、鼓为主导的Amon Duul作比较，可以得出这样的结论：虽然两者怪异的旋律是相似的，但其中更摇滚的一个显然是Amon Duul——即使是一首很长篇幅的歌曲，也能感觉出他们终将依照一个怎样的程序（不管如何迂回）到达一个每次都相似的原点。而This Heat则完全摆脱了这种程序的约束，他们的演奏像潮水一般层层向前，绵绵不绝，你却始终猜不透他们奔向何方；每一细部的表现，是脱离于主观意识之外的...... (2回应)

整张盘只有三支乐曲，是三段漫长的声音探索之旅。第一首二十分钟长的《Repeat》，像是用一双恍惚的醉眼在捕捉声音的色谱，沉重而混沌的低音打击，不厌其繁的停顿、缩减、延迟，反复攀升的螺旋状声音结构，这些表明乐队已然偷师了Dub的创作技巧和概念。只是，他们几乎完全用真乐器和古怪的发声体来做的。第二首曲《Metal》要更长一点，也更奇特一点，全部是打击乐器的叮叮当当，疏散而随意，落寞地开，落寞地败，似是在向人们宣告：他们抚弄声音的本事已臻冥想之境，大象无形了。第三首，没有名字，本应是前两段旅行的桥梁，却做了一个干净的尾声，是极简主义的，是逐渐消逝的电波，是一片噪声被背景吸干，最后只剩下真空。 真正的声音艺术家，自然是要超越手段，超越命题，然后超越音乐形态的。这张《Repeat》标志着This Heat正是这样的艺术家，有能力把他们对声音的理解拓展到不同的层面，以多样的形态演......

我只听过PiL前两张专辑，也是普遍评价比较高的两张专辑。1978年刚成军不到半年便推出的处女专辑《First Issue》应该是乐队最摇滚的一张（从资料来看，他们是逐步向跳舞音乐转变的），吉他时常是咯吱作响的，John Lydon的演唱像喝醉了似的，因为乐队所有的歌都没有正常的旋律，鼓也还是有Punk的遗风，精神抖擞的。这些条件凑在一处，理应是产生某种特噪音的乐风的，但奇怪的是PiL始终条理清晰，一块是一块的，绝少给人乐器混杂纠缠的感觉。即便像开场曲《Theme》这样无条理的瘫痪式歌曲，也还是淹没不了那条漂亮的贝司线，乐队的所有作品几乎都是以贝司为中心展开的，这一点在之前和之后的乐队中都是极其罕见的。所有那些以贝司闻名的乐队，没有一个做得像PiL这般极致，PiL的贝司不跳跃，不Funk，但是清晰得要命，喜欢听贝司的人不用使劲找就能一览无余。 不要小看贝司，从贝司的重复......

自然岩井的每一部片都是叫人难以割舍的，但是经过反复权衡，我还是决定把这一部选为我的至爱。原因是我比较偏爱温馨的故事，《花》不像《情书》有一种“此情可待成追忆”的遗憾，也不像《四月物语》那样太过短小精悍，有点不太尽兴，《花》中少男少女的分手是不萦心怀的释然，两个女孩子还是好朋友（为了友谊牺牲掉爱情），一切都是明朗，我们也大可期待雅志把扑克牌还给Alice的一天。 配乐也是这样，甜甜的，有点“爱美丽”的劲儿，没有悲伤的成份，甚至也没有低潮。电影开始是冬日的早晨，冷清的车站，几个钢琴音符轻轻巧巧地蹦出来，像姑娘口中呵出的白汽；花和爱丽斯上学放学，说不完的悄悄话，中提琴和大提琴听来妙趣横生，是春天的脚步；从花单独跟踪学长起，管弦乐团全部加入进来，花和爱丽斯用樱花打雪仗，春天的气息蔓延至整个银幕。这首曲子用了总不下10遍吧，却总是听不厌。 其实看这部片，即......

《情书》的经典程度使我自觉不自觉地忽视了它的配乐，试着从记忆中搜索，已经淡得不成形状。于是重新看了一遍影碟，这才猛地发现，《情书》实在是Remedios的一个巅峰。 舍弃了以往的合成器特色，Remedios以一派宁静致远的古典风范妆点这个平凡而又神奇的故事。音乐中这种“远”的意境真是抓住了电影的神髓，从几个层次上不断加深，一层是漫山遍野的雪，雪地里博子渐行渐远的身影，一层是女藤井树久远的记忆，还有一层是博子对藤井的呼唤“你好吗？我很好”，主题音乐的反复使用烘托出爱情的“远”——即便远隔岁月的长河，即便天人两分，爱情依然不灭。故事中有悲有欣，国中时代小提琴的活泼，得知藤井死讯时大提琴的凝重，交换试卷时吉他的温情脉脉——乐器的音色具备了感情。女藤井树的记忆会骗人，但是音乐不会骗人，最喜欢她还书的那首钢琴曲，道尽了初恋的微妙，她分明很是眷恋，但她自己偏偏不承认。 音乐...... (2回应)

这是一本好书，适合那些对电影爱得虔诚，又喜欢抱着影碟做白日梦的影迷。因为，两位作者也正是这样的人。从书本一开始，我就喜欢上那充满激情的行文，即使他们连篇累牍地描述电影的情节或某个场景，即使那是一部我看过多遍的电影，我也不觉得讨厌。那些令作者感触良深的画面，往往也正是我久久不能忘怀的。阅读的时候，一直是带着这种心有戚戚的感觉。 全书共分十一章，最大牌的电影大师几乎都涉及到了，个人以为其中说得最充分、最好的是费里尼，伊文思和基耶斯洛夫斯基。看得出来，两位作者是非常感性的人，对于那些诗意的，充满梦幻感的电影作品，他们总能发挥到酣畅淋漓，欲罢不能。“叩问大师”，“心灵触摸”，“浮光掠影”，从这样的小标题中，也能看出他们的立场：完全是一对一的。 其实，在老外们已经进行了足够多的研究，提供了足够多的文本积累的条件下，我们又哪有必要再去做干巴巴的影评分析呢？作者是看得......

选择在音速青年硌得耳膜疼的早期劲曲中烧光你多余的荷尔蒙，还是用500号名人（Galaxie 500）无精打采的恍惚声场给你的热血降降温，这是个问题。或者干脆两者都不要，因为我此刻最大的问题是：再这样软硬兼施下去，我肯定会死掉的。如今面对这般可以供上神龛的名字，恐怕不会再有谁胃口刁钻到只爱一个而摒弃另外一个，但细想来它们确实就像分属于两个截然不同的世界，仿佛只可能共存于一个具有双重人格的头脑之中。我需要寻找一种中和的声音，把两个世界化解归一。我首先想到了权威的Yo La Tengo，然后想到了不那么权威的The Flaming Lips，接下来想到了第三个可能更有说服力的名字：Rollerskate Skinny。 Rollerskate Skinny，这是1992年四个都柏林年轻人组乐队时灵机一动，从塞林格那部著名的小说中借来的妙语。这个名字本可以更加著名一点的，他们......

相对于我所知道的中国摇滚或者说中国独立音乐，小河是非常与众不同的一个。他同时打破了我的两种固有印象：一是中国摇滚作品形式上的孱弱，总给人半成品的感觉；另一个是汉语在演唱时似乎总要很费力地寻找韵脚。小河的音乐不存在这样的问题。它是自然淳朴，无拘无束的，就像纯粹在乡野间流传下来的歌谣；它又是圆熟，练达的，曲调中没有拖沓和废话，它甚至有探戈和香颂那样的优雅感。 小河不是一个科恩那样的诗人，也不是迪伦那样的斗士，像大多数中国民谣分子一样，他的歌曲不承载任何寓意或意识形态的东西；然而他是一个好的抒情者和讲故事者，在这方面，他可比那大多数强多了。几乎没有人做到像他那样，真诚、直接地表达出了人最美好的渴望，那么多的浪漫又残酷的意念。 从他的歌里，你能很明显地看到他走过的痕迹，他的人生经验。不能算是沧桑吧，他的年龄还不够吟唱沧桑；但当他拂去岁月的黄沙，下面总有些什么...... (6回应)

陈英雄有两副面孔：他有时隐身于市井之中，要做一个纯粹的观察者或者说偷窥者，这时他甚至毫不掩饰向布烈松靠拢的企图；而有时他又用逼视的目光如内科医生般地解剖他的人或物，足够用力，他也希望能够像老塔一样攫住事物的灵魂。 《三轮车夫》一直在这两种倾向之间摇摆。当陈英雄扮演前一个角色时，他有着极强的暴露欲望，但他显然不能像布烈松那般冷静——面对这样沉重的形象和生计谁也不能无动于衷，而慢拍快放的楼宇场景中，人们就像蜂房中的工蜂一样地忙碌着，这更是在直接痛斥整个生活流程的荒诞无序了；当他转向后一个角色，他干脆用诗歌来加重他的沉痛和残忍，但无论如何，他和老塔是不同的：老塔的现实中总有梦幻的影子，而陈英雄的诡异并非来自梦幻——他是硬生生地从现实之中压榨出了超现实性。 这样的趣味难免令他落入太过沉溺于象征主义的窠臼，可是此人偏偏毫不在意，他大大方方地一再沉溺下去。镜头不...... (5回应)